Música y Vino

Puedo intentar ser sincero pero nunca seré imparcial…
Sábado, a 28 de Agosto de 2010

"Éste el primer concierto, del año uno de los próximos 30 años". Con esta frase Alvaro Urquijo comenzó el recital de celebración de los treinta años de Los Secretos, concierto que se celebró en la Plaza de Las Ventas (Madrid) hace dos años.

Los Secretos son parte de mi vida sonora, los compañeros de muchos espacios de mis tiempos pasados y presentes,  y Enrique Urquijo, fallecido en 1999, mi prototipo de artista honrado y comprometido, y, por esos mismos motivos, infeliz.

A él y a su recuerdo le dediqué una entrada el 20 de octubre del 2007 (que actualicé el 21 de agosto de 2010: siempre hay que volver a Los Secretos); a él y a los componentes actuales del grupo, después de 30 años de música, hoy les dedico este escrito y este vídeo que incluye una de sus canciones más hermosas, "Agárrate a mi, María", compuesta por Enrique pensando en su hija María.

A Los Secretos los espero volver a ver dentro de 30 años y sueño con que después de 30 años más, sus canciones me sigan conmoviendo.

Alfredo Webmaster

Posdata: En la Gramola tenéis la opción de escuchar más música de este grupo. Vale la pena oírles de nuevo.

Otra posdata: desgraciadamente, el vídeo que incorporo es de una actuación reciente cantada Álvaro Urquijo. La versión de su compositor Enrique Urquijo, que antes se podía ver, se perdió entre los vídeos que el h... p... me borró.

 

 

Estoy metido en un lío
y no sé como voy a salir
Me buscan unos amigos
por algo que no cumplí
Te juré que había cambiado
y otra vez te mentí
Estoy como antes colgado
y por eso vine a tí.

Abrázame fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que esta noche es la más fría
y no consigo dormir.


Agárrate fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que tengo miedo
y no tengo donde ir.


Mañana cuando despiertes
estaré lejos sin ti
No creo que pase nada
de otras peores salí
Si acaso no vuelvo a verte
olvida que te hice sufrir
No quiero si desaparezco
que nadie recuerde quien fui.


Agárrate fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que esta noche es la más fría
y no consigo dormir.


Agárrate fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que tengo miedo
y no tengo donde ir.


Agárrate fuerte a mí, María
Y no llores más por mí
Volveré a por ti algún día
y escaparemos de aquí.


Agárrate fuerte a mi, María
Agárrate fuerte a mí
que tengo miedo
y no tengo donde ir.

 

 

Sábado, a 28 de Agosto de 2010

Joaquín Ramón Martinez Sabina, más conocido como Joaquín Sabina, es un madrileño de pura cepa que, por un error cometido por aquellas “cigüeñas” de nuestra infancia franquista, nació en Jaén en el año 1949.

A la edad en la que la mayoría de los españoles empezábamos a sentir el paso de los años, él hacía poesías sonoras de 200 segundos; y aún ahora, con sesenta años ya cumplidos, sigue deleitándonos con obras de una belleza inigualable y de una profundidad sentimental insondable.

Sus textos hablan de las calles, de la soledad, de las miserias cotidianas, de las verdades escondidas, de las mentiras públicas y privadas, de los mitos y desdichas de la pareja. Pero, de igual modo, también es el autor que mejor interpreta sentimientos y amores, con momentos de pasión sublime que envidiamos.

Una de esas canciones del alma, para el alma, de sentimientos y amores, es la que presento hoy: “Contigo”, incluida en su disco “Yo, mi, me, contigo” del año 1998.

Con voz nicotinada, rasposa, aguardientosa, de tonalidad difusa, vestido de oscuro, con su sempiterno sombrero de bombín, Sabina nos desgrana en la canción unos versos que no tienen errores, de obsesivo romanticismo (no meloso, no empalagoso), violenta en su planteamiento pero no agresiva, dura pero bella, cargada de sentimientos. Es, casi con seguridad, una de las mejores canciones de amor jamás escritas, una auténtica declaración de pasión, de entrega incondicional al ser amado.

Alfredo Webmaster

 

 

Yo no quiero un amor civilizado,

con recibos y escena del sofá;

yo no quiero que viajes al pasado

y vuelvas del mercado

con ganas de llorar.

 

Yo no quiero vecinas con pucheros;

yo no quiero sembrar ni compartir;

yo no quiero catorce de febrero

ni cumpleaños feliz.

 

Yo no quiero cargar con tus maletas;

yo no quiero que elijas mi champú;

yo no quiero mudarme de planeta,

cortarme la coleta, brindar a tu salud.

 

Yo no quiero domingos por la tarde;

yo no quiero columpio en el jardín;

lo que yo quiero, corazón cobarde,

es que mueras por mí.

 

Y morirme contigo si te matas

y matarme contigo si te mueres

porque el amor cuando no muere mata

porque amores que matan nunca mueren.

 

Yo no quiero juntar para mañana,

no me pidas llegar a fin de mes;

yo no quiero comerme una manzana

dos veces por semana, sin ganas de comer.

 

Yo no quiero calor de invernadero;

yo no quiero besar tu cicatriz;

yo no quiero París con aguacero

ni Venecia sin ti.

 

No me esperes a las doce en el juzgado;

no me digas “volvamos a empezar”;

yo no quiero ni libre ni ocupado,

ni carne ni pecado,

ni orgullo ni piedad.

 

Yo no quiero saber por qué lo hiciste;

yo no quiero contigo ni sin ti;

lo que yo quiero, muchacha de ojos tristes,

es que mueras por mí.

 

Y morirme contigo si te matas

y matarme contigo si te mueres

porque el amor cuando no muere mata

porque amores que matan nunca mueren.

 

Sábado, a 28 de Agosto de 2010

Me enviaron este vídeo, de un grupo de rock que se llama El Reno Renardo, que como me pareció magnífico os lo quiero enseñar.

Usando como base la música de la canción “Camino Soria”, de los míticos Gabinete Caligari, los muchachos del Reno Renardo le incorporaron una letra distinta y unas imágenes, obviamente, distintas.

El resultado es este temazo que ellos llaman “Camino Moria”, con una letra humorística que no tiene desperdicio, y que podéis leer con más calma a continuación del vídeo.

Alfredo Webmaster

 

 

"Ve haciendo el petate que nos vamos de excursión
Dejamos Hobbiton
Coge pan de lembas, los torreznos y el zurrón
Y avisa a Aragorn
Más allá de la comarca, existe un lugar
Como allí no hay Dios que aparque
Vamos andando
Galdalf hijoputa que bien vas en tu corcél
Nosotros a pinrel.
Se me ha puesta enhiesta cuando he visto a Galadriel
Bebiendo el hidromiel
El agente Smith de Matrix
Se ha vuelto homosexual
Lleva puesta la diadema
De Barbie Super Star
El gordo de Sam me da más miedo que un Nazgul
Quiere petarme el bul
Y me sigue incluso cuando voy a hacer popó
Detrás de un abedul
Nos vigila un bicho listo
Que se arrastra cual reptil
Por su aspecto es Angel Cristo
En taparrabos
Voy camino Moria
¿Tu hacia donde vas?
Me llevo pal camino
Un bocata de foie gras
Voy camino Moria
Hay que madrugar
Y vamos toda la peña
Cantando Manowar
Me engorilo y me entra euforia
Camino Moria
Cuando me pongo el anillo
Veo el ojete de Sauron
Me ha subido el carajillo
O es Juan Carlos de Borbón.
Voy camino Moria
¿Tú hacia dónde vas?
Dicen que hay una tal Gloria
Que le gusta por detrás
Voy camino Moria
Me quiero desfogar
Me han dicho que en la Gran Vía
Se encuentra un lupanar
Te dejan bien limpio el sable
Y te dan de papear
Los garbanzos de Elrond me han sentao fenomenal
Los elfos si que saben destilar buen patxaran
Las hordas de orcos como van a disfrutar
Voy a gasearlos como a los Kurdos Saddam"

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Sábado, a 21 de Agosto de 2010

Quizá la culpa es de los años, que van pasando y pasando, o, quizá, de que los recuerdos del pasado son (o nos parecen) mejores que la vida que estamos viviendo, pero hoy me levanté con el sonido de una voz y el chasquido de las cuerdas de una guitarra: hoy me levanté tarareando una canción de Enrique Urquijo y Los Secretos.

Recuerdo como si fuera hoy aquella mañana del 17 de noviembre de 1999, un día de cielo cubierto, plomizo, pesado, sentando en la sala de espera del aeropuerto de Barajas con un portátil en las rodillas y trabajando en un informe. Estaba allí esperando la salida de un vuelo de Iberia con dirección a Panamá.

En ese momento, más o menos a las 11 de la mañana, el televisor de la sala de espera del aeropuerto dio la noticia de la muerte de Enrique: lo habían encontrado en un portal del barrio de Malasaña (Madrid), roto y desmadejado por una sobredosis de heroína.

Aquél hombre de 39 años, que a veces parecía un niño, propietario del corazón más grande y de la fuerza de voluntad más pequeña, no había sido capaz de superar su larga adicción a las drogas. Ni su hija Maria ni su compañera sentimental Pía, lo habían conseguido arrancar de las garras de la autodestrucción.

Oí la noticia pero no la podía creer: no era posible que el autor de la banda sonora de mi vida me abandonara sin cantarme su última canción…

Dicen, se dice, que los hombres no lloramos. Pienso que o bien no soy hombre o en ciertas ocasiones dejo de serlo: yo he llorado y aún lloro cuando algo me conmueve o me emociona, y la muerte de Enrique me emocionó profundamente. Me emocionó tanto, que tuve que irme al baño del aeropuerto para no sentir las miradas de la gente de mi alrededor.

Su muerte fue la pérdida de una parte de mi pasado, de los rescoldos de la juventud que no volverá, la desaparición de los primeros años de madurez, de los sonidos de los guateques, de las audiciones privadas y no tan privadas de música a todo volumen, de los conciertos de Los Secretos en la Plaza Mayor de Madrid, en el 97, o el de la Sala Galileo del 99 (la última vez que le vi en directo).

Su pérdida fue la pérdida del poeta de los fracasos, el trovador de las derrotas, el cantor de las miserias de la vida, el campeón de la tristeza, el rey de la cruda realidad, el señor de los lamentos.

Su desaparición significó que ya nada iba a ser igual, que ya nadie me iba a decir que su ánimo era el mismo que el mío. Nadie volvería a expresar como él que su pena era mi pena. Su pérdida significó, también para mí, que “nunca he sentido igual una derrota…”.

Sé que nunca le pude dar personalmente las gracias por todo lo me ayudó con su música, pero hoy quiero hacerle el homenaje que nunca le hice, y mientras escucho su música siento que su presencia me ayuda a enjugar alguna tristeza de la vida, algunas pérdidas irreparables, algunas personas que vienen y van, que entran y salen… hoy siento que sus derrotas también son mis derrotas.

Estés donde estés, ¡gracias, querido Enrique!

Alfredo Webmaster

 

Quiero beber hasta perder el control

Nunca he sentido igual una derrota
que cuando ella me dijo "se acabó".
Nunca creí tener mi vida rota.
Ahora estoy solo y arrastro mi dolor.

Y mientras en la calle está lloviendo,
una tormenta hay en mi corazón.
Dame otra copa: aún estoy sereno.
Quiero beber hasta perder el control.
 
¡Cuántas noches soñé que te besaba
y en mis brazos llorabas por tu error!
Luego, un ruido del bar me despertaba
y el que lloraba entonces era yo.
 
Y mientras ella está con otro tipo,
mis lágrimas se mezclan con alcohol.
Ella se fue. ¿Por qué no me lo dijo?
Y siento que mi vida fracasó.

En homenaje de agradecimiento a Enrique y a la compañía que me hizo toda mi vida, aún ahora me lo hace, hoy incluyo en la Gramola algunas de sus mejores canciones:

  • Quiero beber hasta perder el control: una de las canciones más bellas de Enrique, en la que deja entrever sus miedos y sus dependencias, su necesidad de amar y ser amado.
  • La calle del olvido: una canción de desengaños y traiciones, de arrepentimientos a destiempo.
  • Ojos de gata: otra balada de más y más derrotas, del reconocimiento de que nada es igual pese a que lo veamos distinto. Joaquín Sabina, gran amigo de Enrique, compuso un tema similar en el que él sí triunfa.
  • Hoy no: otra magnífica canción.
  • Cambio de planes: un tema de siempre.
  • Pero a tu lado: una de las canciones de amor más bonita que se han escrito.
  • Agárrate a mí, María: esta canción, con reminiscencias de ranchera, está dedicada a su hija María; en la letra reconoce la necesidad de su ayuda, de su compañía, de su angustia al ver que se le va la vida. Es, sin lugar a dudas, la mejor herencia que le pudo dejar, una arrebatadora canción de amor.
  • Volver a ser un niño: una hermosa canción de ligera alegría
  • Nada más
  • Bailando en el desván
  • Ya me olvidé de ti
  • Puede que algún día: esta canción estaba dedicada pero ya no lo está.

Enrique y su hija María
Enrique y Maria 1
Enrique y Maria 2
 
 
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Viernes, a 13 de Agosto de 2010

Cuando mi hija Ana me preguntaba cómo distinguía una buena de una mala película sólo con ver los primeros minutos, siempre le respondí lo mismo: “Si la banda sonora me llena, me hace sentir bien, me hace vibrar, sé, como mínimo, que la película no va a ser mala; si el resultado final, una vez visto todo el metraje, es un filme magnífico o una obra maestra, va a depender de más factores además de la música: el director, el guión, los actores, la fotografía, el presupuesto, etc.".

Hay películas de las que sólo recordaré su banda sonora, y sólo eso, que no es poco: al menos intentan agradar. Otras, en cambio, las recuerdo por que son el compendio de muchos factores unidos, y ahí radica la excelencia. Es el caso de la canción "You're so cool!" del gran Hans Zimmer.

Esta canción está incluida en la película de 1993 “True Romance” (en España: “Amor a quemarropa”) del director Tony Scout, hermano de Ridley Scout.

Si ya de por sí la película es una magnífica obra sobre el desarraigo, la soledad y la lucha por la felicidad, también es un filme profundamente romántico: si somos capaces de convivir con la sangre y el dolor de muchas escenas, es una obra de una sensibilidad extrema.

No sé a vosotros, pero a mí escuchar esta canción, más evocadora de paisajes del Pacífico Sur que de una historia de gángsters, drogas y macarras de novelas pulp, me produce una profunda nostalgia y una ganas enormes de colaborar con los protagonistas en su frenética huída…

La canción también me trae recuerdos nostálgicos de aquella maravillosa película de 1973 de Terrence Malick, titulada “Badlands” (en España: “Malas tierras”), con unos jovencísimos Martin  Sheen(*) y Sissy  Spacek.

True Romance” es, seguramente, una de las mejores películas de acción/romance de los últimos 25 años.

Alfredo Webmaster

Nota: Martin Sheen, cuyo nombre real es Ramón Antonio Gerardo Estévez, no es yanqui al 100%: Martin es gallego, tiene casa y residencia eventual en un pueblecito de la provincia de Pontevedra que se llama Salceda de Caselas. Allí lo vi una vez al finalizar una ruta de senderismo, no hace mucho tiempo, sentado en el (casi) único bar del pueblo, confundido en medio de los lugareños. Su estampa era la de una persona real, próxima, afable, sencilla.

"You're so cool!" de Hans Zimmer (1993)

B.S.O. de "Badlands", de Terrence Malick, por Carl Orff - Gassenhauer (1973)

 

Viernes, a 13 de Agosto de 2010

De otra película maravillosa, inconmensurable, de una poderosísima fuerza y vitalidad, pero también profundamente triste, dolorosa, descorazonadora, es este bellísimo canto infantil originario de las Islas Salamon e incluido en una obra maestra del cine bélico, o, mejor dicho, del antibélico: “God Yu Tekem Laef Blong Mi”, canción que podéis escuchar en la película “The Thin Red Line” (en España: “La delgada línea roja”) de Terrence Malick.

En esta película, en la que su banda sonora también es de Hans Zimmer, intervienen como protagonistas casi todos los mejores actores de los últimos 50 años: Sean Penn, Adrien Brody, James Caviezel, Ben Chaplin, George Clooney, John Cusack, Woody Harrelson, Elias Koteas, Jared Leto, Dash Mihok, Tim Blake Nelson, Nick Nolte, John C. Reilly, Nick Stahl, John Travolta, Randall Duk Kim y John Savage.

Terrence Malick sitúa la acción en los paisajes más bellos y idílicos nunca vistos en una película de guerra, de fuego, de muerte. Las imágenes son un canto desesperado a la naturaleza, a la pureza primitiva del ser humano, pero también implican una profunda reflexión sobre la maldad inherente a la condición humana y su tendencia a la autodestrucción.

La guerra que vemos no incluye los valores que nos vendían películas como “Salvar al soldado Ryan” o similares; aquí vemos la guerra como una máquina que deshumaniza a las personas, que las convierte en bestias insensibles, que ensucia y degrada la naturaleza y, a la postre, destruye la pureza del mundo. Es un filme en la línea del Apocalypse Now de Francis Ford Coppola.

La frase que el soldado Witt, personaje interpretado por James Caviezel, piensa para si mismo en un momento del filme, es muy clarificadora: "Todo es mentida. Todo lo que sentimos, lo que vemos. ¡Cuántas mentiras escupen! (...) Nos quieren muertos o viviendo su mentira. Lo único que puede hacer aquí un hombre es encontrar algo que sea suyo, crear una isla sólo para él"... mientras piensa  escucha las arengas militaristas del teniente coronel Tall (interpretado por un grandioso Nick Nolte), un ser lleno de ambición, de sed de glorias guerreras y de brutalidad, un personaje que contrasta con los miedos, las angustias y el dolor de los que no entienden porqué deben matar a sus semejantes o porqué tener que destruir el paraíso en donde están recluidos.

La música es el vivo reflejo de las vivencias de estos seres tan dispares: el reflejo de la paz y la tranquilidad de la naturaleza, y el (im) perfecto contrapunto con lo que hay fuera de ese límite físico y temporal.

Alfredo Webmaster

 

The Thin Red Line” y otras canciones, por The Melanesian Choirs

 

Viernes, a 13 de Agosto de 2010

 

En sus primeros compases, cuando arrancan la voz y las guitarras, aparenta ser una composición de aires folk-pop, en el estilo de un Ian & Sylvia Listen Now, Burl Ives o Kingston Trio Listen Now, pero según avanza la canción descubrimos que se trata de un tema popero de espíritu psicodélico y aire experimental, más en la onda de los Arcade Fire.

Pero no son ellos; se trata del grupo francés Hold Your Horses! y su “70 Million”, una canción y un vídeo absolutamente apabullante, una obra maestra de la creación visual, muy pero que muy por encima de lo que suele ser habitual en los videoclip musicales.

El videoclip, producido por L’Ogre, esta formado por escenas concadenadas en las que se trata de reproducir, de la forma más fiel posible, obras pictóricas de fama mundial de artistas de la talla y calidad de un Botticelli, Velázquez, Picasso, Mondrian, Andy Warhol, Van Gogh o Gustav Klimt.

Las 24 obras de arte maravillosas que veréis, siguiendo el orden de las imágenes, son:

- Leonardo da Vinci, L’ultima cena (1495 – 1497)

- Sandro Botticelli, La Nascita di Venere (1485-87) 

- Rembrandt, Anatomische les van Dr. Nicolaes Tulp (1632) 

- Jean Clouet, Portrait de François Ier (1525)

- Johannes Vermeer, Het meisje met de parel (1665)

- Théodore Géricault, Le Radeau de la Méduse (1818-1819)

- Jacques-Louis David, La Mort de Marat (1793) 

- Michelangelo, Creazione di Adamo – en la Capilla Sixtina – (1510) 

- René Magritte, Le fils de l’homme (1964) 

- Piet Mondrian, Composition (1914 – 1944) 

- Frida Kahlo, Autoretrato (1926 – 1954) 

- Pablo Picasso, Retrato de Dora Maar Sentada (1937)

- Edvard Munch, Skrik (1893 – 1910) 

- Andy Warhol, Marilyn Monroe (1967)

- Autor desconocido, Gabrielle d’Estrées et une de ses soeurs (1594)

- Giovanni Cimabue, Maestà di Santa Trinitá (1285-1286)

- Caravaggio, Salomè con la testa del Battista (1608) 

- Édouard Manet, Olympia (1863) 

- Eugène Delacroix, La Liberté guidant le peuple (1830) 

- Otto Dix, Portrait of the Journalist Sylvia von Harden (1926) 

- Gustav Klimt, Der Kuss (1907-08) 

- Marc Chagall, La Mariée (1950) 

- Diego Velázquez, Las Meninas (1656) 

- Vincent Van Gogh, Zonnebloemen (1880)

Verlo y oírlo nos permite hacer un paseo por la historia de la pintura que no nos dejará indiferentes.

No os lo perdáis: disfrutadlo.

Alfredo Webmaster

 

 

 

Jueves, a 22 de Julio de 2010

 

Casa de Fados es la puesta en escena de un concierto con la estética y la visión de la película Fados de Carlos Saura. El concierto pretende reproducir el ambiente de una Casa de Fado, locales donde se canta el fado en Lisboa y donde el público rinde culto a cantantes y músicos de este género.

La última película de Carlos Saura completa una trilogía que el cineasta aragonés ha realizado sobre las músicas urbanas que nacieron en el s.XIX en diferentes ciudades y que se han convertido en músicas universales. Si Iberia, Flamenco y Tango hablaban respectivamente del flamenco y el tango, en Fados el afamado director nos muestra visión sobre esta música y su manera de entender la vida. En la cinta, artistas de la talla de Chico Buarque, Caetano Veloso, Marisa, Lila Downs y Miguel Poveda, entre otros, rinden un homenaje al fado.

En Fados participan diferentes generaciones de fadistas, instrumentistas y cantantes, primeras figuras del fado y jóvenes promesas que se han convertido en artistas en la vanguardia de esta música y que son ampliamente reconocidos como herederos de figuras como Amália Rodrigues o Carlo do Carmo.

En concierto de Casa de Fados varias generaciones de fadistas que participan en la película cantan “À desgarrada” uno tras otro, en un espectáculo acompañados por la escenografía e imágenes de la película Fados, creando un espectáculo que nos transporta al ambiente y el sentimiento del fado.

Fadistas: Carminho, Ricardo Ribeiro, Vicente da Câmara, Maria da Nazaré, Ana Sofia Varela y Pedro Moutinho.

Músicos: Pedro Castro y José Luis Nobre Costa (a la guitarra portuguesa), Jaime Santos (viola) y Joel Pina (bajo acústico).

 

Fado Corrido - Vicente da Câmara
(Vicente da Câmara / Popular *Fado Corrido*)
 
Uma amizade perdida
Nunca mais pode voltar
É amizade fingida
Se vai e volta a brincar
Ninguém dá nada
Se atrás não vier contravalor
Ninguém dá nada
Se atrás não vier contravalor
 
Só um amigo é capaz
Sem receber de dar amor
Só um amigo é capaz
Sem receber de dar amor

Minha mãe eu canto a noite - Maria da Nazaré
(Vasco de Lima Couto / Popular *Fado Menor*)

Minha mãe, eu canto a noite
Porque o dia me castiga
É no silêncio das coisas
Que eu encontro a voz amiga

Minha mãe, eu sofro a noite / Neste amor em que me afundo
Porque as palavras da vida / Já não têm outro mundo

Minha mãe eu grito a noite / Como um barco que te afasta
E naufraga no mar alto / Ao pé da onda mais casta

Por isso sou este canto / Minha mãe, tão magoado
Que visto a noite em meu corpo / Sem destino, mas com fado

Fado Corrido - Ana Sofia Varela
(Tiago Torres da Silva / Popular *Fado Corrido*)

Talvez o fado me diga
O que ninguém quer dizer
E por isso eu o persiga
Para nele me entender
E por isso eu o persiga
Para nele me entender

Meu amor tenho cantado
Sobre um céu tão derradeiro
Porque me entrego em cada fado
Como se fosse o primeiro

Talvez o fado não me peça
Tudo aquilo que lhe dou
Por isso por mais que o esqueça
Ele não esquece o que eu sou
Por isso por mais que o esqueça
Ele não esquece o que eu sou

Fado das Horas - Carminho
(D. António de Bragança / Popular *Fado Mouraria*)

Chorava por te não ver,
por te ver eu choro agora,
mas choro só por querer,
querer ver-te a toda a hora.

Passa o tempo de corrida,
quando falas eu te escuto,
nas horas da nossa vida,
cada hora é um minuto.

Quando estás ao pé de mim,
sinto-me dono do mundo.
mas o tempo é tão ruim,
tem cada hora um segundo.

Deixa-te estar a meu lado
e não mais te vás embora
para meu coração coitado
viver na vida uma hora

Guitarrada - Pedro de Castro & José Luís Nobre Costa (guitarra portuguesa); Jaime Santos (viola); Prof. Joel Pina (baixo)

Fama de Alfama - Ricardo Ribeiro & Pedro Moutinho
(Carlos Conde / José Lopes *Fado Lopes*)

Não tenham medo da fama
De Alfama mal afamada
A fama ás vezes difama
Gente boa, gente honrada

Fadistas venham comigo / Ouvir o fado vadio
E cantar ao desafio / Num castiço bairro antigo

Vamos lá, como eu lhes digo / E hão-de ver de madrugada
Como foi boa a noitada / No velho bairro de Alfama

Eu sei que o mundo falava / Mas por certo, com maldade
Pois nem sempre era verdade / Aquilo que se contava
Não tenham medo da fama
De Alfama mal afamada

Muita gente ali, levava / Viva sã e sossegada
Sob uma fama malvada / Que a salpicava de lama
A fama ás vezes difama
Gente boa, gente honrada

 
Domingo, a 11 de Julio de 2010

Woodrow Wilson Guthrie, más conocido por Woody Guthrie, el más gran cantautor norteamericano de toda la historia, nació el 14 de julio de 1912 en Okemah, Oklahoma.

Se unió con otros cantantes folk a los Almanac Singers o People’s Songs, colectivos de cantautores progresistas que apoyaban con sus baladas y recitales las reivindicaciones obreras, dando continuidad a la tradición de Joe Hill y los trovadores anarcosindicalistas.

De aspecto famélico, recorrió todo el inmenso país a bordo de interminables trenes de carga o cruzando polvorientas carreteras para acudir en apoyo de los obreros en huelga, de los campesinos hambrientos y de los manifestantes apaleados en las calles.

Su estilo personal, con influencia de la música tradicional irlandesa y del blues negro, fue el detonante de un movimiento de artistas comprometidos con la lucha de clases y el iniciador de la más fructífera generación de trovadores yanquis. Dotado de una inspiración inagotable, su extenso repertorio abarcó más de mil canciones que aún hoy forman parte de los mejores repertorios de música folk y de canción protesta. Sus baladas disparaban tanto contra la guerra imperialista y el desempleo, como en defensa de los huelguistas, los vagabundos, los perseguidos, los represaliados y los presos. Recuperó las historias de bandidos generosos y anarquistas asesinados, pero también cantó con su voz, su armónica y su guitarra, a los niños y a los viejos, a los montes boscosos y a las llanuras desérticas de su país.

Forjó un estilo combatiente de lealtad indesmallable hacia todas las luchas obreras, las huelgas, las protestas populares y el apoyo de su voz y su guitarra a la suerte de los obreros y de todos los antifascistas.

Las canciones de Guthrie llegaron a España en la boca y cánticos de los combatientes norteamericanos de la Brigada Abraham Lincoln, de los miles de hombres y mujeres de se país que vinieron generosa y desinteresadamente a combatir al fascismo de Franco y sus secuaces, codo con codo con los republicanos, y demócratas españoles, dando un ejemplo imborrable de internacionalismo. Desgraciadamente para ellos, los pocos supervivientes que volvieron a su país al terminar la cruenta guerra civil española, fueron implacablemente perseguidos en su país por haber defendido la democracia y la república.

Al mismo tiempo que los brigadistas norteamericanos nos trajeron o compusieron inolvidables canciones de su repertorio, como “Jarama Valley”, incorporaron algunas nuestra al repertorio musical norteamericano. Todavía muchos grupos musicales de los países anglosajones cantan de memoria el “Ay Carmela” o el “Himno del V Regimiento”, como si fueran canciones suyas de toda la vida.

Con nuestra música y con la de las Brigadas Internacionales, incansable, Guthrie dio recitales por todo Estados Unidos con una pegatina en su guitarra con una frase que decía: “This machine kills fascists” (Esta máquina mata fascistas). En un escrito mío sobre Micah P Hinson, hacía mención a que en su guitarra llevaba puesto lo mismo.

Woody Guthrie compuso álbumes que eran verdaderos tratados monográficos sobre las luchas populares. Sobre las batallas de los indefensos, surgieron sus canciones sobre la construcción de las grandes presas de Bonneville y Grand Coule (Columbia ballads, 1937), sus Baladas de Sacco y Vanzzetti (1946) y, sobre todo, sus espléndidas “Dust bowl balads” (Baladas de la cuenca del polvo), donde narra la emigración de los empobrecidos campesinos de las praderas a California tras la crisis de 1929, incluyendo la irrepetible “Tom Joad”, una balada de siete minutos que resume las 500 páginas de la novela “Las uvas de la ira” de John Steinbeck:

Donde haya niños con hambre y llorando,
donde la gente no sea libre,
donde los hombres luchen por sus derechos,
allí estaré yo...

Una de sus canciones más conocidas es “This land is your land” (Esta tierra es tu tierra), que expresa ese sentimiento joven, abierto, inconformista y solidario con el que los emigrantes originarios de países muy lejanos se unieron en un mismo país, en su país:

Había una tapia muy alta que trató de detenerme
y colocado un letrero que decía Propiedad Privada.
Pero por la parte de atrás no ponía nada
porque esta tierra es tuya, esta tierra es mía.
Esta tierra fue hecha para ti y para mí
”.

Y en su canción “El vigilante”, escribió:

¿Por qué lleva el vigilante
una escopeta aserrada en la mano?
¿mataría a tiros a su hermana y a su hermano?
He vagabundeado de un pueblo a otro
y nos echaron como si fuéramos ganado.
¿Eran esos los vigilantes?

Woody Guthrie murió el 3 de octubre de 1967, tras doce años de convalecencia en un hospital a causa del mal de Huntington.

En los años 50 y 60 (Pete Seeger, June Carter y Jonnhy Cash, Bob Dylan, Donovan, Grateful Dead, Bruce Springsteen, John Mayall, Peter Lafarge, Malvina Reynolds, Sonny Terry, Tom Paxton, Phil Ochs, Judy Collins, Alan Lomax, Richard y Mimi Fariña, Julius Lester, Arlo Guthrie –hijo de Woody-, Willie Nelson, Cisco Houston, Joan Baez, etc.) muchos intentaron copiar su estilo de música, pero muy pocos intentaron ser como él como persona. No se dieron cuenta de que ambas cosas estaban unidas, que su estilo no hubiera llegado tan alto sin esas jornadas interminables viajando en los polvorientos trenes de mercancías que le acercaban y hermanaban con los obreros en huelga, o sus interminables viajes en destartaladas furgonetas en compañía de familiar harapientas.

El pop actual fue posible porque Guthrie supo llegar a la gente con la música, hablándole de sus problemas, de sus esperanzas y de sus luchas. Pero las grandes estrellas actuales en sus giras multitudinarias y las multinacionales de la música más comercial han olvidado ya todo eso; incluso algunos, los más reaccionarios, le han dado la vuelta al mensaje reivindicativo de Woody Guthrie, apoyando al imperialismo.

Hoy en día, la música popular norteamericana ha sido expoliada y expropiada de todo el jugo político y de denuncia que Woody le imprimió a sus canciones.

Dicen que Guthrie influyó muchísimo en los conceptos musicales de Bod Dylan, pero no consiguió influir nada en sus conceptos morales. Guthrie estaría con su guitarra, la máquina de matar fascistas, apoyando al pueblo afgano, a los palestinos, a los iraquíes... pero nunca a los marines y sobre todo a los que los mandan.

Cuando oímos a Bob Dylan promoviendo las agresiones del Pentágono, caemos en la cuenta de que en muy pocos años la música ha cerrado una circunferencia de 360 grados: ya nada es lo que fue y mucho menos el espíritu de amor al prójimo que emanaba la música de Woody.

Lo dijo él mismo en una de sus canciones:

Mientras haya naufragios, desastres, tornados, huracanes,
linchamientos, precios altos y salarios bajos;
mientras existan policías uniformados
que combatan a los huelguistas,
las canciones y las baladas del pueblo seguirán adelante
” 
(de su canción “Bound of glory)

La música pop actual ya no está influida por las enseñanzas de Guthrie: han traicionado a Guthrie. Pero en él, en el hombre que supo luchar en miles de batallas solidarias, los actuales cantantes y grupos musicales podrían tomarlo de ejemplo para hacer del arte y la cultura, una herramienta de combate contra el fascismo, contra la opresión y la guerra, contra las desigualdades sociales y el imperio del capital.

Canto para hacer que te sientas orgulloso de ti mismo y de tu trabajo” (Woody Guthrie).

 

"Blowing Down That Old Dusty Road", de Woody Guthrie

"Do Re Mi", de Woody Guthrie

"All You Fascists Bound To Lose", de Woody Guthrie

"Ballades de Sacco & Vanzetti", de Woody Guthrie -parte I-

 "Ballades de Sacco & Vanzetti", de Woody Guthrie -parte II-

"Tom Joad", de Woody Guthrie

"This land is your land", de Woody Guthrie

 

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Sábado, a 26 de Junio de 2010

Como casi todas las óperas de W. A. Mozart, Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni” (nombre completo de la ópera “Don Giovanni”, drama jocoso en dos actos K. 527), esta magistral obra maestra termina con una enseñanza moralista cristiana pero de marcada iconoclastia masona: el castigo final (del alma) llega con la purgación de los errores (del cuerpo).

La magnífica versión que el gran Pier Luigi Pizzi  ideó para la temporada 2009 del Festival de Macerata, fue la que tuve el placer de presenciar en el Palacio de la Ópera de La Coruña, el pasado día 21 de mayo.

Sobre un escenario sobrio, de minimalista concepción, básico en su estética y con la caja escénica construida en perspectiva, sobresalía una cama de un blanco refulgente, y sobre ella la figura atlética de un Don Giovanni engalanado en rojo pasión: la música y el libreto giran entorno a la todopoderosa presencia del Don Juan Tenorio clásico (la traducción al italiano de Juan es Giovanni), el conquistador de corazón endurecido y mano rápida con la espada.

Para el papel de Don Giovanni se contó con la voz de Ildebrando d’Arcangelo, un “divus absolutus” de musculatura más que respetable, un bajo/barítono de buena impostura y chulería pero de voz no tan poderosa y versátil; el papel de Leporello, criado y "alter ego" de Don Giovanni, lo interpretó Andrea Concetti, menos divo que el anterior pero más efectivo; en el papel de la pobre loca de Elvira, Monica Bacelli, correcta, ajustada a la voz pero con algún gritito especialmente en el registro alto; los personajes de consentidoras-arrepentidas: Donna Anna en la voz de María José Moreno, una soprano soberbia en escena y majestuosa en sus dos arias (la mayor ovación de la noche en “Non mi dir”), una joya pulida y refulgente, y la de Zerlina, en la de Manuela Bisceglie, una soprano de voz cálida, juvenil, pero que presagia un gran futuro; los Ottavio por Alexei Kudria y Masetto por David Rubiera, correcto en términos generales. Un caso aparte es el de Gudjon Oskarsson y su Comendatore: sencillamente desastroso.

¿Qué podemos decir de la Orquesta Sinfónica de Galicia y de su director, Víctor Pablo Pérez? Que son, sin lugar a dudas, la mejor orquesta de España para interpretar a Mozart, y la batuta de Víctor Pablo, el modelo a seguir para este tipo de músicas. Y dentro del altísimo nivel de los músicos de la OSG, los excelentes solos de violín de Spadano y de Tanasescu al chelo.

Alfredo Webmaster

Don Giovanni – Ildebrando d’Arcangelo

Leporello – Andrea Concetti

Donna Anna – María José Moreno

Don Ottavio – Alexei Kudrya

Donna Elvira – Monica Bacelli

Masetto – David Rubiera

Zerlina – Manuela Bisceglie

Commendatore – Gudjon Oskarsson

Orquesta Sinfónica de Galicia

Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia

Dirección de escena - Pier Luigi Pizzi

Escenografía y vestuario – Pier Luigi Pizzi

Dirección musical – Víctor Pablo Pérez

Directo de coros - Joan Company

Movimiento coreográfico – Roberto Maria Pizzuto

Diseño de iluminación – Vincenzo Raponi

Asistente dirección escena – Andrea Bernard

Asistente de escenografía – Serena Rocco

Asistente de vestuario – Lorena Marin

 

 

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Sábado, a 26 de Junio de 2010

 

Del concierto que dio hace tres años en Vigo, en el Festival Sonora, me quedó el recuerdo de su proximidad, de su locuacidad y de su desbordante caudal vocal, una extraña mezcla de barítono y bajo.

El tiempo transcurrido desde aquella primera actuación en Galicia le sirvió a Micah P Hinson para madurar como compositor, ganar en locuacidad (¡Cuánto –y bien- hablas, Micah!) y verle, sobre todo, feliz: tenía a su pareja cerca, justo detrás de mí. Se les veía totalmente enamorados, con miradas y confidencias que compartió con nosotros, denotaron su bien merecida estabilidad emocional.

En le escenario es el rey; no necesita ningún acompañante salvo su guitarra acústica que toca magníficamente bien, una guitarra ajada por mil usos y en la que tiene plasmada su declaración de principios, la famosísima frase con la que Woody Guthrie definía a su guitarra: una máquina para matar fascistas.

De su voz, poco que decir: profunda, con imperfecciones tonales, sentida, dolorosa, sensible, apasionada, dulce incluso. Su gravedad, su profundidad viene desde dentro de un cuerpo escuchimizado, frágil, un cuerpo dañado por los accidentes y un reguero de recuerdos de las malas vidas vividas.

Verlo en directo, justo a pié de escenario, es una experiencia gozosa y reconfortante, un acto de reconciliación con los músicos que viven la música como alimento vital, sin la parafernalia de las tournées multimillonarias o los conciertos de masas. Micah es el vivo reflejo de la calidad, y calidez, humana.

Alfredo Webmaster

Notas

-Para más información sobre Micah P Hinson, pulsad el enlace a un escrito mío de hace un mes

-En la Gramola está incluida una selección de algunas de sus mejores composiciones

-Las fotos son una gentileza de Sonia Martínez y Tino Basanta, también presentes en el concierto: gracias, muchas gracias.

 

Lunes, a 31 de Mayo de 2010

Como anticipo de la actuación que Micah P. Hinson hará en la Sala Mondo, de Vigo (para presentarnos su último trabajo “The Pioneer Saboteurs”), hago una pequeña inclusión en la Gramola de las (desafortunadamente) escasísimas canciones que Micah incluyó en el disco grabado en directo “The surrendering”: sólo son 6 canciones… ¡¡Pero qué canciones!!

Michael Paul Hinson (30 de marzo de 1981, Memphis, Tennessee) es un cantautor y guitarrista americano muy en la línea indie, con bastante de americana y reminiscencias de country-rock, en un (maravilloso) batiburrillo de estilos que llevo a los críticos a considerarlo una mezcla de los Wilco con Neil Young, de la parte menos rockera de Bob Dylan con los aires oníricos y sentimentales de un Nick Drake, y todo ello con las letras batalladoras y reivindicativas de un moderno Woody Guthrie. ¡¡Casi ná!!

Nacido en el seno de una familia de tremendas convicciones religiosas integristas, la infancia de Micah estuvo marcada una total falta de libertad para desarrollar su vena musical.

En su intento por liberarse del pesado yugo familiar y poder vivir su vida, se fue de su casa… De nada le sirvió quedar libre de la familia: cayó bajo la influencia de una mujer mayor que él, una especie de femme fatale exmodelo de Vogue, que le introdujo en las drogas y el alcohol.

Ésta, viuda del guitarrista de los Tripping Daisy, era una yonqui enganchada al alcohol, al valium, a la cocaina, codeína, ansiolíticos y a drogas de diseño, que llegó a que Micah también entrara en su círculo de consumo.

En una redada realizada en la vivienda que ocupaban, fue capturado y condenado a prisión por, además de posesión y consumo de drogas, falsificar recetas de medicamentos.

Y la vida siguió… y en 2003 su vida dio un giro inesperado: grabó su primer disco, “The Gospel of Progress”, en Inglaterra, para la compañía Scetch Book Records, e hizo su primera gira como telonero de nada menos que los Calexico.

El disco, un pequeño fracaso de ventas, fue un exitazo entre los críticos y entendidos, que alabaron su frescura y su capacidad para unir estilos tan distintos/similares como el indie o el alt-country.

Está considerado el heredero musical y evolucionador del estilo de gentes tan dispares como Johnny Cash, Leonard Cohen, Tom Waits, Nick Cave, de Wilco, Lambchop o Bright Eyes.

Un dato curioso: todos los coros de sus discos están cantados por él mismo con diferentes entonaciones, llegando en algunas canciones a tener hasta 15 pistas con la voz de Micah al mismo tiempo.

Micah tiene clase, talento y carisma. En sus directos toca hasta que le dejan: se despide, coge sus cosas, saluda a la gente de las primeras filas y se marcha dejando en el ambiente de sus oyentes la sensación de haber sido testigos de algo diferente al músico clásico; Micah es el antiheroe del glam.

Pese a su escasa discografía, es un autor a seguir muy de cerca: llegará lejos (al menos para unos pocos privilegiados).

Alfredo Webmaster

 

"Beneath the Rose", de Micah P. Hinson

 

"Seems Almost Impossible", de Micah P. Hinson

 

"Yard Of Blonde Girls", de Micah P. Hinson

 



¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

Viernes, a 28 de Mayo de 2010

El pasado 8 de mayo tuvo lugar uno de los más memorables conciertos de los desarrollados en Galicia en los últimos años: la Misa de Réquiem de Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, con la Orquesta Sinfónica de Galicia, el Orfeón Donostiarra y la batuta de Víctor Pablo Pérez.

Para tan excepcional concierto se contó con algunas de las mejores voces del panorama musical mundial: la soprano uruguaya MªJosé Siri (que sustituyó más que perfectamente a Ainhoa Arteta, a la que no echamos de menos), el tenor Stuart Neill, que inauguró la pasada temporada de La Scala con el “Don Carlo” verdiano, la mezzo rusa Anna Smirnova (sustituta de Dolora Zajick), el barítono Roberto Scandiuzzi y el bajo Giacomo Prestia, uno de los más famosos y reclamados intérpretes de su cuerda en la actualidad.

La Orquesta Sinfónica de Galicia, dirigida por Víctor Pablo Pérez, estuvo, como siempre, brillantísima, pero con algunos pianísimos inaudibles en la zona en la que estuve sentado en el Palacio de la Ópera.

La parte coral estuvo a cargo del siempre perfecto y acoplado Orfeón Donostiarra, una garantía de solvencia y seguridad, además de la habitual brillantez del timbre. Poco más podemos decir de esta histórica agrupación, salvo el recordatorio a su capacidad para leer una obra de esta magnitud: interpretó el “Réquiem” junto a la Filarmónica de Berlín, invitados por Claudio Abbado, en una actuación que sigue siendo una referencia de esta misa a nivel mundial.

La Misa de Réquiem de Verdi es, en primer lugar, una obra de una enorme dimensión musical en los más amplios sentidos de la palabra: exige una gran dimensión, tanto en el sentido físico de duración y como en el de la presencia de grandes efectivos en el escenario; además de eso, es de una importantísima transcendencia en su concepto musical, para una obra nacida como homenaje a dos difuntos (Gioacchino Rossini, en principio, y Alessandro Manzini, como destinatario final) bajo un formato litúrgico clásico, con la curiosidad añadida de que fue compuesta por un autor totalmente alejado de la religión.

Resumiendo: uno de los mejores conciertos de estos últimos años, en un entorno privilegiado como es el Palacio de la Ópera de La Coruña.

Alfredo Webmaster

"Dies irae", de Giuseppe Verdi, por la OSG y el Orfeón Donostiarra

(Coruña, 08-05-2010)

La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi

- Requiem y Kyrie (cuarteto solista, coro)

- Dies Irae

          o Dies Irae (estribillo)

          o Tuba Mirum (bajo y coros)

          o Mors stupebit (bajo y coros)

          o Liber scriptus, (mezzo-soprano, coro)

          o Quid suma avaro (soprano, mezzo-soprano, tenor)

          o Rex tremendae (solistas, coro)

          o Recordare (soprano, mezzo-soprano)

          o Ingemisco (tenor)

          o Confutatis (bajo, coros)

          o Lacrymosa (solistas, coro)

- Domine Jesu (ofertorium) (solo)

- Sanctus (Doble Coro)

- Agnus Dei (soprano, mezzo-soprano, coro)

- Lux Aeterna (mezzo-soprano, tenor, bajo)

- Libera Me (soprano, coro)

 

 

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Lunes, a 19 de Abril de 2010

De entre las muchísimas canciones, cancionazas, que escribió John Fogerty con los Creedence Clearwater Revival, su “Proud Mary fue la primera que le catapultó al éxito como compositor y al reconocimiento mundial como letrista. Siendo muy buena la canción original, ésta queda minimizada ante otra versión más poderosa y consistente: la de Ike & Tina Turner Revue.

Ike Turner y Anna Mae Bullock, más conocida por Tina Turner (tomó el apellido de Ike, su marido), formaron una de las más famosas parejas musicales entre los años 1957 y 1976.

En el año 1976 se divorciaron musical y personalmente debido a lo insostenible de lasituación de ella: Ike abusaba continuamente de Tina, con tanto psíquica como sexualmente.

Durante el período en el que actuaron juntos, más de 20 años, su versión del “Proud Mary” fue no sólo su mayor éxito de crítica y público, también fue una enorme gozada visual. En el vídeo de la canción podréis observar, además del virtuosismo y la inconmensurable calidad de su prodigiosa voz, a la mejor Tina de la historia, la veréis moversde sobre el escenario mientras agita su cabellera y bailar al ritmo frenético de la música, sustentada por las mejores piernas (y culo) de entre todas las mujeres del rock & roll, soul y R&B: todo un espectáculo.

Alfredo Webmaster

 

Proud Mary”, por Ike & Tina Turner Revue

"Proud Mary", de John Fogerty con los Creedence Clearwater Revival (original)

Letra de "Proud Mary"

Looking for a job in the city
Working for the man ev'ry night and day


Then I never lost a minute of speed
When worrying 'bout the way things
might have been.

Big wheels keep on turning.
Proud Mary keeps on burning.
Rolling, rolling, rolling on the river.

Seen a lot of places in Memphis.
Hogged a lot of playing down in New Orleans.
But I never saw the good side of the city

'til I hitched a ride on a river boat queen.

Big wheels keep on turning.
Proud Mary keeps on burning.
Rolling, rolling, rolling on the river.

If you come down to the river

Betcha gonna find the people who live

You don't have to worry though you have no money.
People on the river are happy to give.

Big wheels keep on turning.
Proud Mary keeps on burning.
Rolling, rolling, rolling on the river.

 

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Domingo, a 18 de Abril de 2010

Hace casi un año, en agosto de 2009, localicé una página Web absolutamente maravillosa y sorprendente: La Blogotheque.

El colectivo cultural formado entorno a Vincent Moon, La Blogotheque, es el responsable de que gente como Lambchop, una de mis bandas musicales de cabecera, toque su “National Talk Like A Pirate Day” en una especie de jardín familiar, usando como base rítmica una mesa de jardín, que Taraf de Haidouks y su grupo interpreten “Part 1 mientras suben por unas escaleras, que Priscilla Ahn nos deleite con un directísimo “Dream” mientras afina su guitarra, que otro de los grandes, los Beirut, nos asombren con una de sus canciones más representativas, “Nantes”, usando como timbales los cubos de basura de una calle cualquiera, que Arcade Fire su "Neon Bible" lo hago en un ascensor y use como instrumentos entre otros, una guía telefónica, etc., etc., etc.

La filosofía que emana de los proyectos de Vincent Moon para La Blogotheque es el de espontaneidad, la sinceridad, la profesionalidad y, sobre todo, la honradez de unos intérpretes a los que se les pide que sean “ellos mismos” sin aditivos, sin parafernalia, sin la pompa que da el reconocimiento mundial. Son, lo que Vicente Moon llama, “Les Concerts a Emporter” (en español: Conciertos para llevar; en inglés: The take away shows).

El formato es tan novedoso y brillante, que “algunas de las bandas no habían tocado nunca antes en formato acústico. Por eso, dejarse grabar en la calle era todo un reto para ellas”.

Vicent Moon ideó el proyecto porque “Me sentía enfadado con la situación actual de la música en directo, reducida a los formatos televisivos o a las grande salas de conciertos en las que el escenario está a varios metros de ti. Nuestra idea fue llevar la música a la calle y crear una conexión íntima con la creación artística, tratando sonido e imagen a un mismo nivel”.

Eso es La Blogotheque, un espacio para los que aman la música sin más aditamentos que la belleza del sonido de unos instrumentos y el calor de las voces, todo aderezado con la sensibilidad del que quiere hacer bien las cosas, de forma distinta, y disfrutándolas.

Alfredo Webmaster

 


Algunos vídeos de grupos de La Blogotheque

"National Talk Like A Pirate Day" de Lambchop

Nantes” de Bierut

"Dream" de Priscilla Ahn

"Neon Bible" de Arcade Fire

"Wolves (Act I & II)" de Bon Iver

"Country Disappeared" de Wilco

"Radio's Hot Sun" de Handsome Furs

"Blue Ridge Mountains" de Fleet Foxes

"1901" de Phoenix

"Until the day is done" de R.E.M.

"Meo suo i eyrum" de Sigur Rós

"Split Series" de Priscilla Ahn

"Sugarcube" de Yo La Tengo

 

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Miércoles, a 14 de Abril de 2010

La excepcional soprano Renata Drozd, los no menos buenos tenores Kamil Pękala y Marcin Pomykała, el pianista Waldemar Malicki, la Orquesta Filarmónica de Dowcipu y su director Bernard Chmielarz, son los responsable de este desaguisado no exento de simpatía y curiosidad: la versión operística del “Aserejé” (en inglés: "The Ketchup Song") de Las Ketchup.

Esta canción, de ritmos flamencos rockalizados, está situada en el puesto 89 entre las canciones más vendidas y escuchadas del mundo, en toda su historia: ¡Hay gente pa tó!, que diría un castizo.

Como curiosidad, está bien. Como popularización de la música clásica, no deja de ser lastimoso ver lo que tienen que hacer tres incomprendidos virtuosos de la voz para acercarse a su público. Por tanto, no me gusta nada de nada.

¿Y qué me decís del "Dragostea din tei" (en español: "Amor bajo el tilo") del grupo del llamado eurodance y compuesta por los moldavos-rumanos O-Zone? En esta canción además de la orquesta anterior, el mismo pianista y director, intervienen como cantantes las sopranos Renata Drozd y Anita Rywalska, el barítono Leopold Stawarz (hay otro más pero no sé su nombre) y el tenor Marcin Pomykała.

Pues lo mismo de antes: ¡Ahí es !, que respondería otro castizo.

Alfredo Webmaster

 

Aserejé”, de Las Ketchup en versión operística

 

"Dragostea din tei" de O-Zone, en versión operística

 

 

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Lunes, a 5 de Abril de 2010

El ritmo de la salsa, por Sonia Sonny de Puerto Rico

Para aquellos que gustan de los ritmos caribeños, y en especial del género de la “Salsa”, les contaré un poco sobre su historia, sus máximos exponentes y algunas anécdotas personales relacionadas a la salsa.

La salsa tiene sus raíces en los ritmos cubanos del mambo, la charanga y el chachachá.  Para las décadas de los sesenta y setenta fue adquiriendo un estilo muy particular el cual fue desarrollado por jóvenes inmigrantes puertorriqueños, cubanos y dominicanos del Barrio Latino en Nueva York. Experimentando con una mezcla de ritmos afro-caribeños, tradicionales latinos, intercalando algunos elementos de jazz lograron dar un ritmo diferente, alegre, movido que fue tomando auge. Al mismo tiempo incorporaron algunos instrumentos musicales, sobre todo de percusión los cuales proporcionaron un toque especial al género. Históricamente los exponentes más destacados en este género han sido puertorriqueños. Es por esto que la salsa siempre ha sido vinculada a la isla de Puerto Rico.

Por tanto, la salsa es una fusión de diferentes géneros musicales, tales como: guaguancó, mambo, bomba, guaracha, chachachá, plena, son montuno, etc.  El ritmo de la salsa fue introducido por los “Lebron Brothers”, de origen puertorriqueño, en los salones de baile de la ciudad de Nueva York dándole así un impulso especial a los ritmos latinos.

La salsa se toca en compás de cuatro tiempos, siendo característico el ritmo de las claves.  Utiliza de fondo instrumentos de percusión (campana, congas y timbales). Además, se le agregó el uso del trombón como complemento melódico. Otros acompañantes son: la flauta, la guitarra, la trompeta, el piano, etc. Y en Puerto Rico, especialmente para la época Navideña, se le acompaña con el cuatro (instrumento típico puertorriqueño mas pequeño que la guitarra y que utiliza 10 cuerdas) lo que le brinda un sonido muy especial, mas alegre, melódico y muy agradable.

La salsa comenzó a tener un gran auge cuando se creo Fania Records, compañía creada por el flautista dominicano Johnny Pacheco y el abogado judío Jerry Massucci quienes le dieron un gran impulso al género de la salsa al producir y distribuir los discos de un gran número de cantantes, orquestas, y grupos. En esos momentos eran conocidos como Las Estrellas de la Fania (Fania All Star). Y fue bajo la Fania la que dio a conocer el género de la salsa a nivel mundial con sus giras y conciertos.

En Puerto Rico la salsa comenzó a tener auge en la década de los setenta y para la década de los ochenta ya estaba en todo su apogeo. Se fue convirtiendo en un elemento esencial que nos identifica como nación. Esto es así ya que la salsa cuenta con algunos elementos musicales de la bomba y la música típica puertorriqueña.

Definitivamente, aunque gusto de escuchar variados géneros musicales, incluyendo la música clásica, las baladas, etc., la salsa le concedió a mi vida chispa, alegría y ritmo. Realmente me encanta, y es que no puedo describir la sensación que siento cuando llego a una fiesta y la orquesta interpreta una pieza de salsa.

¡Cómo no va a gustarme la salsa!: mis dos hermanos mayores eran los emisarios número uno de la salsa en mi hogar.

Durante mi niñez y adolescencia estuve muy ligada al ritmo de la salsa pues mis hermanos eran los cocolos (así le llaman en la isla a los seguidores de la salsa) mas famosos de la urbanización.  En mi hogar no faltaban los discos de la salsa, las congas, los bongoes, los timbales, etc. En fin, cuando mis hermanos y sus amigos se reunían en casa, siempre estaban escuchaban discos de salsa. Mientras, sacaban sus instrumentos y se formada tremendo alboroto. Todo para disgusto de mi madre… y de los vecinos, jejeje. Lo importante: que todos nosotros lo disfrutábamos al máximo.

¿Mi preferida salsa preferida?: la salsa sensual y erótica, porque fue la música que marco mis años de adolescencia y, además, la que predomino en las fiestas escolares o a las que acudía durante esa época. Uno de los recuerdos especiales de mi juventud fue el de mi fiesta de graduación, amenizada por La Sonora Ponceña, El Gran Combo de Puerto Rico y la Orquesta de Bobby Valentín. Fue una noche estupenda, ¿quién pudiera volver el tiempo atrás? Realmente, no es posible, pero siempre conservare esos hermosos recuerdos y los momentos tan felices que pase con mis amigos y familiares.

En Puerto Rico, Rafael Cortijo creo una fusión afro-puertorriqueña con base de bomba, guaracha, plena y seis con un formato de “jazzband” afro-americano. Esta fusión sirvió de base para la expresión musical moderna llamada salsa ya que rompió las normas de la música tradicional y causo furor en y fuera de la isla. Debido a esto Rafael Cortijo fue bautizado como El Sonero Mayor.

Más adelante, se fueron creando muchos grupos y orquestas de salsa en la isla, siendo algunos de los más famosos: Tommy Olivencia, Willie Rosario, Charlie Palmieri, Eddie Palmieri, El Gran Combo, Mario Ortiz, Johnny El Bravo, Bobby Valentin, Richie Ray & Bobby Cruz, Lebrón Brothers, Willie Colón, Ismael Rivera y Los Cachimbos, Papo Lucca y La Sonora Ponceña, Roberto Roena y los Apollo Sound, Revolución 70, Raphy Leavitt, Tempo 70, Puerto Rican Power, Orquesta Zodiac, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Pellin Rodríguez, Pete “El Conde” Rodríguez, Héctor Lavoe, Marvín Santiago, Raphy Leavitt y La Selecta, Luis “Perico” Ortiz, Ray Barreto, Mickey Cora y su Orquesta Cabala, Rubby Haddock, Luigi Texidor, Orquesta Mulenze, Cheo Feliciano, Cano Estremera, entre otros.

En los años 80, la llamada la salsa “dura” fue dejando los sonidos fuertes y las descargas para evolucionar y tornarse en un sonido más suave, melódico, romántico y sensual. El baile se torno más lento y las letras fueron cambiando a temas referentes al amor, la pasión y al erotismo. Esta música fue denominada «salsa sensual o erótica» y algunos de sus máximos exponentes fueron: Louie Ramírez, Eddie Santiago, Frankie Ruiz, Willie González, Tony Vega, David Pabón, Paquito Guzmán, Jerry Rivera y Rey Ruiz.

A inicios de la década de los 90 la salsa romántica y sensual comenzó a perder popularidad debido al impulso de otros ritmos caribeños como el merengue y la bachata. Así, nuevamente la salsa vuelve a evolucionar y regresa a los temas populares y clásicos, por lo que vuelven a tomar auge las agrupaciones clásica, como: El Gran Combo, La Sonora Ponceña, Rubén Blades (panameño), Andy Montañez (a él lo hemos encontrado en la playa y en otras actividades, y debo decirles que es un ser muy humano muy especial, encantador, muy humilde que siempre esta dispuesto a compartir y conversar con su público), Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle, Domingo Quiñones, Tito Rojas, Michael Stuart, la India o Marc Anthony, entre otros. De los cantantes y músicos de los años 90 en la actualidad siguen activos Marc Anthony, La India, Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle o Michael Stewart.

Tanto respaldo ha tenido la salsa en la isla que el gobierno de Puerto Rico oficializó el tercer domingo del mes de marzo como el Día Nacional de La Salsa; en los últimos 25 años la emisora Z93 (emisora de salsa) ha organizado la actividad llamada El Día Nacional de la Salsa reuniendo un gran número de exponentes de ese género. Esta actividad es respaldada por miles de puertorriqueños así como también por cientos de extranjeros que visitan la isla para asistir a esos grandes conciertos.

El último se llevo a cabo el pasado fin de semana y fue todo un éxito. El estadio Hiram Bithorn estaba repleto y, según la prensa, los asistentes la pasaron de maravilla. Lastima que yo no pudiera asistir.

Próximamente, del 24 al 31 de julio de 2010, se estará celebrando en la isla el “14Puerto Rico Salsa Congress” en el Hotel San Juan and Casino, otro importante evento relacionado con la salsa.

La salsa es un ritmo que se baila en muchos países, pero los puertorriqueños le añadimos un toque especial: muchos bailadores de mi país han sido galardonados en innumerables ocasiones en diferentes concursos de baile.

Indudablemente, la salsa no desaparecerá de mi país ya que se ha convertido en la esencia del puertorriqueño, que fusiona la música y el baile en un ritmo contagioso que nos fascina. La salsa es parte de nuestra propia vida como pueblo.

 

Martes, a 30 de Marzo de 2010

 

Mapa de la Luisiana (USA)

Distribución geográfica de los cajunes

Típica banda cajún

Violín cajún

Acordeón diatonico

Tabla de lavar o washboards

Cucharillas cajunes

Los cajunes es un grupo étnico localizado en el estado de Luisiana (USA). Descienden de exiliados de la llamada Arcadia (Acadia -sin r- antiguas colonias de Nueva Francia en las tres provincias marítimas de Canadá: Nueva Escocia, Nuevo Brunswick e Isla del Príncipe Eduardo) que tuvieron que huir durante la segunda mitad del siglo XVIII, tras la incorporación de los territorios franceses de Canadá a la corona británica. Allí, en la Luisiana, se unieron a ellos emigrantes españoles, alemanes y franceses, además de los criollos de origen francés, dando lugar a una lengua propia, el cajún, dialecto proveniente del francés y español.

Actualmente, los cajunes son una parte fundamental del sur del estado de Luisiana, donde han influido notablemente en su cultura. Las ciudades de Lafayette y Lake Charles son enclaves fundamentales de los cajunes.

En 1980, después de muchas batallas legales y políticas, fueron reconocidos oficialmente por el gobierno estadounidense como grupo étnico.

La música cajún, también conocida como la "música de las personas alegres", ha ejercido notable influencia y ha dado lugar a otros subgéneros musicales, como el zydeco, resultado de la mezcla de la música original cajún con el country y los ritmos primitivos del rock and roll o el

swamp, una especie de blues sureño de ritmos lentos y acompasados.

La música cajún tiene como instrumentos reyes al acordeón diatonico y al violín, junto con la washboards (tabla de lavar); los temas hablan de amores, de pérdidas, de la familia o de la muerte, pero, sobre todo, uno de los temas recurrentes es el de "vivir sin amor", algo que para ellos es peor que la misma muerte.

Con todo ese bagaje histórico y cultural detrás, no es extraño que los acadiens (cajunes) tengan sus propias manifestaciones lingüísticas (hablan una mezcla de francés antiguo, palabras micmac, españolas –de hecho, apellidos como Ortega y Romero se tienen entre los más auténticamente cajún-, inglesas y alemanas), gastronómicas (son famosas sus langostas, el etouffee de langostas, boudin, cracklin's, guisado de quingombó o jambalaya) o arquitectónicas.

Entre la música cajún más reconocida, el vals (waltz) es uno de los ritmos más románticos y sensibles, el que más usada para el baile y el enamoramiento. Es, también, la más fácil de escuchar por los que no somos cajunes.

Entre los grupos que podréis oír en la Gramola están los famosísimos BeauSoleil, Balfa Toujours, Jo-El Sonnier o Eddie LeJeune & The Morse Playboys. Os incluyo diez canciones:

1.       Valse de la Riviere Rouge, La (Red River Waltz) - Bruce Daigrepont

2.       Chere Petit Monde - Balfa Toujours

3.       J'Ai Passe Devant Ta Porte - David Doucet

4.       Valse de Kaplan - Trio Cadien

5.       Valse des Chere Bebe, La - Jo-El Sonnier

6.       Big Mamou - Mamou

7.       Tous Les Soirs - D.L. Menard

8.       Valse A Deux Temps, La - File

9.       Valse Criminelle - Eddie LeJeune & The Morse Playboys

10.     Valse du Malchanceux, La – BeauSoleil

También os incluyo unos vídeos con demostraciones de baile tanto de música cajún como de zydeco; además, hay dos vídeos más, el primero con una hermosísima canción de amor (sin letra) y otro con el famosísimo “Dueling banjos” de la excepcional película “Deliverance”, de John Boorman.

Alfredo Webmaster

 

 

Una hermosa canción "cajún waltz"

El famosísimo "Dueling banjos” de la película “Deliverance”, de John Boorman

 

Una demostración de baile zydeco

 


 

¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.
 
 
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Martes, a 2 de Marzo de 2010

Cuando tenía 12 o 13 años, no recuerdo muy bien la fecha exacta, tuve la suerte de presenciar en director, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, una ópera. Era La Flauta Mágica, de W. A. Mozart.

Supongo que ese primer bautismo operístico tuvo muchísimo que ver con que me aficionara y, más aún, a esa en concreto, de la que soy devoto admirador.

Supongo, también, que muchísimas de las personas que dicen que no sienten nada escuchando ópera, es por culpa de que nunca han disfrutado del placer de ver una en directo. La ópera, como muchas otras bellas artes, es un placer que tienes que percibir con los cinco sentidos, teniendo los cinco sentidos centrados en la ópera.

Disfrutarla, admirarla y amarla, es más sencillo de lo que parece: sólo tienes que déjate sorprender.

En medio de las verduras, de las frutas, de las carnes, de los pescados, en noviembre del año pasado, en un entorno nada proclive para el arte: el Mercado Central de Valencia, un grupo de tenores, sopranos y barítonos sorprendieron a los compradores que se habían acercado hasta allí.

No hizo falta un escenario, ni unas butacas numeradas, ni un silencio reverencial; tampoco fue necesario vestir de etiqueta o comportarse de forma sofisticada. Nada de eso. Todo sencillo.

Sólo fue necesario cantar algunos fragmentos de La Traviata”, de Giuseppe Verdi, con pasión, con ganas de agradar, con espíritu didáctico. Sólo eso. Nada más que eso.

Las caras de los compradores pasaron de la inicial sorpresa a la admiración; al final, con la interpretación del “Libiamo ne' lieti calici”, el famosísimo bridis de la ópera, en esta ocasión realizado con cava catalán repartido entre los imprevistos espectadores, muchos derramaron lágrimas de emoción y de alegría.

¿Ves como te gusta la ópera? Acércate a ella sin miedo, sin prejuicios: te va a entusiasmar.

Alfredo Webmaster

 

 

 

 

Sábado, a 13 de Febrero de 2010

Que la música se escuchar es una realidad, pero que también se ve, es evidente.

Cuando empiezo a ver una película sé, casi con total seguridad, si va a ser buen o un mal filme en función de su banda sonora: la atmósfera y la evolución de la trama tienen que estar íntimamente engranadas con el sonido.

¿Cómo podría ser “Ascensor para el cadalso” sin la trompeta de Miles Davis? ¿Y “2001 Odisea en el espacio” sin el “Thus Spoke Zarathustra” de Richard Strauss? ¿Los replicantes de “Blade Runner”, se moverían igual sin el acompañamiento de los acordes de Vangelis?

Hace unos días vi una película que me pareció brillante pese a que los críticos no la trató especialmente bien. Se trata del filme “The Mist” (“La niebla” en España, “Sobre-Natural” en México y “Sobrenatural” en Venezuela), del director Frank Darabont sobre un libro de Stephen King.

La angustiosa y el miedo se va apoderando del “todo” en la película, lo va inundando todo según pasan los minutos, en un angustioso miedo generado por lo que no se ve fuera, tapado por la niebla, y por lo que va sucediendo a los protagonistas dentro de un supermercado de un pueblo yanqui.

El terror que se vive en ese espacio tan limitado, entre las cuatro paredes del centro comercial, conduce a un final desolador, oscuro, angustioso y desesperante, un final imprevisto que no nos dejará indiferentes por su dramatismo efectivista y doloroso.

¿Sería lo mismo esta película sin el “The Host of Seraphim” de Dead Can Dance? Creo que no: esta canción es el elemento vertebrador entre la trama y las sensaciones que nos hace vivir cada fotograma.

Alfredo Webmaster

 

 

 

 

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