Música y Vino

Puedo intentar ser sincero pero nunca seré imparcial…
Sábado, a 18 de Septiembre de 2010

Algunos, pocos quizá, la conocéis como la ex cantante de 10,000 Maniacs; otros, algunos menos tal vez, como cantante solista: tremendo error.

Natalie Merchant no es una cantante al uso, una de esas artistas que suben al escenario a desgranar canciones sin ton ni son, en función de sus necesidades crematísticas. Tampoco es de esas otras que tratan de apabullar a su público con demostraciones de poderío o divismo al piano (instrumento que domina como una virtuosa). Ella, Natalie, no es una más.

Natalie Anne Merchant nació el 26 de octubre de 1963 en Jamestown (Nueva York, USA). Su familia, padre de origen italiano (el apellido original de su padre era Mercante, apellido que americanizó al llegar a USA), madre de origen irlandés, tenía una gran afición a la música: el abuelo tocaba el acordeón, la mandolina y la guitarra, su padre el piano y su madre la guitarra.

A los 16 años, con unos amigos de la universidad (John Lombardo, guitarra; Robert Back, guitarra; Steven Gustafson, bajo, Dennis Drew, teclados, y Jerry Augustyniak, batería), formó 10,000 Maniacs, uno de los grupos musicales más influyentes de los años 80’ y principios de los 90’.

Los discografía del grupo, que tengo en su totalidad y que os presentaré más adelante, incluye canciones de una belleza y calidad apabullante, canciones que recorren estilos como el alternative pop/rock, el jangle pop, el indie rock o el collage rock.

En el año 1993 Natalie se marchó para iniciar una carrera en solitario. ¿Los motivos? La salida del grupo de John Lombardo, en 1986, y la necesidad de transitar por otros estilos más próximos a sus orígenes musicales: el folk, el country, el bluegrass, klezmer, canciones fronterizas, jazz, valses, cajún, etc. De su etapa en solitario tenemos joyas sonoras de incalculable valor musical y literario (sus textos son auténticos poemas): para muchos, Natalie es la versión femenina de Michael Stipe, el erudito vocalista de REM, una autora capaz de musicar, incluso, a Jack Kerouac.

Natalie es una compositora con una larga y sólida carrera a sus espaldas, una mujer llena de coherencia social e inteligencia, autora de obras profundas y maduras, excitantes y emocionantes como pocas, poseedora de una voz expresiva y densa, madura y grave, de una extraña y cautivadora belleza.

En el año 2003 abandonó la música en directo: se casó con el andaluz Daniel de la Calle, su fotógrafo personal y cineasta, con el que tuvo una hija, Lucía; viven a caballo entre Nueva York y Málaga (España). A ella, a su hija, le dedicó 7 años de su vida… pero sin dejar de componer.

De esos años de sosiego y recogimiento familiar, Natalie nos regaló una nueva joya sonora en forma de disco doble, de nombre “Leave Your Sleep”, que aún no tengo (¿Hay por ahí, entre los lectores del blog, algún alma caritativa que quiera regalármelo?). Publicado en abril de 2010, es, como suponía, un disco que desprende emoción y buen gusto, un disco que suena a un clasicismo intemporal, un trabajo que huye de los exhibicionismos vocales e instrumentales para concentrarse en la belleza de las canciones y en la profanidad de los textos.

El disco incluye poemas de la literatura británica de la época victoriana y moderna, como Christina Rossetti, Robert Louise Stevenson, Edward Lear o Gerard Manley Hopkins, y norteamericanos del siglo XX, como Edward Estlin Cummings, Jack Prelutsky o Ogden Nash.

Hay canciones en este doble disco que por si solas, individualmente, se merecen un reconocimiento especial: “It makes a change” (impresionante el momento en que entra la sección de vientos), “If no one ever marries me” (con una melodía de aires campestres, de esas que te dejan apabullado por su belleza), el magnífico blues “The Peppery Man”, la genialidad oriental de “The king of China’s daughter” o la calidez caribeña con aires de reggae a lo Desmond Dekker de “Topsyturvey-World”.

Esta joya se presenta en un CD doble con edición de lujo y un extenso libreto que recoge los poemas musicados, una amplia semblanza de los poetas, una explicación detallada de cada obra y los créditos. Dado los tiempos que corren y el pirateo de Internet, estoy seguro que este disco no será, para Natalie y Andrés Levin (el otro productor), rentable: la exquisita presentación y la colaboración de más de cien músicos de primerísimo nivel, son inversiones de muy difícil recuperación económica.

En el recorrido sonoro por la música de Natalie Merchant, hoy Incluyo en la Gramola 23 canciones seleccionadas entre sus discos: “The house Carpenter’s Daughter”, “Ophelia”, “Tigerlily” y “Motherland”.

Escuchando la Gramola y disfrutando de los vídeos que acompaña mi texto, haréis un recorrido que os permitirá conocer a esta maravillosa compositora e intérprete.

Alfredo Webmaster

 

Natalie Merchant: "Motherland", una hermosísima canción.

 

Natalie Merchant y The Perkins Trio: "Motherland", una versión en compañía de un trío de músicos de un centro especial para jóvenes con problemas de visión "The Perkins School for the Blind"

 

Natalie Merchant: "My Skin"

 

Natalie Merchant: "Ophelia"

 

Natalie Merchant: "Tell yourself"

 

Natalie Merchant: "Kind And Generous"

 

Natalie Merchant: "Verdi Cries"

 

Natalie Merchant: "La Marimorena", un hermosísimo villancico español

 

Natalie Merchant: "Carnival"

 

Natalie Merchant: "Space Oddity", de David Bowie

 


¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

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Jueves, a 9 de Septiembre de 2010

k. d. Lang en compañía de Tony Bennett

Poseedora de una de las mejores voces del mundo, k. d. lang (se escribe así, en minúsculas), es una cantante canadiense capaz de viajar entre los ritmos pop/rock, contemporary country, alt-country, alternative/indie rock, contemporary singer o songwriter con total soltura y maestría.

Ganadora de cuatro premios Grammy, k. d. lang es el prototipo de la artista comprometida en todo tipo de batallas, sea por la causa que sea. Es proverbial su capacidad para meterse en todos los “charcos”, como cuando en el año 1992 salió del armario y se declaró lesbiana, con el consiguiente escándalo al ser la primera mujer famosa que lo decía abiertamente.

k. d. lang nació en Edmonton (Canadá) el 2 de noviembre de 1961. A los pocos años sus padres se trasladaron a Consort, un pequeñísimo pueblo de poco más de 600 habitantes en una zona de hermosos valles y extensas praderas.

La música fue, desde el día de su nacimiento, parte de su vida. Sus padres, además de sus trabajos habituales, tocaban varios instrumentos: la música inundaba todos los rincones de la casa.

Sus primeros ídolos fueron Patsy Cline (Winchester, Virginia, USA, 8 de septiembre de 1932 - Camden, Tennessee, USA, 5 de marzo de 1963) y Peggy Lee (Jamestown, Dakota del Norte, USA, 26 de mayo de 1920  – Los Ángeles, California, USA, 21 de enero de 2002), dos de las más famosas cantantes de country y jazz de todos los tiempos.

k. d. land, poseedora desde bien pequeña de un registro inigualable y una impecable e innata técnica, ganó su primer concurso de canto a los seis años, a la misma edad en la que descubrió que le atraían más las niñas que los niños. "Tenía una vocación absoluta y por esa razón nunca presté gran atención a mis estudios en el colegio. Lo suspendía todo, incluso mi diploma del instituto. Estudiaba piano clásico y me las arreglaba para ir aprobando con la nota justa. Mis hermanos eran excelentes, pero yo no soportaba la teoría y las matemáticas, así que mi profesor me animó a intentar vivir del canto".

A los nueve años su padre le regaló una moto, le enseñó a disparar y la empezó a tratar más como un hijo que como una hija. Además, los largos inviernos canadienses, el trabajo duro en el campo y su afición por los caballos, no ayudó mucho a que brotara la vena femenina de k. d. lang.

Sus tres primeros discos, “A Truly Western Experience”, “Angel With a Lariat” y “Absolute Torch and Twang”, grabados con su primera banda, “The Reclines”, son un compendio de hermosas canciones de aire country, influencias del rock, punk e incluso de la new wave.

Su primer éxito no surgió de uno de sus primeros trabajos personales, sino de la revisión que hizo Roy Orbison de su famosísima canción “Crying”. Gracias a este trabajo de colaboración, en el que k. d. lang hacía dueto con Roy, le sirvió para darse a conocer de forma popular y alcanzar una notoriedad muy importante.

Después de esos tres primeros trabajos y la colaboración con Roy, editó discos tan brillantes como “Shadowland” o “Ingénue”.

Ingénue” incluía dos canciones, “Constant Craving” y “Miss Chatelaine”, con las que ganó dos Grammy. En el vídeo que acompaña a la segunda de las composiciones, una canción con reminiscencias de salsa y letra muy irónica, podemos ver a una k. d. lang exageradamente femenina, algo que contrasta con su habitual aire masculinizado.

En el año 2002 publicó un maravilloso disco a dúo con el magnífico Tony Bennett (uno de mis discos y cantantes de cabecera). Con este trabajo obtuvo un Grammy más, concedido al mejor disco de pop tradicional.

Compuso bandas sonoras para filmes, como “Even Cowgirls Get The Blues”, película dirigida por Gus Van Sant y protagonizada por Uma Thurman.

En 1991 k. d. lang participó como actriz en “Salmonberries”, un filme dirigido por Percy Adlon, en el que interpreta a una mujer de aspecto andrógino que trabaja como minero en Alaska, haciéndose pasar por hombre, mientras busca su identidad sexual.

También participó en el fime “Eye of the Beholder”, de Stephan Elliott, con a Ewan McGregor y Ashley Judd, y tuvo pequeñas apariciones en “The black dalia”, “Dharma & Grez” o en la serie “Ellen”, en el capítulo en el que Ellen DeGeneres sale del armario y se declara lesbiana.

En la Gramola tenéis a vuestra disposición una selección de algunas de sus canciones más conocidas, elegidas por mi entre su amplia discografía. Escuchándolas podréis hacer un recorrido por su música, su forma de cantar y su capacidad para transmitir sentimientos... es k. d. lang.

Alfredo Webmaster

 

k. d. lang sings: "Hallelujah"


k. d. lang: "Crying"


Versión original de Roy Orbison con k. d. lang: "Crying"


k. d. lang: "Miss Chatelaine"

 

 


k. d. lang: "Helpless


k.d. lang: "Constant craving"


k. d. lang & Melissa Etheridge: "You can sleep while i drive"


k.d. lang & Tony Bennett: "Because of you"

 



¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

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Martes, a 31 de Agosto de 2010

La referencia al disco de hoy, en concreto 3 discos, me lleva a un sello discográfico de enorme calidad técnica y con un plantel de músicos realmente apabullante.

Decir que la compañía Winter & Winter tiene entre sus artistas exclusivos a personajes de la talla de Paolo Beschi, Allen/Haden/Motian (Charlie Haden, Paul Motian y Geri Allen), Dave Douglas, Steve Coleman, Arcado String Trio, Theo Bleckmann, Forma Antiqva, La Gaia Scienza, John McLaughlin Trio, Barbara Sukowa, Trío Tesis, Voches de Sardinna, Cassandra Wilson o Uri Caine, es todo un signo de distinción, calidad, prestigio y exclusividad. Además, todos los CD’s editados por esta empresa vienen en cajas especiales construidas con material reciclado, con una gran calidad de acabado y enorme profusión de datos, fotos, anexos, etc., lo que permite una mejor y más completa aproximación a los artistas.

El disco de hoy, titulado “Cuadernos de México”, es el resultado del viaje realizado a ese país en el año 2004 por Mariko Takahashi, Günter Mattei (arte gráfica y diseño), Andrés Mayo (sonido) y Stefan Winter, para grabar y tratar de plasmar disco las raíces más raciales de la música de ese país. El viaje les llevó desde Mexico DF a Xalapa, de Puebla a Veracruz, a Jaltipan, Juchitan, Oaxaca y Salina Cruz.

La música popular mexicana más conocida, el mariachi, sólo es una pequeña parte de estos discos: Mexico es una auténtica cornucopia de tesoros musicales poco conocidos, que incluye boleros, fandangos, marimbas, canciones de peñas y farra, tonadas infantiles, cri cri, etc.

Las canciones que incluí en la Gramola dentro del apartado Música mexicana II, son todas las de este trabajo en el orden que figuran en la edición de Winter & Winter, y las incluí con la finalidad de intentar dar a conocer a maestros de las músicas populares procedentes de lugares remotos de México.

Las canciones están interpretadas por Honorio y Luana, Híkuri, Los Campechano (interpretando un auténtico zapateado), Ricardo Penny Guillfa, Gúugu Huíini, Son De Madera, Al Golpe del Guatimé, Cándido Zárate Regalado Chedro, Banda Musical "Don Pepe", Duo Xavizende, Colibrí, Los Caminantes, Binnigula'sa', El negro Ojeda, Marimba Nandayapa y Susana Harp.

Las canciones que oiréis, son las siguientes:

1. Cielito Lindo [Quirno Mendoza]

2. María Bonita [Augustín Lara]

3. La Petrona [trad.]

4. Sones chiapanecos [trad.]

5. Mi amor por ti [M. Pous]

6. La bruja [trad.]

7. Que me lleve la tristeza [M. Alejandro]

8. El Negro Ojeda habla

9. Mi México [Salvador "Chava" Flores]

10. Cleto el Fufuy [Salvador "Chava" Flores]

11. Albur de amor [Alfonso Esparza Oteo]

12. Las calles de DF

13. Semejanzas [Palmerín/de Arvida]

14. Puruxón Cahuicia [Manuel Sous]

15. Nunca [Cárdenas/López Mendez]

16. Ella [Casanova/Bacil]

17. El metro de DF

18. Veracruz [Augustín Lara]

19. Son Alegre [trad.]

20. El Buscapié [Son trad.]

21. Guatimé [José A. Gutiérrez Vázquez]

22. Zapateado [trad.]

23. De puro ardor [Honorio Robledo]

24. La Morenica y la Morena [trad.]

25. La Iguana [trad.]

26. Sólo a ti te quiero [Jesús "Chuy" Rasgado]

27. Gúugu Huíini [Eustaquio J. Girón]

27. El pájaro cú [trad.]

29. La Bamba [trad.]

30. Solo de Guitarra [trad.]

31. El Coco [trad.]

32. La Sarna [trad.]

33. Tierra de la muchacha bonita [Che Dró]

34. Pasión Gola [Che Dró]

35. Tata Chenze [Che Dró]

36. La Petenera [Fernando Salinas]

37. La Sandunga [Fernando Salinas]

38. Reina [Fernando Salinas]

39. Homenaje a Saúl Martínez [Fernando Salinas]

40. Teatro callejero

41. La llorona [trad.]

42. Gorrión hermoso [Son regional]

43. Corazón vacío [Jesús "Chuy" Rasgado]

44. Organillo

45. El Amuleto [Álvaro Carrillo]

46. La Martiniana [Andrés Henestrosa]

47. Xquenda [M. Reyes Cabrera/Ta Rey Baxa]

48. Tuxa Ndoko [trad.]

49. Soliluna [Víctor Martínez]

Los 3 discos nos permiten hacer un recorrido muy completo sobre las muchas variantes del folclore mexicano, en su vertiente más popular.

Espero que lo disfrutéis igual que lo disfruté yo.

Alfredo Webmaster

 



Referencia de Stephanie Marshall para este trabajo

Hace unos diez años el interés de Mariko Takahashi por la vida y obras de Frida Kahlo inspiró a Stefan Winter a investigar acerca de Méjico y el arte y la música mejicanas. Ambos deseaban descubrir la tierra de la gran pintora y de su marido Diego Rivera, quienes se cuentan entre los personajes más famosos del DF (Ciudad de México) de la primera parte del último siglo. Las expresivas imágenes mexicanas de la fotógrafa italiana Tina Modotti, que vivió allí con Man Ray, fueron otra razón para visitar este asombroso país entre la frontera de Estados Unidos por un lado y Latinoamérica por el otro.

Así que en marzo de 2004 Mariko Takahashi, Stefan Winter, el artista gráfico Günter Mattei y el ingeniero de sonido Andrés Mayo visitaron Mexico para descubrir y grabar su atmósfera, su sonido y su música, y realizar un “audio film” acerca de la tierra ancestral de Diego Rivera. En este equipo se conocían bien todos: -cinco años atrás estuvieron juntos en Cuba para realizar el diario de apuntes musicales Cuadernos De La Habana... A comienzos de 2004 Stefan Winter pidió a Andrés Mayo que contactase en México con músicos locales. Conoció a Susana Harp, una maravillosa cantante con un conocimiento increíble acerca de la escena musical mexicana. Harp vive en DF; la película Frida Kahlo fue rodada en su propia casa, en donde se reúnen músicos y grupos a tocar música mexicana: Colibrí, Los Caminantes, el gran cantante Negro Ojeda y, desde luego, Susana Harp y su propio conjunto.

Susana puso a Stefan Winter en contacto con Marimba Nandayapa, el grupo de marimbas más famoso de México. Marimba Nandayapa interpreta las canciones populares Cielito Lindo y María Bonita en el acto de apertura de esta producción: la obertura. Y con el Negro Ojeda comienza el viaje: canta y cuenta su historia de Méjico y la música mejicana: “¡Ok! Vamos. ¡Comienza a grabar! Quiero que esto quede grabado para que no se olvide. Por las cosas horribles que están sucediendo en este país, en el mundo.

En este momento, cuando mi país va hacia una crisis social, canto esta canción de un compositor mexicano cuyo nombre es Salvador “Chava” Flores. Él habla de un Méjico bastante idealizado, pero es esa visión de Mexico lo que nos sostiene, lo que nos hace seguir. ¡Si Mexico aún existe hoy como nación, es gracias a gente como “Chava” que compusieron canciones como esa (Mi México), para mantener vivo en nosotros el sentimiento de que puede haber un Mexico mejor! Creo que podría cantar ahora esa canción, porque si no empiezo a cantar me vencerán las emociones profundas...

Quiero que me graben, quiero grabar el sentimiento de Mexico y quiero que nunca sea olvidado el sentimiento auténtico de Mexico”. “Su” Mexico está vivo. Sonidos de la calle, gente tocando el organillo, música de banda, sirenas de policía, campanas de iglesia: música, música auténtica que no es bien conocida más allá de sus fronteras...

El equipo abandona Ciudad de México para ir al campo: a Xalapa, Xico, Veracruz, Santiago Tuxtla, Jaltipan, Juchitan, Oaxaca, y vuelta a DF para grabar una selección muy especial de música y grupos; a formar parte de fiestas en las que suena el Fandango durante toda la noche, con el típico Zapateado; a escuchar a Colibrí; a Son de Madera; a Al Golpe del Guatimé; a Matanga; a Hikuri; al hombre-espectáculo Pancho Tina; al grupo de niños Gúugu Huíini tocando con tambores y flautas una música muy parecida a los sonidos que se escuchan en el carnaval de Basilea en Suiza (RäDäBäng); a Los Campechano; a la familia de músicos de la ciudad de Santiago Tuxtla, que nunca habían registrado su música; al famoso grupo Los Cojolites; al magnífico cantante Che Dró con sus propias composiciones; al Dúo Xavizende y la Banda Musical Don Pepe.

El viaje comenzó en casa de Susana Harp y en su casa concluye, con su propio trío. Al final nos queda el regusto de haber compartido una hermosa experiencia, un descubrimiento excitante de muchas facetas de una música que creíamos conocer y que sin embargo se revela en toda su espontánea frescura; un viáje iniciático, lúdico y gozoso como todos los que nos propone el genial Winter, al corazón de una de las tradiciones musicales más ricas, por mezcladas y versátiles, del mundo. No se lo pierdan.


¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

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- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

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Sábado, a 28 de Agosto de 2010

En una de las muchas entradas del blog, incluí un comentario sobre una de las canciones de la Gramola, en concreto “Marieta, canción interpretada en español por Javier Krahe, sobre el texto y música de Georges Brassens.

Este tema, una sarcástica y divertida sátira de la inoportunidad e incapacidad de estar en el lugar justo en el momento indicado, es la demostración de que llegar tarde es una lata, sobre todo cuando se trata de conquistar a una mujer tan “viva” como Marieta.

Como detalle curioso e innovador de esta canción en la realidad de la España de la postdictadura del generalito Franco, fue que cuando la cantó Javier Krahe por primera vez en TVE, se atrevió a soltar unos sonoros “gilipollas”, algo inaudito y nunca oído en un medio de difusión público.

Esa supuesta (sic) desfachatez causo cierto revuelo y destemplados comentarios entre las castas intocables del antiguo régimen, en las impúdicas y fascistas mentes de políticos que se escandalizaban por que alguien dijera gilipollas (palabra aceptada por el RAE), pero que no se horrorizaran ante los asesinatos masivos de sus guías espirituales, el generalito Franco y Adolfo Hitler.

Así era la España de entonces… la España que algunos quieren que olvidemos bajo el silencio miserable de castigar a jueces (véase el caso de Baltasar Garzón, lo que le está pasando por desenmascarar los atropellos fascistas) que pretenden purgar las penas de esos miserables.

Como dato curioso del vídeo de la canción “Marieta” que podréis observar a continuación, fijaron en cómo se entremezclan imágenes de una actuación actual de Javier Krahe en Sala Galileo Galilei de Madrid, con las de la actuación en la mítica Sala Mandrágora, también de Madrid, a principios de los años ochenta (1981), acompañado de Joaquín Sabina y Alberto Pérez. ¡Qué tiempos!

Alfredo Webmaster

 

Y yo que fui a rondarle la otra noche a Marieta:
La bella la traidora, había ido a escuchar a Alfredo Kraus...
Y yo con mi canción como un gilipollas, madre.
Y yo con mi canción como un gilipollas.

Y entré con el salero al comedor de Marieta:
La bella, la traidora, ya estaba acabando el flan...
Y yo allí con la sal como un gilipollas, madre.
Y yo allí con la sal como un gilipollas.

Y cuando por su santo le compré una bicicleta:
La bella, la traidora, ya se había agenciado un Rolls...
Pegado al manillar hice el gilipollas, madre.
Pegado al manillar hice el gilipollas.

Y le llevé una orquídea a nuestra cita en la glorieta:
La bella se besaba con un chulo ¡y apoyada en un farol...!
Y yo allí con mi flor como un gilipollas, madre.
Y yo allí con mi flor como un gilipollas.

Y cuando ya, por fin fui a degollar a Marieta:
La bella, la traidora, de un soponcio se me había muerto ya...
Y yo con mi puñal como un gilipollas, madre.
Y yo con mi puñal como un gilipollas.

Y lúgubre corrí al funeral de Marieta:
A la bella, la traidora le dio por resucitar...
Y yo con mi corona hice el gilipollas, madre.
Y yo con mi corona hice el gilipollas.

 

 

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Sábado, a 28 de Agosto de 2010

La música es un maravilloso vehículo sonoro, el medio más usado para expresar sentimientos, ilusiones, amor… o desamor.

A veces nos alegra, otras nos hace soñar, algunas nos entristece, otras nos atormenta. Hay músicas para oír, para bailar, para tararear, para dormir, para relajar… e incluso hay músicas para luchar.

Entre esas músicas y músicos con ganas de luchar está Ismael Serrano, un joven de 35 años, madrileño, reivindicativo, militante de izquierdas, luchador. Un músico que supo beber de los grandes maestros pero aportando nuevas ideas, nuevos sonidos y letras: Serrat, Sabina, Aute, Pablo Milanes, Víctor Manuel, Silvio Rodríguez, Amauri Pérez, Pablo Guerrero, Paco Ibañez... y tantos otros que con sus cantos nos ayudaron a imaginar un mundo mejor.

De su primer CD, “Atrapados en azul”, es esta canción: “Papá, cuéntame otra vez”, un poema de amor y desamor por las causas perdidas del padre, de su padre, un texto en el que me siento reflejado, partes de la letra de la canción son testimonio de cosas que viví en mi juventud. Pero también es la constatación del desanimo por las derrotas, de la tristeza por no haber conseguido la victoria final en una lucha desigual que siempre ganan los mismos.

Me gusta la forma que tiene Ismael de presentar la canción al público. La empieza con una arenga que dice: "Esta canción va para ti... para los que estáis aquí, para los ausentes, por tantos años, por acercarme a la certeza de que otro mundo es posible. Porque vosotros sabéis como yo, que los que antes de ayer morían en Vietnam, ayer lo hacían en Bosnia, y hoy lo hacen en Bagdad. Canta conmigo ‘Papá cuéntame otra vez’"

Igual que Ismael, seguiré imaginando la victoria final: sé que tenemos la razón.

Alfredo Webmaster

 

Papá, cuéntame otra vez, de Ismael Serrano

Papá cuéntame otra vez ese cuento tan bonito

de gendarmes y fascistas, y estudiantes con flequillo,

y dulce guerrilla urbana en pantalones de campana,

y canciones de los Rolling, y niñas en minifalda.

 

Papá cuéntame otra vez todo lo que os divertisteis

estropeando la vejez a oxidados dictadores,

y cómo cantaste Al Vent y ocupasteis la Sorbona

en aquel mayo francés en los días de vino y rosas.

 

Papá cuéntame otra vez esa historia tan bonita

de aquel guerrillero loco que mataron en Bolivia,

y cuyo fusil ya nadie se atrevió a tomar de nuevo,

y como desde aquel día todo parece más feo.

 

Papá cuéntame otra vez que tras tanta barricada

y tras tanto puño en alto y tanta sangre derramada,

al final de la partida no pudisteis hacer nada,

y bajo los adoquines no había arena de playa.

 

Fue muy dura la derrota: todo lo que se soñaba

se pudrió en los rincones, se cubrió de telarañas,

y ya nadie canta Al Vent, ya no hay locos ya no hay parias,

pero tiene que llover aún sigue sucia la plaza.

 

Queda lejos aquel mayo, queda lejos Saint Denis,

que lejos queda Jean Paul Sartre, muy lejos aquel París,

sin embargo a veces pienso que al final todo dio igual:

las ostias siguen cayendo sobre quien habla de más.

 

Y siguen los mismos muertos podridos de crueldad.

Ahora mueren en Bosnia los que morían en Vietnam.

Ahora mueren en Bosnia los que morían en Vietnam.

Ahora mueren en Bosnia los que morían en Vietnam.

 

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Sábado, a 28 de Agosto de 2010

"Éste el primer concierto, del año uno de los próximos 30 años". Con esta frase Alvaro Urquijo comenzó el recital de celebración de los treinta años de Los Secretos, concierto que se celebró en la Plaza de Las Ventas (Madrid) hace dos años.

Los Secretos son parte de mi vida sonora, los compañeros de muchos espacios de mis tiempos pasados y presentes,  y Enrique Urquijo, fallecido en 1999, mi prototipo de artista honrado y comprometido, y, por esos mismos motivos, infeliz.

A él y a su recuerdo le dediqué una entrada el 20 de octubre del 2007 (que actualicé el 21 de agosto de 2010: siempre hay que volver a Los Secretos); a él y a los componentes actuales del grupo, después de 30 años de música, hoy les dedico este escrito y este vídeo que incluye una de sus canciones más hermosas, "Agárrate a mi, María", compuesta por Enrique pensando en su hija María.

A Los Secretos los espero volver a ver dentro de 30 años y sueño con que después de 30 años más, sus canciones me sigan conmoviendo.

Alfredo Webmaster

Posdata: En la Gramola tenéis la opción de escuchar más música de este grupo. Vale la pena oírles de nuevo.

Otra posdata: desgraciadamente, el vídeo que incorporo es de una actuación reciente cantada Álvaro Urquijo. La versión de su compositor Enrique Urquijo, que antes se podía ver, se perdió entre los vídeos que el h... p... me borró.

 

 

Estoy metido en un lío
y no sé como voy a salir
Me buscan unos amigos
por algo que no cumplí
Te juré que había cambiado
y otra vez te mentí
Estoy como antes colgado
y por eso vine a tí.

Abrázame fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que esta noche es la más fría
y no consigo dormir.


Agárrate fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que tengo miedo
y no tengo donde ir.


Mañana cuando despiertes
estaré lejos sin ti
No creo que pase nada
de otras peores salí
Si acaso no vuelvo a verte
olvida que te hice sufrir
No quiero si desaparezco
que nadie recuerde quien fui.


Agárrate fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que esta noche es la más fría
y no consigo dormir.


Agárrate fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que tengo miedo
y no tengo donde ir.


Agárrate fuerte a mí, María
Y no llores más por mí
Volveré a por ti algún día
y escaparemos de aquí.


Agárrate fuerte a mi, María
Agárrate fuerte a mí
que tengo miedo
y no tengo donde ir.

 

 

Sábado, a 28 de Agosto de 2010

Joaquín Ramón Martinez Sabina, más conocido como Joaquín Sabina, es un madrileño de pura cepa que, por un error cometido por aquellas “cigüeñas” de nuestra infancia franquista, nació en Jaén en el año 1949.

A la edad en la que la mayoría de los españoles empezábamos a sentir el paso de los años, él hacía poesías sonoras de 200 segundos; y aún ahora, con sesenta años ya cumplidos, sigue deleitándonos con obras de una belleza inigualable y de una profundidad sentimental insondable.

Sus textos hablan de las calles, de la soledad, de las miserias cotidianas, de las verdades escondidas, de las mentiras públicas y privadas, de los mitos y desdichas de la pareja. Pero, de igual modo, también es el autor que mejor interpreta sentimientos y amores, con momentos de pasión sublime que envidiamos.

Una de esas canciones del alma, para el alma, de sentimientos y amores, es la que presento hoy: “Contigo”, incluida en su disco “Yo, mi, me, contigo” del año 1998.

Con voz nicotinada, rasposa, aguardientosa, de tonalidad difusa, vestido de oscuro, con su sempiterno sombrero de bombín, Sabina nos desgrana en la canción unos versos que no tienen errores, de obsesivo romanticismo (no meloso, no empalagoso), violenta en su planteamiento pero no agresiva, dura pero bella, cargada de sentimientos. Es, casi con seguridad, una de las mejores canciones de amor jamás escritas, una auténtica declaración de pasión, de entrega incondicional al ser amado.

Alfredo Webmaster

 

 

Yo no quiero un amor civilizado,

con recibos y escena del sofá;

yo no quiero que viajes al pasado

y vuelvas del mercado

con ganas de llorar.

 

Yo no quiero vecinas con pucheros;

yo no quiero sembrar ni compartir;

yo no quiero catorce de febrero

ni cumpleaños feliz.

 

Yo no quiero cargar con tus maletas;

yo no quiero que elijas mi champú;

yo no quiero mudarme de planeta,

cortarme la coleta, brindar a tu salud.

 

Yo no quiero domingos por la tarde;

yo no quiero columpio en el jardín;

lo que yo quiero, corazón cobarde,

es que mueras por mí.

 

Y morirme contigo si te matas

y matarme contigo si te mueres

porque el amor cuando no muere mata

porque amores que matan nunca mueren.

 

Yo no quiero juntar para mañana,

no me pidas llegar a fin de mes;

yo no quiero comerme una manzana

dos veces por semana, sin ganas de comer.

 

Yo no quiero calor de invernadero;

yo no quiero besar tu cicatriz;

yo no quiero París con aguacero

ni Venecia sin ti.

 

No me esperes a las doce en el juzgado;

no me digas “volvamos a empezar”;

yo no quiero ni libre ni ocupado,

ni carne ni pecado,

ni orgullo ni piedad.

 

Yo no quiero saber por qué lo hiciste;

yo no quiero contigo ni sin ti;

lo que yo quiero, muchacha de ojos tristes,

es que mueras por mí.

 

Y morirme contigo si te matas

y matarme contigo si te mueres

porque el amor cuando no muere mata

porque amores que matan nunca mueren.

 

Sábado, a 28 de Agosto de 2010

Me enviaron este vídeo, de un grupo de rock que se llama El Reno Renardo, que como me pareció magnífico os lo quiero enseñar.

Usando como base la música de la canción “Camino Soria”, de los míticos Gabinete Caligari, los muchachos del Reno Renardo le incorporaron una letra distinta y unas imágenes, obviamente, distintas.

El resultado es este temazo que ellos llaman “Camino Moria”, con una letra humorística que no tiene desperdicio, y que podéis leer con más calma a continuación del vídeo.

Alfredo Webmaster

 

 

"Ve haciendo el petate que nos vamos de excursión
Dejamos Hobbiton
Coge pan de lembas, los torreznos y el zurrón
Y avisa a Aragorn
Más allá de la comarca, existe un lugar
Como allí no hay Dios que aparque
Vamos andando
Galdalf hijoputa que bien vas en tu corcél
Nosotros a pinrel.
Se me ha puesta enhiesta cuando he visto a Galadriel
Bebiendo el hidromiel
El agente Smith de Matrix
Se ha vuelto homosexual
Lleva puesta la diadema
De Barbie Super Star
El gordo de Sam me da más miedo que un Nazgul
Quiere petarme el bul
Y me sigue incluso cuando voy a hacer popó
Detrás de un abedul
Nos vigila un bicho listo
Que se arrastra cual reptil
Por su aspecto es Angel Cristo
En taparrabos
Voy camino Moria
¿Tu hacia donde vas?
Me llevo pal camino
Un bocata de foie gras
Voy camino Moria
Hay que madrugar
Y vamos toda la peña
Cantando Manowar
Me engorilo y me entra euforia
Camino Moria
Cuando me pongo el anillo
Veo el ojete de Sauron
Me ha subido el carajillo
O es Juan Carlos de Borbón.
Voy camino Moria
¿Tú hacia dónde vas?
Dicen que hay una tal Gloria
Que le gusta por detrás
Voy camino Moria
Me quiero desfogar
Me han dicho que en la Gran Vía
Se encuentra un lupanar
Te dejan bien limpio el sable
Y te dan de papear
Los garbanzos de Elrond me han sentao fenomenal
Los elfos si que saben destilar buen patxaran
Las hordas de orcos como van a disfrutar
Voy a gasearlos como a los Kurdos Saddam"

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Sábado, a 21 de Agosto de 2010

Quizá la culpa es de los años, que van pasando y pasando, o, quizá, de que los recuerdos del pasado son (o nos parecen) mejores que la vida que estamos viviendo, pero hoy me levanté con el sonido de una voz y el chasquido de las cuerdas de una guitarra: hoy me levanté tarareando una canción de Enrique Urquijo y Los Secretos.

Recuerdo como si fuera hoy aquella mañana del 17 de noviembre de 1999, un día de cielo cubierto, plomizo, pesado, sentando en la sala de espera del aeropuerto de Barajas con un portátil en las rodillas y trabajando en un informe. Estaba allí esperando la salida de un vuelo de Iberia con dirección a Panamá.

En ese momento, más o menos a las 11 de la mañana, el televisor de la sala de espera del aeropuerto dio la noticia de la muerte de Enrique: lo habían encontrado en un portal del barrio de Malasaña (Madrid), roto y desmadejado por una sobredosis de heroína.

Aquél hombre de 39 años, que a veces parecía un niño, propietario del corazón más grande y de la fuerza de voluntad más pequeña, no había sido capaz de superar su larga adicción a las drogas. Ni su hija Maria ni su compañera sentimental Pía, lo habían conseguido arrancar de las garras de la autodestrucción.

Oí la noticia pero no la podía creer: no era posible que el autor de la banda sonora de mi vida me abandonara sin cantarme su última canción…

Dicen, se dice, que los hombres no lloramos. Pienso que o bien no soy hombre o en ciertas ocasiones dejo de serlo: yo he llorado y aún lloro cuando algo me conmueve o me emociona, y la muerte de Enrique me emocionó profundamente. Me emocionó tanto, que tuve que irme al baño del aeropuerto para no sentir las miradas de la gente de mi alrededor.

Su muerte fue la pérdida de una parte de mi pasado, de los rescoldos de la juventud que no volverá, la desaparición de los primeros años de madurez, de los sonidos de los guateques, de las audiciones privadas y no tan privadas de música a todo volumen, de los conciertos de Los Secretos en la Plaza Mayor de Madrid, en el 97, o el de la Sala Galileo del 99 (la última vez que le vi en directo).

Su pérdida fue la pérdida del poeta de los fracasos, el trovador de las derrotas, el cantor de las miserias de la vida, el campeón de la tristeza, el rey de la cruda realidad, el señor de los lamentos.

Su desaparición significó que ya nada iba a ser igual, que ya nadie me iba a decir que su ánimo era el mismo que el mío. Nadie volvería a expresar como él que su pena era mi pena. Su pérdida significó, también para mí, que “nunca he sentido igual una derrota…”.

Sé que nunca le pude dar personalmente las gracias por todo lo me ayudó con su música, pero hoy quiero hacerle el homenaje que nunca le hice, y mientras escucho su música siento que su presencia me ayuda a enjugar alguna tristeza de la vida, algunas pérdidas irreparables, algunas personas que vienen y van, que entran y salen… hoy siento que sus derrotas también son mis derrotas.

Estés donde estés, ¡gracias, querido Enrique!

Alfredo Webmaster

 

Quiero beber hasta perder el control

Nunca he sentido igual una derrota
que cuando ella me dijo "se acabó".
Nunca creí tener mi vida rota.
Ahora estoy solo y arrastro mi dolor.

Y mientras en la calle está lloviendo,
una tormenta hay en mi corazón.
Dame otra copa: aún estoy sereno.
Quiero beber hasta perder el control.
 
¡Cuántas noches soñé que te besaba
y en mis brazos llorabas por tu error!
Luego, un ruido del bar me despertaba
y el que lloraba entonces era yo.
 
Y mientras ella está con otro tipo,
mis lágrimas se mezclan con alcohol.
Ella se fue. ¿Por qué no me lo dijo?
Y siento que mi vida fracasó.

En homenaje de agradecimiento a Enrique y a la compañía que me hizo toda mi vida, aún ahora me lo hace, hoy incluyo en la Gramola algunas de sus mejores canciones:

  • Quiero beber hasta perder el control: una de las canciones más bellas de Enrique, en la que deja entrever sus miedos y sus dependencias, su necesidad de amar y ser amado.
  • La calle del olvido: una canción de desengaños y traiciones, de arrepentimientos a destiempo.
  • Ojos de gata: otra balada de más y más derrotas, del reconocimiento de que nada es igual pese a que lo veamos distinto. Joaquín Sabina, gran amigo de Enrique, compuso un tema similar en el que él sí triunfa.
  • Hoy no: otra magnífica canción.
  • Cambio de planes: un tema de siempre.
  • Pero a tu lado: una de las canciones de amor más bonita que se han escrito.
  • Agárrate a mí, María: esta canción, con reminiscencias de ranchera, está dedicada a su hija María; en la letra reconoce la necesidad de su ayuda, de su compañía, de su angustia al ver que se le va la vida. Es, sin lugar a dudas, la mejor herencia que le pudo dejar, una arrebatadora canción de amor.
  • Volver a ser un niño: una hermosa canción de ligera alegría
  • Nada más
  • Bailando en el desván
  • Ya me olvidé de ti
  • Puede que algún día: esta canción estaba dedicada pero ya no lo está.

Enrique y su hija María
Enrique y Maria 1
Enrique y Maria 2
 
 
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Viernes, a 13 de Agosto de 2010

Cuando mi hija Ana me preguntaba cómo distinguía una buena de una mala película sólo con ver los primeros minutos, siempre le respondí lo mismo: “Si la banda sonora me llena, me hace sentir bien, me hace vibrar, sé, como mínimo, que la película no va a ser mala; si el resultado final, una vez visto todo el metraje, es un filme magnífico o una obra maestra, va a depender de más factores además de la música: el director, el guión, los actores, la fotografía, el presupuesto, etc.".

Hay películas de las que sólo recordaré su banda sonora, y sólo eso, que no es poco: al menos intentan agradar. Otras, en cambio, las recuerdo por que son el compendio de muchos factores unidos, y ahí radica la excelencia. Es el caso de la canción "You're so cool!" del gran Hans Zimmer.

Esta canción está incluida en la película de 1993 “True Romance” (en España: “Amor a quemarropa”) del director Tony Scout, hermano de Ridley Scout.

Si ya de por sí la película es una magnífica obra sobre el desarraigo, la soledad y la lucha por la felicidad, también es un filme profundamente romántico: si somos capaces de convivir con la sangre y el dolor de muchas escenas, es una obra de una sensibilidad extrema.

No sé a vosotros, pero a mí escuchar esta canción, más evocadora de paisajes del Pacífico Sur que de una historia de gángsters, drogas y macarras de novelas pulp, me produce una profunda nostalgia y una ganas enormes de colaborar con los protagonistas en su frenética huída…

La canción también me trae recuerdos nostálgicos de aquella maravillosa película de 1973 de Terrence Malick, titulada “Badlands” (en España: “Malas tierras”), con unos jovencísimos Martin  Sheen(*) y Sissy  Spacek.

True Romance” es, seguramente, una de las mejores películas de acción/romance de los últimos 25 años.

Alfredo Webmaster

Nota: Martin Sheen, cuyo nombre real es Ramón Antonio Gerardo Estévez, no es yanqui al 100%: Martin es gallego, tiene casa y residencia eventual en un pueblecito de la provincia de Pontevedra que se llama Salceda de Caselas. Allí lo vi una vez al finalizar una ruta de senderismo, no hace mucho tiempo, sentado en el (casi) único bar del pueblo, confundido en medio de los lugareños. Su estampa era la de una persona real, próxima, afable, sencilla.

"You're so cool!" de Hans Zimmer (1993)

B.S.O. de "Badlands", de Terrence Malick, por Carl Orff - Gassenhauer (1973)

 

Viernes, a 13 de Agosto de 2010

De otra película maravillosa, inconmensurable, de una poderosísima fuerza y vitalidad, pero también profundamente triste, dolorosa, descorazonadora, es este bellísimo canto infantil originario de las Islas Salamon e incluido en una obra maestra del cine bélico, o, mejor dicho, del antibélico: “God Yu Tekem Laef Blong Mi”, canción que podéis escuchar en la película “The Thin Red Line” (en España: “La delgada línea roja”) de Terrence Malick.

En esta película, en la que su banda sonora también es de Hans Zimmer, intervienen como protagonistas casi todos los mejores actores de los últimos 50 años: Sean Penn, Adrien Brody, James Caviezel, Ben Chaplin, George Clooney, John Cusack, Woody Harrelson, Elias Koteas, Jared Leto, Dash Mihok, Tim Blake Nelson, Nick Nolte, John C. Reilly, Nick Stahl, John Travolta, Randall Duk Kim y John Savage.

Terrence Malick sitúa la acción en los paisajes más bellos y idílicos nunca vistos en una película de guerra, de fuego, de muerte. Las imágenes son un canto desesperado a la naturaleza, a la pureza primitiva del ser humano, pero también implican una profunda reflexión sobre la maldad inherente a la condición humana y su tendencia a la autodestrucción.

La guerra que vemos no incluye los valores que nos vendían películas como “Salvar al soldado Ryan” o similares; aquí vemos la guerra como una máquina que deshumaniza a las personas, que las convierte en bestias insensibles, que ensucia y degrada la naturaleza y, a la postre, destruye la pureza del mundo. Es un filme en la línea del Apocalypse Now de Francis Ford Coppola.

La frase que el soldado Witt, personaje interpretado por James Caviezel, piensa para si mismo en un momento del filme, es muy clarificadora: "Todo es mentida. Todo lo que sentimos, lo que vemos. ¡Cuántas mentiras escupen! (...) Nos quieren muertos o viviendo su mentira. Lo único que puede hacer aquí un hombre es encontrar algo que sea suyo, crear una isla sólo para él"... mientras piensa  escucha las arengas militaristas del teniente coronel Tall (interpretado por un grandioso Nick Nolte), un ser lleno de ambición, de sed de glorias guerreras y de brutalidad, un personaje que contrasta con los miedos, las angustias y el dolor de los que no entienden porqué deben matar a sus semejantes o porqué tener que destruir el paraíso en donde están recluidos.

La música es el vivo reflejo de las vivencias de estos seres tan dispares: el reflejo de la paz y la tranquilidad de la naturaleza, y el (im) perfecto contrapunto con lo que hay fuera de ese límite físico y temporal.

Alfredo Webmaster

 

The Thin Red Line” y otras canciones, por The Melanesian Choirs

 

Viernes, a 13 de Agosto de 2010

 

En sus primeros compases, cuando arrancan la voz y las guitarras, aparenta ser una composición de aires folk-pop, en el estilo de un Ian & Sylvia Listen Now, Burl Ives o Kingston Trio Listen Now, pero según avanza la canción descubrimos que se trata de un tema popero de espíritu psicodélico y aire experimental, más en la onda de los Arcade Fire.

Pero no son ellos; se trata del grupo francés Hold Your Horses! y su “70 Million”, una canción y un vídeo absolutamente apabullante, una obra maestra de la creación visual, muy pero que muy por encima de lo que suele ser habitual en los videoclip musicales.

El videoclip, producido por L’Ogre, esta formado por escenas concadenadas en las que se trata de reproducir, de la forma más fiel posible, obras pictóricas de fama mundial de artistas de la talla y calidad de un Botticelli, Velázquez, Picasso, Mondrian, Andy Warhol, Van Gogh o Gustav Klimt.

Las 24 obras de arte maravillosas que veréis, siguiendo el orden de las imágenes, son:

- Leonardo da Vinci, L’ultima cena (1495 – 1497)

- Sandro Botticelli, La Nascita di Venere (1485-87) 

- Rembrandt, Anatomische les van Dr. Nicolaes Tulp (1632) 

- Jean Clouet, Portrait de François Ier (1525)

- Johannes Vermeer, Het meisje met de parel (1665)

- Théodore Géricault, Le Radeau de la Méduse (1818-1819)

- Jacques-Louis David, La Mort de Marat (1793) 

- Michelangelo, Creazione di Adamo – en la Capilla Sixtina – (1510) 

- René Magritte, Le fils de l’homme (1964) 

- Piet Mondrian, Composition (1914 – 1944) 

- Frida Kahlo, Autoretrato (1926 – 1954) 

- Pablo Picasso, Retrato de Dora Maar Sentada (1937)

- Edvard Munch, Skrik (1893 – 1910) 

- Andy Warhol, Marilyn Monroe (1967)

- Autor desconocido, Gabrielle d’Estrées et une de ses soeurs (1594)

- Giovanni Cimabue, Maestà di Santa Trinitá (1285-1286)

- Caravaggio, Salomè con la testa del Battista (1608) 

- Édouard Manet, Olympia (1863) 

- Eugène Delacroix, La Liberté guidant le peuple (1830) 

- Otto Dix, Portrait of the Journalist Sylvia von Harden (1926) 

- Gustav Klimt, Der Kuss (1907-08) 

- Marc Chagall, La Mariée (1950) 

- Diego Velázquez, Las Meninas (1656) 

- Vincent Van Gogh, Zonnebloemen (1880)

Verlo y oírlo nos permite hacer un paseo por la historia de la pintura que no nos dejará indiferentes.

No os lo perdáis: disfrutadlo.

Alfredo Webmaster

 

 

 

Jueves, a 22 de Julio de 2010

 

Casa de Fados es la puesta en escena de un concierto con la estética y la visión de la película Fados de Carlos Saura. El concierto pretende reproducir el ambiente de una Casa de Fado, locales donde se canta el fado en Lisboa y donde el público rinde culto a cantantes y músicos de este género.

La última película de Carlos Saura completa una trilogía que el cineasta aragonés ha realizado sobre las músicas urbanas que nacieron en el s.XIX en diferentes ciudades y que se han convertido en músicas universales. Si Iberia, Flamenco y Tango hablaban respectivamente del flamenco y el tango, en Fados el afamado director nos muestra visión sobre esta música y su manera de entender la vida. En la cinta, artistas de la talla de Chico Buarque, Caetano Veloso, Marisa, Lila Downs y Miguel Poveda, entre otros, rinden un homenaje al fado.

En Fados participan diferentes generaciones de fadistas, instrumentistas y cantantes, primeras figuras del fado y jóvenes promesas que se han convertido en artistas en la vanguardia de esta música y que son ampliamente reconocidos como herederos de figuras como Amália Rodrigues o Carlo do Carmo.

En concierto de Casa de Fados varias generaciones de fadistas que participan en la película cantan “À desgarrada” uno tras otro, en un espectáculo acompañados por la escenografía e imágenes de la película Fados, creando un espectáculo que nos transporta al ambiente y el sentimiento del fado.

Fadistas: Carminho, Ricardo Ribeiro, Vicente da Câmara, Maria da Nazaré, Ana Sofia Varela y Pedro Moutinho.

Músicos: Pedro Castro y José Luis Nobre Costa (a la guitarra portuguesa), Jaime Santos (viola) y Joel Pina (bajo acústico).

 

Fado Corrido - Vicente da Câmara
(Vicente da Câmara / Popular *Fado Corrido*)
 
Uma amizade perdida
Nunca mais pode voltar
É amizade fingida
Se vai e volta a brincar
Ninguém dá nada
Se atrás não vier contravalor
Ninguém dá nada
Se atrás não vier contravalor
 
Só um amigo é capaz
Sem receber de dar amor
Só um amigo é capaz
Sem receber de dar amor

Minha mãe eu canto a noite - Maria da Nazaré
(Vasco de Lima Couto / Popular *Fado Menor*)

Minha mãe, eu canto a noite
Porque o dia me castiga
É no silêncio das coisas
Que eu encontro a voz amiga

Minha mãe, eu sofro a noite / Neste amor em que me afundo
Porque as palavras da vida / Já não têm outro mundo

Minha mãe eu grito a noite / Como um barco que te afasta
E naufraga no mar alto / Ao pé da onda mais casta

Por isso sou este canto / Minha mãe, tão magoado
Que visto a noite em meu corpo / Sem destino, mas com fado

Fado Corrido - Ana Sofia Varela
(Tiago Torres da Silva / Popular *Fado Corrido*)

Talvez o fado me diga
O que ninguém quer dizer
E por isso eu o persiga
Para nele me entender
E por isso eu o persiga
Para nele me entender

Meu amor tenho cantado
Sobre um céu tão derradeiro
Porque me entrego em cada fado
Como se fosse o primeiro

Talvez o fado não me peça
Tudo aquilo que lhe dou
Por isso por mais que o esqueça
Ele não esquece o que eu sou
Por isso por mais que o esqueça
Ele não esquece o que eu sou

Fado das Horas - Carminho
(D. António de Bragança / Popular *Fado Mouraria*)

Chorava por te não ver,
por te ver eu choro agora,
mas choro só por querer,
querer ver-te a toda a hora.

Passa o tempo de corrida,
quando falas eu te escuto,
nas horas da nossa vida,
cada hora é um minuto.

Quando estás ao pé de mim,
sinto-me dono do mundo.
mas o tempo é tão ruim,
tem cada hora um segundo.

Deixa-te estar a meu lado
e não mais te vás embora
para meu coração coitado
viver na vida uma hora

Guitarrada - Pedro de Castro & José Luís Nobre Costa (guitarra portuguesa); Jaime Santos (viola); Prof. Joel Pina (baixo)

Fama de Alfama - Ricardo Ribeiro & Pedro Moutinho
(Carlos Conde / José Lopes *Fado Lopes*)

Não tenham medo da fama
De Alfama mal afamada
A fama ás vezes difama
Gente boa, gente honrada

Fadistas venham comigo / Ouvir o fado vadio
E cantar ao desafio / Num castiço bairro antigo

Vamos lá, como eu lhes digo / E hão-de ver de madrugada
Como foi boa a noitada / No velho bairro de Alfama

Eu sei que o mundo falava / Mas por certo, com maldade
Pois nem sempre era verdade / Aquilo que se contava
Não tenham medo da fama
De Alfama mal afamada

Muita gente ali, levava / Viva sã e sossegada
Sob uma fama malvada / Que a salpicava de lama
A fama ás vezes difama
Gente boa, gente honrada

 
Domingo, a 11 de Julio de 2010

Woodrow Wilson Guthrie, más conocido por Woody Guthrie, el más gran cantautor norteamericano de toda la historia, nació el 14 de julio de 1912 en Okemah, Oklahoma.

Se unió con otros cantantes folk a los Almanac Singers o People’s Songs, colectivos de cantautores progresistas que apoyaban con sus baladas y recitales las reivindicaciones obreras, dando continuidad a la tradición de Joe Hill y los trovadores anarcosindicalistas.

De aspecto famélico, recorrió todo el inmenso país a bordo de interminables trenes de carga o cruzando polvorientas carreteras para acudir en apoyo de los obreros en huelga, de los campesinos hambrientos y de los manifestantes apaleados en las calles.

Su estilo personal, con influencia de la música tradicional irlandesa y del blues negro, fue el detonante de un movimiento de artistas comprometidos con la lucha de clases y el iniciador de la más fructífera generación de trovadores yanquis. Dotado de una inspiración inagotable, su extenso repertorio abarcó más de mil canciones que aún hoy forman parte de los mejores repertorios de música folk y de canción protesta. Sus baladas disparaban tanto contra la guerra imperialista y el desempleo, como en defensa de los huelguistas, los vagabundos, los perseguidos, los represaliados y los presos. Recuperó las historias de bandidos generosos y anarquistas asesinados, pero también cantó con su voz, su armónica y su guitarra, a los niños y a los viejos, a los montes boscosos y a las llanuras desérticas de su país.

Forjó un estilo combatiente de lealtad indesmallable hacia todas las luchas obreras, las huelgas, las protestas populares y el apoyo de su voz y su guitarra a la suerte de los obreros y de todos los antifascistas.

Las canciones de Guthrie llegaron a España en la boca y cánticos de los combatientes norteamericanos de la Brigada Abraham Lincoln, de los miles de hombres y mujeres de se país que vinieron generosa y desinteresadamente a combatir al fascismo de Franco y sus secuaces, codo con codo con los republicanos, y demócratas españoles, dando un ejemplo imborrable de internacionalismo. Desgraciadamente para ellos, los pocos supervivientes que volvieron a su país al terminar la cruenta guerra civil española, fueron implacablemente perseguidos en su país por haber defendido la democracia y la república.

Al mismo tiempo que los brigadistas norteamericanos nos trajeron o compusieron inolvidables canciones de su repertorio, como “Jarama Valley”, incorporaron algunas nuestra al repertorio musical norteamericano. Todavía muchos grupos musicales de los países anglosajones cantan de memoria el “Ay Carmela” o el “Himno del V Regimiento”, como si fueran canciones suyas de toda la vida.

Con nuestra música y con la de las Brigadas Internacionales, incansable, Guthrie dio recitales por todo Estados Unidos con una pegatina en su guitarra con una frase que decía: “This machine kills fascists” (Esta máquina mata fascistas). En un escrito mío sobre Micah P Hinson, hacía mención a que en su guitarra llevaba puesto lo mismo.

Woody Guthrie compuso álbumes que eran verdaderos tratados monográficos sobre las luchas populares. Sobre las batallas de los indefensos, surgieron sus canciones sobre la construcción de las grandes presas de Bonneville y Grand Coule (Columbia ballads, 1937), sus Baladas de Sacco y Vanzzetti (1946) y, sobre todo, sus espléndidas “Dust bowl balads” (Baladas de la cuenca del polvo), donde narra la emigración de los empobrecidos campesinos de las praderas a California tras la crisis de 1929, incluyendo la irrepetible “Tom Joad”, una balada de siete minutos que resume las 500 páginas de la novela “Las uvas de la ira” de John Steinbeck:

Donde haya niños con hambre y llorando,
donde la gente no sea libre,
donde los hombres luchen por sus derechos,
allí estaré yo...

Una de sus canciones más conocidas es “This land is your land” (Esta tierra es tu tierra), que expresa ese sentimiento joven, abierto, inconformista y solidario con el que los emigrantes originarios de países muy lejanos se unieron en un mismo país, en su país:

Había una tapia muy alta que trató de detenerme
y colocado un letrero que decía Propiedad Privada.
Pero por la parte de atrás no ponía nada
porque esta tierra es tuya, esta tierra es mía.
Esta tierra fue hecha para ti y para mí
”.

Y en su canción “El vigilante”, escribió:

¿Por qué lleva el vigilante
una escopeta aserrada en la mano?
¿mataría a tiros a su hermana y a su hermano?
He vagabundeado de un pueblo a otro
y nos echaron como si fuéramos ganado.
¿Eran esos los vigilantes?

Woody Guthrie murió el 3 de octubre de 1967, tras doce años de convalecencia en un hospital a causa del mal de Huntington.

En los años 50 y 60 (Pete Seeger, June Carter y Jonnhy Cash, Bob Dylan, Donovan, Grateful Dead, Bruce Springsteen, John Mayall, Peter Lafarge, Malvina Reynolds, Sonny Terry, Tom Paxton, Phil Ochs, Judy Collins, Alan Lomax, Richard y Mimi Fariña, Julius Lester, Arlo Guthrie –hijo de Woody-, Willie Nelson, Cisco Houston, Joan Baez, etc.) muchos intentaron copiar su estilo de música, pero muy pocos intentaron ser como él como persona. No se dieron cuenta de que ambas cosas estaban unidas, que su estilo no hubiera llegado tan alto sin esas jornadas interminables viajando en los polvorientos trenes de mercancías que le acercaban y hermanaban con los obreros en huelga, o sus interminables viajes en destartaladas furgonetas en compañía de familiar harapientas.

El pop actual fue posible porque Guthrie supo llegar a la gente con la música, hablándole de sus problemas, de sus esperanzas y de sus luchas. Pero las grandes estrellas actuales en sus giras multitudinarias y las multinacionales de la música más comercial han olvidado ya todo eso; incluso algunos, los más reaccionarios, le han dado la vuelta al mensaje reivindicativo de Woody Guthrie, apoyando al imperialismo.

Hoy en día, la música popular norteamericana ha sido expoliada y expropiada de todo el jugo político y de denuncia que Woody le imprimió a sus canciones.

Dicen que Guthrie influyó muchísimo en los conceptos musicales de Bod Dylan, pero no consiguió influir nada en sus conceptos morales. Guthrie estaría con su guitarra, la máquina de matar fascistas, apoyando al pueblo afgano, a los palestinos, a los iraquíes... pero nunca a los marines y sobre todo a los que los mandan.

Cuando oímos a Bob Dylan promoviendo las agresiones del Pentágono, caemos en la cuenta de que en muy pocos años la música ha cerrado una circunferencia de 360 grados: ya nada es lo que fue y mucho menos el espíritu de amor al prójimo que emanaba la música de Woody.

Lo dijo él mismo en una de sus canciones:

Mientras haya naufragios, desastres, tornados, huracanes,
linchamientos, precios altos y salarios bajos;
mientras existan policías uniformados
que combatan a los huelguistas,
las canciones y las baladas del pueblo seguirán adelante
” 
(de su canción “Bound of glory)

La música pop actual ya no está influida por las enseñanzas de Guthrie: han traicionado a Guthrie. Pero en él, en el hombre que supo luchar en miles de batallas solidarias, los actuales cantantes y grupos musicales podrían tomarlo de ejemplo para hacer del arte y la cultura, una herramienta de combate contra el fascismo, contra la opresión y la guerra, contra las desigualdades sociales y el imperio del capital.

Canto para hacer que te sientas orgulloso de ti mismo y de tu trabajo” (Woody Guthrie).

 

"Blowing Down That Old Dusty Road", de Woody Guthrie

"Do Re Mi", de Woody Guthrie

"All You Fascists Bound To Lose", de Woody Guthrie

"Ballades de Sacco & Vanzetti", de Woody Guthrie -parte I-

 "Ballades de Sacco & Vanzetti", de Woody Guthrie -parte II-

"Tom Joad", de Woody Guthrie

"This land is your land", de Woody Guthrie

 

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Sábado, a 26 de Junio de 2010

Como casi todas las óperas de W. A. Mozart, Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni” (nombre completo de la ópera “Don Giovanni”, drama jocoso en dos actos K. 527), esta magistral obra maestra termina con una enseñanza moralista cristiana pero de marcada iconoclastia masona: el castigo final (del alma) llega con la purgación de los errores (del cuerpo).

La magnífica versión que el gran Pier Luigi Pizzi  ideó para la temporada 2009 del Festival de Macerata, fue la que tuve el placer de presenciar en el Palacio de la Ópera de La Coruña, el pasado día 21 de mayo.

Sobre un escenario sobrio, de minimalista concepción, básico en su estética y con la caja escénica construida en perspectiva, sobresalía una cama de un blanco refulgente, y sobre ella la figura atlética de un Don Giovanni engalanado en rojo pasión: la música y el libreto giran entorno a la todopoderosa presencia del Don Juan Tenorio clásico (la traducción al italiano de Juan es Giovanni), el conquistador de corazón endurecido y mano rápida con la espada.

Para el papel de Don Giovanni se contó con la voz de Ildebrando d’Arcangelo, un “divus absolutus” de musculatura más que respetable, un bajo/barítono de buena impostura y chulería pero de voz no tan poderosa y versátil; el papel de Leporello, criado y "alter ego" de Don Giovanni, lo interpretó Andrea Concetti, menos divo que el anterior pero más efectivo; en el papel de la pobre loca de Elvira, Monica Bacelli, correcta, ajustada a la voz pero con algún gritito especialmente en el registro alto; los personajes de consentidoras-arrepentidas: Donna Anna en la voz de María José Moreno, una soprano soberbia en escena y majestuosa en sus dos arias (la mayor ovación de la noche en “Non mi dir”), una joya pulida y refulgente, y la de Zerlina, en la de Manuela Bisceglie, una soprano de voz cálida, juvenil, pero que presagia un gran futuro; los Ottavio por Alexei Kudria y Masetto por David Rubiera, correcto en términos generales. Un caso aparte es el de Gudjon Oskarsson y su Comendatore: sencillamente desastroso.

¿Qué podemos decir de la Orquesta Sinfónica de Galicia y de su director, Víctor Pablo Pérez? Que son, sin lugar a dudas, la mejor orquesta de España para interpretar a Mozart, y la batuta de Víctor Pablo, el modelo a seguir para este tipo de músicas. Y dentro del altísimo nivel de los músicos de la OSG, los excelentes solos de violín de Spadano y de Tanasescu al chelo.

Alfredo Webmaster

Don Giovanni – Ildebrando d’Arcangelo

Leporello – Andrea Concetti

Donna Anna – María José Moreno

Don Ottavio – Alexei Kudrya

Donna Elvira – Monica Bacelli

Masetto – David Rubiera

Zerlina – Manuela Bisceglie

Commendatore – Gudjon Oskarsson

Orquesta Sinfónica de Galicia

Coro de la Orquesta Sinfónica de Galicia

Dirección de escena - Pier Luigi Pizzi

Escenografía y vestuario – Pier Luigi Pizzi

Dirección musical – Víctor Pablo Pérez

Directo de coros - Joan Company

Movimiento coreográfico – Roberto Maria Pizzuto

Diseño de iluminación – Vincenzo Raponi

Asistente dirección escena – Andrea Bernard

Asistente de escenografía – Serena Rocco

Asistente de vestuario – Lorena Marin

 

 

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Sábado, a 26 de Junio de 2010

 

Del concierto que dio hace tres años en Vigo, en el Festival Sonora, me quedó el recuerdo de su proximidad, de su locuacidad y de su desbordante caudal vocal, una extraña mezcla de barítono y bajo.

El tiempo transcurrido desde aquella primera actuación en Galicia le sirvió a Micah P Hinson para madurar como compositor, ganar en locuacidad (¡Cuánto –y bien- hablas, Micah!) y verle, sobre todo, feliz: tenía a su pareja cerca, justo detrás de mí. Se les veía totalmente enamorados, con miradas y confidencias que compartió con nosotros, denotaron su bien merecida estabilidad emocional.

En le escenario es el rey; no necesita ningún acompañante salvo su guitarra acústica que toca magníficamente bien, una guitarra ajada por mil usos y en la que tiene plasmada su declaración de principios, la famosísima frase con la que Woody Guthrie definía a su guitarra: una máquina para matar fascistas.

De su voz, poco que decir: profunda, con imperfecciones tonales, sentida, dolorosa, sensible, apasionada, dulce incluso. Su gravedad, su profundidad viene desde dentro de un cuerpo escuchimizado, frágil, un cuerpo dañado por los accidentes y un reguero de recuerdos de las malas vidas vividas.

Verlo en directo, justo a pié de escenario, es una experiencia gozosa y reconfortante, un acto de reconciliación con los músicos que viven la música como alimento vital, sin la parafernalia de las tournées multimillonarias o los conciertos de masas. Micah es el vivo reflejo de la calidad, y calidez, humana.

Alfredo Webmaster

Notas

-Para más información sobre Micah P Hinson, pulsad el enlace a un escrito mío de hace un mes

-En la Gramola está incluida una selección de algunas de sus mejores composiciones

-Las fotos son una gentileza de Sonia Martínez y Tino Basanta, también presentes en el concierto: gracias, muchas gracias.

 

Lunes, a 31 de Mayo de 2010

Como anticipo de la actuación que Micah P. Hinson hará en la Sala Mondo, de Vigo (para presentarnos su último trabajo “The Pioneer Saboteurs”), hago una pequeña inclusión en la Gramola de las (desafortunadamente) escasísimas canciones que Micah incluyó en el disco grabado en directo “The surrendering”: sólo son 6 canciones… ¡¡Pero qué canciones!!

Michael Paul Hinson (30 de marzo de 1981, Memphis, Tennessee) es un cantautor y guitarrista americano muy en la línea indie, con bastante de americana y reminiscencias de country-rock, en un (maravilloso) batiburrillo de estilos que llevo a los críticos a considerarlo una mezcla de los Wilco con Neil Young, de la parte menos rockera de Bob Dylan con los aires oníricos y sentimentales de un Nick Drake, y todo ello con las letras batalladoras y reivindicativas de un moderno Woody Guthrie. ¡¡Casi ná!!

Nacido en el seno de una familia de tremendas convicciones religiosas integristas, la infancia de Micah estuvo marcada una total falta de libertad para desarrollar su vena musical.

En su intento por liberarse del pesado yugo familiar y poder vivir su vida, se fue de su casa… De nada le sirvió quedar libre de la familia: cayó bajo la influencia de una mujer mayor que él, una especie de femme fatale exmodelo de Vogue, que le introdujo en las drogas y el alcohol.

Ésta, viuda del guitarrista de los Tripping Daisy, era una yonqui enganchada al alcohol, al valium, a la cocaina, codeína, ansiolíticos y a drogas de diseño, que llegó a que Micah también entrara en su círculo de consumo.

En una redada realizada en la vivienda que ocupaban, fue capturado y condenado a prisión por, además de posesión y consumo de drogas, falsificar recetas de medicamentos.

Y la vida siguió… y en 2003 su vida dio un giro inesperado: grabó su primer disco, “The Gospel of Progress”, en Inglaterra, para la compañía Scetch Book Records, e hizo su primera gira como telonero de nada menos que los Calexico.

El disco, un pequeño fracaso de ventas, fue un exitazo entre los críticos y entendidos, que alabaron su frescura y su capacidad para unir estilos tan distintos/similares como el indie o el alt-country.

Está considerado el heredero musical y evolucionador del estilo de gentes tan dispares como Johnny Cash, Leonard Cohen, Tom Waits, Nick Cave, de Wilco, Lambchop o Bright Eyes.

Un dato curioso: todos los coros de sus discos están cantados por él mismo con diferentes entonaciones, llegando en algunas canciones a tener hasta 15 pistas con la voz de Micah al mismo tiempo.

Micah tiene clase, talento y carisma. En sus directos toca hasta que le dejan: se despide, coge sus cosas, saluda a la gente de las primeras filas y se marcha dejando en el ambiente de sus oyentes la sensación de haber sido testigos de algo diferente al músico clásico; Micah es el antiheroe del glam.

Pese a su escasa discografía, es un autor a seguir muy de cerca: llegará lejos (al menos para unos pocos privilegiados).

Alfredo Webmaster

 

"Beneath the Rose", de Micah P. Hinson

 

"Seems Almost Impossible", de Micah P. Hinson

 

"Yard Of Blonde Girls", de Micah P. Hinson

 



¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

Viernes, a 28 de Mayo de 2010

El pasado 8 de mayo tuvo lugar uno de los más memorables conciertos de los desarrollados en Galicia en los últimos años: la Misa de Réquiem de Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, con la Orquesta Sinfónica de Galicia, el Orfeón Donostiarra y la batuta de Víctor Pablo Pérez.

Para tan excepcional concierto se contó con algunas de las mejores voces del panorama musical mundial: la soprano uruguaya MªJosé Siri (que sustituyó más que perfectamente a Ainhoa Arteta, a la que no echamos de menos), el tenor Stuart Neill, que inauguró la pasada temporada de La Scala con el “Don Carlo” verdiano, la mezzo rusa Anna Smirnova (sustituta de Dolora Zajick), el barítono Roberto Scandiuzzi y el bajo Giacomo Prestia, uno de los más famosos y reclamados intérpretes de su cuerda en la actualidad.

La Orquesta Sinfónica de Galicia, dirigida por Víctor Pablo Pérez, estuvo, como siempre, brillantísima, pero con algunos pianísimos inaudibles en la zona en la que estuve sentado en el Palacio de la Ópera.

La parte coral estuvo a cargo del siempre perfecto y acoplado Orfeón Donostiarra, una garantía de solvencia y seguridad, además de la habitual brillantez del timbre. Poco más podemos decir de esta histórica agrupación, salvo el recordatorio a su capacidad para leer una obra de esta magnitud: interpretó el “Réquiem” junto a la Filarmónica de Berlín, invitados por Claudio Abbado, en una actuación que sigue siendo una referencia de esta misa a nivel mundial.

La Misa de Réquiem de Verdi es, en primer lugar, una obra de una enorme dimensión musical en los más amplios sentidos de la palabra: exige una gran dimensión, tanto en el sentido físico de duración y como en el de la presencia de grandes efectivos en el escenario; además de eso, es de una importantísima transcendencia en su concepto musical, para una obra nacida como homenaje a dos difuntos (Gioacchino Rossini, en principio, y Alessandro Manzini, como destinatario final) bajo un formato litúrgico clásico, con la curiosidad añadida de que fue compuesta por un autor totalmente alejado de la religión.

Resumiendo: uno de los mejores conciertos de estos últimos años, en un entorno privilegiado como es el Palacio de la Ópera de La Coruña.

Alfredo Webmaster

"Dies irae", de Giuseppe Verdi, por la OSG y el Orfeón Donostiarra

(Coruña, 08-05-2010)

La Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi

- Requiem y Kyrie (cuarteto solista, coro)

- Dies Irae

          o Dies Irae (estribillo)

          o Tuba Mirum (bajo y coros)

          o Mors stupebit (bajo y coros)

          o Liber scriptus, (mezzo-soprano, coro)

          o Quid suma avaro (soprano, mezzo-soprano, tenor)

          o Rex tremendae (solistas, coro)

          o Recordare (soprano, mezzo-soprano)

          o Ingemisco (tenor)

          o Confutatis (bajo, coros)

          o Lacrymosa (solistas, coro)

- Domine Jesu (ofertorium) (solo)

- Sanctus (Doble Coro)

- Agnus Dei (soprano, mezzo-soprano, coro)

- Lux Aeterna (mezzo-soprano, tenor, bajo)

- Libera Me (soprano, coro)

 

 

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Lunes, a 19 de Abril de 2010

De entre las muchísimas canciones, cancionazas, que escribió John Fogerty con los Creedence Clearwater Revival, su “Proud Mary fue la primera que le catapultó al éxito como compositor y al reconocimiento mundial como letrista. Siendo muy buena la canción original, ésta queda minimizada ante otra versión más poderosa y consistente: la de Ike & Tina Turner Revue.

Ike Turner y Anna Mae Bullock, más conocida por Tina Turner (tomó el apellido de Ike, su marido), formaron una de las más famosas parejas musicales entre los años 1957 y 1976.

En el año 1976 se divorciaron musical y personalmente debido a lo insostenible de lasituación de ella: Ike abusaba continuamente de Tina, con tanto psíquica como sexualmente.

Durante el período en el que actuaron juntos, más de 20 años, su versión del “Proud Mary” fue no sólo su mayor éxito de crítica y público, también fue una enorme gozada visual. En el vídeo de la canción podréis observar, además del virtuosismo y la inconmensurable calidad de su prodigiosa voz, a la mejor Tina de la historia, la veréis moversde sobre el escenario mientras agita su cabellera y bailar al ritmo frenético de la música, sustentada por las mejores piernas (y culo) de entre todas las mujeres del rock & roll, soul y R&B: todo un espectáculo.

Alfredo Webmaster

 

Proud Mary”, por Ike & Tina Turner Revue

"Proud Mary", de John Fogerty con los Creedence Clearwater Revival (original)

Letra de "Proud Mary"

Looking for a job in the city
Working for the man ev'ry night and day


Then I never lost a minute of speed
When worrying 'bout the way things
might have been.

Big wheels keep on turning.
Proud Mary keeps on burning.
Rolling, rolling, rolling on the river.

Seen a lot of places in Memphis.
Hogged a lot of playing down in New Orleans.
But I never saw the good side of the city

'til I hitched a ride on a river boat queen.

Big wheels keep on turning.
Proud Mary keeps on burning.
Rolling, rolling, rolling on the river.

If you come down to the river

Betcha gonna find the people who live

You don't have to worry though you have no money.
People on the river are happy to give.

Big wheels keep on turning.
Proud Mary keeps on burning.
Rolling, rolling, rolling on the river.

 

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Domingo, a 18 de Abril de 2010

Hace casi un año, en agosto de 2009, localicé una página Web absolutamente maravillosa y sorprendente: La Blogotheque.

El colectivo cultural formado entorno a Vincent Moon, La Blogotheque, es el responsable de que gente como Lambchop, una de mis bandas musicales de cabecera, toque su “National Talk Like A Pirate Day” en una especie de jardín familiar, usando como base rítmica una mesa de jardín, que Taraf de Haidouks y su grupo interpreten “Part 1 mientras suben por unas escaleras, que Priscilla Ahn nos deleite con un directísimo “Dream” mientras afina su guitarra, que otro de los grandes, los Beirut, nos asombren con una de sus canciones más representativas, “Nantes”, usando como timbales los cubos de basura de una calle cualquiera, que Arcade Fire su "Neon Bible" lo hago en un ascensor y use como instrumentos entre otros, una guía telefónica, etc., etc., etc.

La filosofía que emana de los proyectos de Vincent Moon para La Blogotheque es el de espontaneidad, la sinceridad, la profesionalidad y, sobre todo, la honradez de unos intérpretes a los que se les pide que sean “ellos mismos” sin aditivos, sin parafernalia, sin la pompa que da el reconocimiento mundial. Son, lo que Vicente Moon llama, “Les Concerts a Emporter” (en español: Conciertos para llevar; en inglés: The take away shows).

El formato es tan novedoso y brillante, que “algunas de las bandas no habían tocado nunca antes en formato acústico. Por eso, dejarse grabar en la calle era todo un reto para ellas”.

Vicent Moon ideó el proyecto porque “Me sentía enfadado con la situación actual de la música en directo, reducida a los formatos televisivos o a las grande salas de conciertos en las que el escenario está a varios metros de ti. Nuestra idea fue llevar la música a la calle y crear una conexión íntima con la creación artística, tratando sonido e imagen a un mismo nivel”.

Eso es La Blogotheque, un espacio para los que aman la música sin más aditamentos que la belleza del sonido de unos instrumentos y el calor de las voces, todo aderezado con la sensibilidad del que quiere hacer bien las cosas, de forma distinta, y disfrutándolas.

Alfredo Webmaster

 


Algunos vídeos de grupos de La Blogotheque

"National Talk Like A Pirate Day" de Lambchop

Nantes” de Bierut

"Dream" de Priscilla Ahn

"Neon Bible" de Arcade Fire

"Wolves (Act I & II)" de Bon Iver

"Country Disappeared" de Wilco

"Radio's Hot Sun" de Handsome Furs

"Blue Ridge Mountains" de Fleet Foxes

"1901" de Phoenix

"Until the day is done" de R.E.M.

"Meo suo i eyrum" de Sigur Rós

"Split Series" de Priscilla Ahn

"Sugarcube" de Yo La Tengo

 

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