Música y Vino

Puedo intentar ser sincero pero nunca seré imparcial…
Domingo, a 24 de Marzo de 2013

 

De Lucinda Williams y su álbum del 2003, os recomiendo este temazo de imponente musicalidad y suave desarrollo, capaz de ponernos los pelos como escarpias...

Lucinda, la gran dama del sur de USA (Lousiana), además de ser una enorme compositora y show-woman, tiene una poderosísima voz carente de artificios y afecciones: canta con el corazón y desde las entrañas.

Su country moderno, adulto y abierto que devino en lo que ahora se llama “americana”, la está entronizando entre las leyendas de la música.

Alfredo Webmaster

 

Jueves, a 11 de Octubre de 2012

Corría el año 1630. Athanasius Kircher, científico además de jesuita, llega a Pouilles en uno de sus múltiples viajes de investigación, en esta ocasión para tratar de descubrir qué había de cierto en las fábulas que contaba las extraña relación entre las terapias musicales, ciertas enfermedades y el culto a Dionisos.

Después de un extenso trabajo de campo, en 1641 publica sus estudios sobre el “tarantismo”,

 rara enfermedad provocada por la picadura de la tarántula (Lycosa tarántula), que causa un deseo irresistible de bailar y bailar, en un agitado desenfreno. Athanasius Kircher creyó haber descubierto un tipo de música que aliviaba los males del “atarantado” o “tarantulado”, permitiendo a los que la escuchan bailar en trance durante horas o, incluso, días enteros, hasta el agotamiento. Como dice una de las canciones que oiréis, "si acaso te pica la tarantela, tendréis que bailarla con una vigüela".

Algunas voces más doctas que la de Athanasius Kircher, sostienen que el llamado “tarantismo” no es otra cosa que una sofisticada forma de histeria tal como señalar algunos estudios, sobre todo los publicados por investigadores españoles como Manuel Irañeta y Jáuregi, Francisco Xabier Cid, y su “Tarantismo observado en España” (1787) o la “Historia de la Tarántula y su mordedura, y cómo la música, saltar y brincar con ella, es un eficaz remedio"

(Madrid, 1745) de Felix de Eguia, estudio que recoge las enseñanzas de Giorgio Baglivi (1668-1707), discípulo de Athanasius Kircher.

Usando como base argumental todas las historias pseudocientíficas de curación de enfermedades a base de escuchar música, nacieron las primeras “tarantellas”, un estilo de música vocal e instrumental del siglo XV al XVII, de origen italiano pero cargado de fuertes reminiscencias españolas (las castañuelas, la guitarra), un estilo de música que aún se interpreta, y baila, en Pouilles, Calabria, Sicilia y en la región de Nápoles.

 

Las “tarantellas” son unas danzas vigorosas de tempo muy acelerado, que en algunos casos puede llegar al presto furioso. Marius Schneider (1903-1982) las calificó como "bailes medicinales" y Pedro Mejía (1497-1551) en su tratado “Silva de varia lección” dijo de ellas que "el efecto que hace la música es que el herido comienza a bailar, haciendo diversas mudanzas, como si hubiera empleado toda su vida en aprenderlas, y está así bailando", normalmente entre tres y cuatro días, "hasta que aquella maldita ponzoña se consume, y gasta con el ejercicio de la música".

La creencia de que se puede llegar a la cura de enfermedades mediante el baile aúna los antiguos cultos dionisíacos con el cristianismo. Las “tarantellas” son, de algún modo, las antecesoras del break dance de nuestras épocas y la antesala de la musicoterapia, una suerte de medicina alternativa muy en boga actualmente.

Existe un excelente trabajo de documentación sobre las “tarantelas” españolas publicado en la Revista de Folklore en el año 1986 y escrito por Juan Bautista Varela de Vega.

Los interpretes de estas “tarantellas” que acabo de incluir en la Gramola son el grupo francés de música antigua L'Arpeggiatta, que bajo la dirección de Christina Pluhar a la tiorba, y algunos otros instrumentos de cuerda pulsada, y las voces de Marco Beasley y la gran Lucilla Galeazzi (prodigiosa teatralidad la de esta mujer), recuperaron para todos nosotros estas pequeñas maravillas de la música popular del sur de Europa, de la Euroma más mediterránea y vivaz.

Alfredo Webmaster

 

L'Arpeggiatta
 

 

 
 

Cómo funciona la Gramola

En la página principal de musicayvino.com, a la derecha en la parte alta, está situada la Gramola.

Cuando pulséis “Play” se abrirá una nueva ventana en la que encontraréis un desplegable con una relación de músicos y grupos que seleccioné para vosotros/as, para vuestro disfrute.

Una vez situado el cursor en el intérprete o grupo que deseéis, pulsad “Aplicar” para que la Gramola se sitúe en vuestra elección.

Ahora sólo falta pulsar en el símbolo de “Play” que está justo debajo del nombre elegido… a los pocos segundos empezará a oírse la música, que se irá encadenando canción a canción, una detrás de otra hasta el final de lo elegido.

Además de la opción “Play” citada anteriormente, también tenéis la posibilidad de poner en pausa la canción, pararla totalmente, retroceder y avanzar en ella, e incluso subir o bajar el volumen de escucha.

Y así, como acabo de explicar, podéis hacer con el resto de los intérpretes de la Gramola.

Aviso importante: entre los problemas que han ido apareciendo estos días mientras Xacobe termina de poner a punto mi página web, está la imposibilidad de encadenar canciones, una detrás de otra. Por tanto, durante un tiempo breve, que ojalá sea brevísimo, tendréis que pulsar vosotros sobre las canciones una a una para que se escuchen.

Pido perdón por este pequeño fallo producto de los lógicos ajustes que necesita una página como la mía, que está viva desde hace muchos años, que tiene más de 1.600 artículos, 50.000 comentarios y, lo más sorprendente de todo, más de 2.343.000 visitas

Nota: Xacobe es el responsable de la actualización del Drupal de mi página web.


 
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Sábado, a 26 de Mayo de 2012

Ayer, mientras veía el capítulo 12 de la 3ª temporada de la serie "The Good Wife" (¡qué buena es!), sonó el 5º movimiento, el “Passa calle”, de la “Musica notturna delle strade di Madrid, Op. 30”, el famoso quintettino (quinteto) para instrumentos de cuerda de Luigi Boccherini.

Inmediatamente, recordé dos filmes en los que se incluyó este hermosísimo tema en su banda sonora: "Master and Commander: The Far Side of the World", de Peter Weir, con Russell Crowe y Paul Bettany, y en "You will meet a tall dark stranger ", de Woody Allen, con Anthony Hopkins y Naomi Watts. Y, por qué no recordarlo, también se interpretó en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona del año 1992.

Como escribió Jaume Tortella, “para la composición de la Música nocturna de las calles de Madrid, Boccherini tomó su inspiración de escenas nocturnas de la calle de la ciudad, que parece mirar con nostalgia a la alegría y el bullicio de la capital de España, recordando el sonido de las campanas de las iglesias de la ciudad en su llamada para la oración vespertina, los bailes populares que fueron el deleite de sus jóvenes y los mendigos ciegos tocando sus típicas viellas de rueda hasta que los soldados de la guarnición local dan el toque de queda de medianoche con su Retiro”.

Este maravilloso quintettino, de ensoñación galante y reminiscencias palaciegas entremezcladas con el sonido de un Madrid bullicioso, es ideal para sobrellevar la pesadez de una lluviosa tarde de sábado.

Alfredo Webmaster

 

Luigi Boccherini - “Passa calle”, de la “Musica notturna delle strade di Madrid, Op. 30
(versión clásica)

 

Luigi Boccherini - “Passa calle”, de la “Musica notturna delle strade di Madrid, Op. 30"
(versión que se incorporó en la película "Master and Commander: The Far Side of the World". En el vídeo, Russell Crowe y Paul Bettany, en sus papeles de capital del buque y médico, interpretan este 5º movimiento)

 

Viernes, a 25 de Mayo de 2012

De la actuación de Calexico en el Centro Cultural Caixanova en Vigo, el 16 de enero de 2009, me queda para el recuerdo su canción "Sunken waltz", una joya sonora de impecable factura, un suave torbellino de ritmo y sensibilidad, una balada que compendia lo mejor de uno de los mejores grupos del folk indie y americana de todos los tiempos.

Sus notas, que huelen al perfume de las flores que jalonan la frontera del río Grande, son ideales para empezar el fin de semana dejándose mecer por su cadenciosa dulzura e imaginar el movimiento de unos pies bailando un vals...

Alfredo Webmaster

 

Calexico - "Sunken waltz"

Washed my face in the rivers of empire
Made my bed from a cardboard crate
Down in the city of quartz
No news, no new regrets
Tossed a susan b over my shoulder
And prayed it would rain and rain
Submerge the whole western states
Call it a last fair deal
With an american seal
And corporate hand shake
Take the story of carpenter mike
Dropped his tools and his keys and left
And headed out as far as he could
Past the cities and gated neighborhoods
He slept 'neath the stars
Wrote down what he dreamt
And he built a machine
For no one to see
Then took flight, first light

 

Sábado, a 12 de Mayo de 2012
 
 
Para iniciar con buen pié el fin de semana, escuchad la hermosísima canción "Fall down with you" de The Paperboys, con Tom Landa (voz y guitarra), la buena (buenísima) Kendel Carson (voz y violín) y el resto de la banda...
 
The Paperboys - "Fall down with you"
 
 
 
 
Jueves, a 3 de Mayo de 2012

Sólo Eva Cassidy podía cantar así… sólo ella podía hacernos sentir algo así.

Alfredo Webmaster

 

 

Eva Cassidy – “Waly, Waly

When cockle shells turn into silvery bells,

Then will my love return to me.

When roses grow in the wintery snow,

Then will my love return to me.

 

Oh waly, waly, love be bonnie

And bright as a jewel when it's first new...

 

But love grows old, and waxes cold,

And fades away like morning dew.

 

There is a ship, it sails the sea,

It's loaded high and deep can be.

But not so deep as my love for thee.

I know not if I sink or swim.

 

Oh waly, waly, love be bonnie

Bright as a jewel when first new...

 

But love grows old and waxes cold,

And fades away... like morning dew.

Domingo, a 22 de Abril de 2012

 

Mientras elaboro el post con la información del concierto de ayer por la noche de The Waterboys, un memorable espectáculo de elevadísimo nivel musical, incluyo en musicayvino.com algunas fotos y vídeos grabados por mí durante la actuación.

La banda fundada por Mike Scott en el año 1983 estaba compuesta, para la ocasión, por el poderosísimo batería Ralph Salmins, el correcto y profesional bajista Marc Arciero, la brillantez sonora en el Hammond y B3 de James Hallawell, y el majestuoso violín de Steve Wickham.

Fue un espectáculo que nos hizo vibrar gracias al sonido y la profesionalidad de estos grandes artistas, tocados por la varita mágica del mejor Scott de los últimos años.

A los que fueron y lo disfrutaron, enhorabuena; a los que no fueron, mi más sentido pésame.

Alfredo Webmaster

 

Programa

1. Rags (A pagan place)
2. All the things she gave me (A pagan place)
3. The thrill is gone (A pagan place)
4. A girl called Johnny (The Waterboys)
5. The girl in the swing (The Waterboys)
6. How long will I love you (Room to roam)
7. Glastonbury song (Dream harder)
8. Be my enemy (This is the sea)
9. Loneseome olf wing (Too close to heaven)
10. The raggle taggle gipsy (Room to roam)
11. Politics (An appointment with Mr.Yeats)
12. Song of the wandering aengus (An appointment with Mr.Yeats)
13. News for the Delphic oracle (An appointment with Mr.Yeats)
14. Mad as the mist an snow (An appointment with Mr.Yeats)
15.
The pan within (This is the sea)


1º Bis
16. Don’t bang the drum (This is the sea)
17. The whole of the moon (This is the sea)


2º Bis
18. A man is in love (Room to roam)
19. Fisherman blues (Fisherman blues)

 

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Lunes, a 12 de Marzo de 2012

"Tom & Jerry", primer grupo formado por Paul Simon y Art Garfunkel

"Simon & Garfunkel"

 

Cuando se habla de los grandes dioses del Olimpo musical, de las vacas sagradas de la música del siglo XX (y XXI), se suelen citar nombres conocidos por todos, pero habitualmente nos olvidamos de uno de los más insignes, de un cantante, compositor, escritor y mecenas por el que siento una especialísima devoción y admiración.

Paul Frederic Simon, más conocido como Paul Simon, nació en Nueva Jersey (EE.UU.) en octubre de 1941, en el seno de una familia de origen judío.

Empezó su carrera musical en el barrio Kew Gardens Hills, de Queens en Nueva York, con su compañero de clase (en el School Forest Hills de Nueva York) y amigo de la infancia Arthur "Art" Garfunkel.  Con él formaría un primer dúo de nombre "Tom & Jerry", como los dos ratones de dibujos animados de la Disney. El primer tema que compuso Paul, “Hey, schoolgirl”, estaba dedicado a una chica con la que salía a los 16 años, Sue Landis. Fue un bombazo entre los compañeros de la escuela y el aviso de lo que se avecinaba. Su estilo de componer e interpretar (magnifica conjunción de voces con Art), muy similar al de The Everly Brothers, es rápidamente apreciado por un cazatalentos que los vio actuar en directo.

En 1957 firman un contrato con la discográfica Big Records y graban el primer sencillo con la canción "Hey, schoolgirl". Con este primer trabajo consiguen vender 100.000 ejemplares y encaramarse en el puesto 57 de la lista Billboard.

Acabado el período escolar, Paul Simon se traslada al Instituto Queens y se separa temporalmente de Art Garfunkel.

Entre los años 1957 y 1964, Paul Simon empieza a escribir, a grabar y a publicar canciones, cerca de 30, la mayoría de ellas en compañía de Art Garfunkel: "Our Song", "That's My Story" o "Surrender, Please Surrender", pero también con otros artistas amigos o en solitario. Sus primeras grabaciones fueron publicadas por compañías discográficas pequeñas e independientes como Amy, ABC-Paramount, Big, Hunt, Ember, King, Tribute y Madison.

En 1962 formó parte del grupo “Tico and the Triumphs”, con los que grabó la canción "Motorcycle" que se encarama al 99 de la lista Billboard. Con otro tema del mismo año, "The Lone Teen Ranger", alcanza el puesto 97 de la lista.

En el año 1963, Paul Simon conoce a Carole King y forman el grupo “The Cosines”. Pese a la calidad que atesoran ambos, sus canciones no alcanzan gran notoriedad.

Al año siguiente se traslada a Inglaterra. Allí, en compañía de Bruce Woodley (del grupo pop australiano “The Seekers”) graba algunas canciones de muy buena calidad: "I Wish You Could Be Here", "Cloudy" o "Red Rubber Ball".

El año 1964 fue importantísimo en la carrera de Paul Simon: se vuelve a juntar con Art Garfunkel, firma con la Columbia Records y el dúo cambia de nombre y empieza la etapa de “Simon & Garfunkel”; lanzan su álbum debut “Wednesday Morning, 3 A.M.”. El disco fue un fracaso en ventas. Paul Simon decide retornar a Inglaterra.

En 1965 publica un álbum en solitario: “The Paul Simon Song Book”. Y graba una canción en compañía de Art Garfunkel: "The Sound of Silence", un exitazo de ventas en Inglaterra.

A rebufo del éxito de este tema, en el año 1966 el dúo publica el vinilo “Sounds of Silence”. Otro exitazo, y no sólo en Inglaterra: EE.UU., Canadá, Francia, España, Alemania, Italia…

En 1967 el dúo “Simon y Garfunkel” compone parte de la banda sonora de un peliculón que marcó época: “El Graduado” ("The Graduate"), de Mike Nichols, con Dustin Hoffman, Anne Bancroft y Katharine Ross. La película ganó un Oscar y obtuvo seis nominaciones más, entre ellas la de Dustin Hoffman como mejor actor.

Si la película fue un éxito, la canción central del filme, “Mrs. Robinson”, los volvió mundialmente famosos y acreedores de dos Grammy.

Un año más tarde publican los vinilos “Parsley, Sage, Rosemary and Thyme” y “Bookends”. En 1969 (¡hace más de 40 años!) sale al mercado otro álbum de impacto mundial, el monumental e inconmensurable “Bridge Over Troubled Water”, un exitazo que les situó entre los grupos más importantes del mundo en aquella época dorada del pop/rock, sólo comparables, a la misma altura, a The Beatles, The Rolling Stone o Crosby, Stills, Nash & Young.

Pero también es el año de la ruptura del dúo “Simon & Garfunkel”: además de las clarísimas diferencias ideológicas que existen entre ambos (Paul muy avanzado socialmente, casi socialdemócrata, del Partido Demócrata; Art, más conservador y religioso, del Partido Republicano), el concepto de música y ritmo los fue separando poco a poco… Como dijo un crítico musical: “Es curioso observar que las principales razones de la ruptura de Simon & Garfunkel fueron también las claves de su éxito. Los dos amigos tenían gustos musicales y estilísticos opuestos en muchos sentidos, pero su pasión por la música los hizo llegar a un acuerdo tácito, un punto medio de entendimiento que dio como resultado el ‘sonido Simon & Garfunkel’”. Ejemplo de ese distanciamiento fue la canción ‘Cuba sí, Nixon no’, compuesta por Paul Simon para incluir como tema 12 del álbum “Bridge Over Troubled Water”, que Art Garfunkel se negó a grabar por cuestiones políticas. Al final, el vinilo salió sólo con 11 canciones.

En el año 1972 Paul Simon lanza el disco homónimo “Paul Simon”. Un año después “There Goes Rhymin´ Simon”, un vinilo con marcadas influencias gospel y primer eslabón de su transito por los nuevos ritmos que irá incorporando a su música.

Con estos dos discos Paul Simon llega a la segunda posición en las listas de éxitos: las ventas le otorgaron varios de disco de oro en EE.UU, Canadá e Inglaterra. Entre las canciones más importantes de esa época está “Kodachrome”, “Loves Me Like A Rock” y “American Tune” (elegida por la revista Rolling Stone como Mejor Canción del Año en 1973 y Segunda Mejor Canción de los años 1970/1975).

Producto de esa experimentación sonora, de ese deambular por nuevos ritmos, de impregnación en nuevas tendencias, nace la colaboración con grupos como los peruanos “Los Urubamba”, los gringos “Jessy Dixon Singers” y los africanos “Ray Phiri & Stimela”, “Bakithi Khumalo”, “Tony Cedras”, “Hugh Masekela”, “Isaac Mtshali”, “Barney Rachabane”, “John Selolwane”, “Vusi Khumalo” o los “Ladysmith Black Mambazo”, que le acompañan en algunas de sus giras, aportando a su música nuevas lecturas y una mayor profundidad en su calidad sonora. O con el jazz, como su vinilo “Still Crazy After All These Years”, un gran éxito con más de millón de ventas, en el que incluye un tema grabado junto a Garfunkel: “My Little Town”.

Producto de este maridaje con estilos no habituales, Paul Simon obtienen otros dos Grammy como “Mejor álbum del año” y “Mejor interpretación vocal masculina”, y presenta un disco recopilatorio de grandes éxitos: “Greatest Hits”, con el que consigue millones de ventas en todo el mundo. De esa época es también la banda sonora de una película con guión suyo: “One Trick Pony”.

En el año 1981 se vuelve a juntar con Art Garfunkel para participar en el concierto en directo que le regalaron a la ciudad de su infancia, Nueva York; se celebró en Central Park. Al evento asistieron más de 500.000 personas. A raíz de este éxito y de la enorme repercusión que tuvo en todo el mundo, “Simon & Garfunkel” decidieran iniciar una gira mundial con el mismo espectáculo.

Terminada la gira, Paul Simon edita nuevos trabajos en solitario: “Hearts and Bones” y colabora con en el disco benéfico "We Are The World".

En 1986, ya totalmente volcado en el estilo “world music”, publica otro de sus trabajos más señeros y de más calidad: "Graceland", álbum que se convirtió en un éxito a nivel mundial con diez millones de ventas. Y consigue otro Grammy como “Disco del Año”.

Y sigue editando discos y más discos, siendo el que hoy publico en la Gramola uno de los más emblemáticos: “Concert In The Park” (incluido en la Gramola: canciones 1 a 23), un álbum doble grabado en otro de sus conciertos en director en el Central Park de Nueva York.

Como escritor y productor teatral, en 1997 presenta en el Teatro BAM Harvey de Broadway la obra "The Capeman", con los actores y cantantes Marc Anthony (Salvador Agrón de joven), Rubén Blades (Salvador Agrón adulto), Ednita Nazario (Esmeralda Agrón) y Danny Rivera, con unas actuaciones francamente memorables. Acompañando a la obra teatral, se edito su correspondiente banda sonora: el magnífico “Songs From The Capeman” (incluido en la Gramola: canciones 24 a 39), un cúmulo de ritmos a base de doo-woop de los 50s, rock primigenio y música popular puertorriqueña, en el que participan además de Marc Anthony, Rubén Blades y Danny Rivera, el gran José Feliciano. Pese a que el espectáculo fue un fracaso comercial de público y el álbum no se vendió nada bien, la calidad del conjunto fue muy alta, con excelentes críticas y referencias entre los entendidos.

Y sigue innovando: en 1999 realiza una gira por EE.UU en compañía de Bob Dylan; en el 2000 edita el disco “You're the one”, con gira mundial incluida; en el 2002 participa en la banda sonora de la película animada “Father and Daughter", por la que recibe una nominación a los Oscar; en el 2003, junto con Art Garfunkel, recibe un premio Grammy honorífico por su carrera artística; en el 2006 publica “Surprise” con la colaboración de Brian Eno en la electrónica; en el 2011 sale “So beautiful or so what”…

La capacidad que tiene Paul Simon para conectar con todos, para transmitir el amor que siente por su trabajo, esa necesidad que demuestra por hacer feliz a su público, le lleva a hacer cosas que otros grandes o mundialmente famosos artistas jamás hacen: interactuar con su gente, con sus admiradores.

¿Algunos ejemplos? En noviembre del años pasado, en el concierto que Paul Simon del Civic Center Auditorium de Oklahoma, se produjo un fallo en la instalación de sonido; ni corto ni perezoso, Pual Simon, y los teloneros, “The Punch Brothers”, se trasladaron al vestíbulo del recinto. Y mientras reparaban la avería, hicieron un pequeño set acústico con las canciones "Me & Julio", "Mrs Robinson", "The Boxer" y "Cecilia" para disfrute de los espectadores que estaban en el hall esperando.

Otro ejemplo: también el año pasado, en el concierto del New Jersey Performing Arts Center, Paul Simon se enteró que estaba viéndolo un deterioradísimo Jimmy Cliff; le pidió que subiera al escenario para interpretar juntos las canciones “Vietnam” y “Mother & Child Reunion”, y luego en solitario, con la ayuda de la banda de Simon, Jimmy cantó su éxito “The Harder They Come”. Ambos terminaron el concierto fundidos en un abrazo memorable, mientras a Jimmy se le saltaban las lágrimas de alegría y agradecimiento.

Otro más: durante el concierto del 7 de mayo de 2011, en Toronto, una chica de nombre Rayna Ford que estaba en las primeras filas, le pidió varias veces que interpretara la canción “Duncan”, tema con el que había aprendido a tocar la guitarra. Paul Simon, atento a todo lo que sucede en el escenario y entre sus seguidores, le pidió a Rayna que subiera a interpretarla con él. Fue un momento memorable: la chica, nerviosa pero emocionada, sin parar de llorar y reír, en un estado de felicidad pura, tocó la canción con la guitarra del propio Paul, en una emotivísima actuación que quedará para el recuerdo como prueba del cariño y humanidad que tiene este genio con sus seguidores (ver el vídeo más abajo). Después de algo así, ¿te queda alguna duda de la calidad de este pequeño gran hombre?

A sus 71 años recién cumplidos, octubre de 2011, publicó uno de sus mejores trabajos: “So beautiful or so what”, un disco muy actual en el que fusiona con perfecta disciplina los ritmos étnicos con algunos samplers, toda una novedad en la discografía de Paul Simon. El primero de los temas es el más impactante: en “Getting ready for Christmas Day” el reverendo J.M. Gates sermonea en lo que parece un villancico navideño pero que, según transcurre el tema, se torna en cualquier cosas menos eso.

También en el 2011, Paul Simon fue nombrado académico de honor de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias en una ceremonia que se llevó a cabo en el Teatro Sanders de la Universidad de Harvard (Cambridge, Massachusetts, EE.UU.).

¿Se merece o no se merece estar entre los más grandes de los grandes? Creo que si: yo lo tengo ahí situado.

Alfredo Webmaster

 

Canciones incluidas en la Gramola

CD – “Concert in The Park (1991)

1  - The Obvious Child

2  - The Boy in the Bubble

3  - She Moves On

4  - Kodachrome

5  - Born at the Right Time

6  - Train in the Distance

7  - Me and Julio Down by the Schoolyard

8  – I Know What I Know

9  - The Cool, Cool River

10 - Bridge over Troubled Water

11 - Proof

12 - The Coast

13 - Graceland

14 - You Can Call Me Al

15 - Still Crazy After All These Years

16 - Loves Me Like a Rock

17 - Diamonds on the Soles of Her Shoes

18 - Hearts and Bones

19 - Late in the Evening

20 - America

21 - The Boxer

22 - Cecilia

23 - The Sound of Silence

 CD – “Songs from The Capeman(1997)

24 - Adiós Hermanos

25 - Born In Puerto Rico

26 - Satin Summer Nights

27 - Bernadette

28 - The Vampires

29 - Quality

30 - Can I Forgive Him?

31 - Sunday Afternoon

32 - Killer Wants To Go To College

33 - Time Is An Ocean

34 - Virgil

35 - Killer Wants To Go To College II

36 - Trailways Bus

37 - Born In Puerto Rico (con José Feliciano)

38 - Can I Forgive Him?

39 - Shoplifting Clothes

 

Simon & Garfunkel – “Hey School Girl

 

Paul Simon – “I’m a rocik

 

Paul Simon – “American Tune

 

Paul Simon – “Kodachrome

 

Paul Simon - "Vietnam” y “Mother and Child Reunion"

 

Paul Simon - "Love Me Like A Rock"

 

Paul Simon - “My Little Town

 

Paul Simon – “Duncan

 

Paul Simon y Rayna Ford – “Duncan” (versión interpretada por una espectadora)

 

 


¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

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Miércoles, a 7 de Marzo de 2012

 

 

 

Por Belén Franco (Galicia)

Descubrí a Davide Salvado en un veterano programa nocturno de la televisión gallega, emitido en horario de máxima audiencia la noche de los viernes; un programa musical y de variedades, desacreditado por muchos, pero que, en cambio, resulta ser una plataforma de lanzamiento de algunos de nuestros músicos gallegos para publicitar su primer trabajo discográfico, o bien un medio para dar a conocer los últimos proyectos de grandes artistas y grupos, también gallegos, y ya consagrados.

Así que, estaba yo aquella noche de recorrido televisivo por cuanto canal encontraba, buscando desesperadamente algún programa que me interesase (que ya es raro que lo localice), cuando un rostro masculino acaparó mi atención en la TVG. Un rostro masculino que me resultaba familiar, un rostro masculino moreno y atractivo; un rostro masculino sombreado por una incipiente barba correctamente desaliñada, un rostro y un cuerpo masculinos que podían atraer tanto a hombres como a mujeres. Mientras el presentador del programa realizaba el discurso introductorio a la actuación de Davide -el dueño de aquel rostro y de aquel cuerpo-, además de la presentación de su primer trabajo discográfico, “Árnica pura”, me dio tiempo a radiografiar su inesperada indumentaria y su llamativo estilo: pantalones vaqueros ceñidos y cojoneros, chaqueta blazer, pecho y abdomen desnudos, al descubierto, adornados por una cascada de cadenas que, colgando desde su cuello, descendía por su tórax. La curiosidad me dominó y decidí aguardar por su actuación. “Todo o corpo” fue el título de la canción que interpretó en aquella ocasión.

Debo admitir que la voz cálida y sensual de este marinense me encandiló; la interpretación de “Todo o corpo”, mientras su mirada mostraba cierto coqueteo con la cámara y el telespectador, me hipnotizó. Pero ahí se quedó su excepcional actuación. Esperé para comprobar si volvía a salir al escenario a interpretar otro tema, pero no fue así, o eso creo recordar; pues es más que posible que, después de un nuevo recorrido, en vano, por la cartelera y la programación televisiva de aquella noche, me refugiase en los acogedores brazos de Morfeo.

Con sólo escuchar una preciosa y única canción y con sólo contemplar una excelente y personal interpretación, me decidí a comprar su primer trabajo discográfico: Árnica pura, título que toma el nombre de la árnica, una planta medicinal en peligro de extinción, pero que si se ingiere en dosis muy elevadas puede producir la muerte. Consultando en Internet, descubrí que fue una mujer de las montañas asturianas quien calificó la voz de este artista polifacético como árnica pura, por lo que tras esta comparación, Davide Salvado decidió titular este su primer trabajo con el nombre de esa planta medicinal.

Al día siguiente, tras recordar la breve actuación que este joven músico realizó en aquel programa, me di cuenta de que su rostro masculino y seductor lo había visto antes como componente de la banda de Xosé Manuel Budiño, uno de nuestros magníficos gaiteros actuales. Y es que Davide acompañó a Budiño en sus conciertos y actuaciones, aportando su espléndida voz y sus excelentes dotes musicales a la hora de ejecutar instrumentos de percusión como la pandereta o el pandero.

Con “Árnica pura” descubrí un músico carismático que atrapa con su voz cargada de esencias, de expresión, un músico provocativo y provocador en ciertos momentos, sobre los escenarios, y que atrae con su sola presencia (como así lo comprobé en aquel programa televisivo y visualizando, más tarde, en Internet la presentación de su disco en La Moreneta, en Vigo, el 18 de junio de 2011), un músico que bebe de la savia más pura del folklore gallego, pero también de la música de raíz castellana, portuguesa e incluso cubana.

“Árnica pura” está formado por 12 canciones. La primera de ellas, “Todo o corpo”, mi favorita, y creo que una de las más intimistas y emotivas de este proyecto musical ha sido compuesta por la poetisa gallega Lucía Aldao. Las once restantes como “Marín por ti”, “Tirioni”, “Ay Amor”, Serán”o “La hija de Don Juan Alba”, entre otras, fueron escogidas por este músico dentro de una selección personal de canciones gallegas, portuguesas y castellanas, y que forman parte de nuestro rico acervo musical más puro de carácter popular. El resultado de la colaboración entre Davide Salvado y el productor Eliseo Parra –músico vallisoletano, investigador e impulsor de la música tradicional, a la que dota de aires renovados, y que ha participado en este excelente trabajo- ha sido magnífico, un proyecto que convence y una voz masculina que brilla por su calidez y hermosura dentro de nuestro  rico patrimonio musical gallego.

 

 

Davide Salvado "Árnica pura” (2009)

01. Todo o corpo

02. Serán

03. Regayfa

04. Marín por tí

05. Cabaliño

06. Tirioni

07. Jota de Moscoso

08. Hio

09. Ay, amor!

10. La hija de Don Juan Alba

11. Meu meniño

12. Lúa


 

Davide Salvado - "No voy sola"

 

Davide Salvado - "La llave de la alegría"

 

Davide Salvado - "Senhora do Almortao"

 

Davide Salvado - "Resineiro engraçado"

 

Davide Salvado - "Cucurrucucú paloma"

 

Davide Salvado - "Serán de Toutón"

 

Davide Salvado - "Canto de Santa Sabiña e Xota do Mar de Vigo"

 

Davide Salvado - "La Maragata"

 

Davide Salvado - "Ay! Amor"

 

Davide Salvado - "Meu meniño"

 

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Martes, a 6 de Marzo de 2012

Hace mucho tiempo, en octubre del 2007, publiqué en la Gramola un post sobre Eva Cassidy, pero fue un texto tan breve y conciso que no hizo honor a la valía del personaje: algo imperdonable.

Anteayer, mientras escuchaba uno de los canales de música del avión de IBERIA que me traía desde Costa Rica a España, sonó su música. Escucharla me hizo recordar un programa de radio que hace tiempo le dedicaron en exclusiva a Eva, a su corta vida profesional y física, y a lo muchísimo que su trayectoria vital marco a las personas que tuvimos la suerte de conocerla.

Al llegar a casa sentí la necesidad de oírla de nuevo, de repasar su música, sus baladas, sus blues, sus souls, sus interpretaciones más sentidas, sus memorables obras de jazz. Y pasó algo curioso: al abrir mi portatil y mi correo, en la bandeja de entrada me estaba esperando un mensaje que venía acompañado de una de las canciones más hermosas jamás escrita: la versión que Eva Cassidy hace de "Songbird", una joya compuesta por Christine McVie (de Fleetwood Mac) en el año 1976.

Pese a que Eva jamás compuso ninguna canción, ninguna, cualquiera de sus interpretaciones era como un remozado mejorado del original, una relectura de la partitura que daba más sentido al texto y a la música, una redefinición similar a las que le hacía Mozart a Antonio Salieri.

Su apabullante capacidad para hacer brotar sentimientos en cada una de sus interpretaciones, en cada corchea y semicorchea, hicieron que muchos compositores, como Sting, reconocieran que su obra, por ejemplo “Fields of Gold” sólo fue perfecta cuando la cantó Eva; que sólo oyéndola a ella tenía sentido lo que pretencían decir al componer.

El timbre y la calidad de su voz le permitían atacar cualquier canción, cualquier estilo, y conseguir que su Interpretación resultara única, perfecta, y que esa redefinición fuera la referencia sonora para el original.

Nacida en el seno de una familia con muchas influencias musicales (Oxon Hill, Washington DC, 2/02/1963 - Bowie, Maryland, 2/11/1996), creció bajo la influencia de lo más granado del folk y folk-country de la época: Bob Dylan, Pete Seeger y Buffy Sainte-Marie.

De Dylan tomo la capacidad para comunicar con el público; de Seeger el carácter combativo, inconformista, luchador y solidario; y de Buffy, la fuerza y el carácter feminista (femenino) que imprimía en cada verso.

Nunca se plegó a los dictados de las grandes compañías discográficas: cuando la Warner le ofreció ser cantante solista para interpretar canciones con ritmos más pop y comerciales, se negó a secundarlos; además, entre las condiciones que le exigían esa discográfica estaba que tendría que dejar a un lado la banda de músicos que le acompañaba desde sus años de instituto, algo a lo que se negó en redondo.

Por la fidelidad que mantuvo a su estilo musical, a sus compañeros y amigos, el éxito no le llegó en vida: durante sus 33 años de existencia, no llegó a ser una cantante reconocida por el gran público, ni sus discos estuvieron en las listas de mayores ventas.

Sus actuaciones en directo, a las que sólo cudía un público fiel y entregado que sabía de su inmensa calidad y humanidad, se realizaban en pequeños clubes de Nueva York, Washington o San Francisco. Además, su carácter introvertido, su marcado ecologismo y el amor que sentía por la vida natural, le llevo a vivir semi retirada en una granja de las afueras de su ciudad de nacimiento.

A mediados de 1996 empezó a sentir fuertes dolores de cadera y de cabeza: se le detectó un avanzadísimo cáncer de piel.

Su última actuación musical en directo, a finales de septiembre de 1996, fue exclusivamente para sus amigos en un pequeñísimo club de Washington, muy cerca de la granja en la vivía. Y la última canción que interpretó, que dedicó a todos los que la acompañaban en aquel momento y con la que se despedía de la vida a sus 33 años, fue un inolvidable "What a wonderful world" (“Qué maravilloso es el mundo”), canción que había hecho famosa Louis Armstrong.

Los que tuvieron la suerte de verla actuar ese día recurdan que cantó con la fuerza de un titán y el timbre de un ángel, con la más profunda de las sensibilidades, poniendo el corazón en cada nota. Su rostro, constreñido por el dolor del cáncer que la consumía y la pena de ver cómo se le iba la vida, denotaba lo contrario: una profunda alegría y paz interior.

Dos meses después moría rodeada de su familia a los que dejó el mejor de los legados posibles: un ramillete de canciones que son parte de la historia musical del siglo XX y patrimonio sentimental de todos los que la hemos escuchado alguna vez.

En la Gramola podréis oír las siguientes canciones de Eva Cassidy:

  • True Colors [Live]: versión grabada en directo de una canción de la gran Cyndi Lauper, una magnífica cantante a la que, desgraciadamente, minimizó el “efecto” Madonna.
  • Hallelujah I Love Him So: versión libre de una canción de Ray Charles, con el típico punteo de guitarra del R & B.
  • American Tune [Live]: una hermosa canción compuesta por Paul Simon, cantada en directo con el único acompañamiento de la guitarra de Eva.
  • It Don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing) [Live]: con una de las más famosas canciones del gran Duke Ellington, Eva nos hace una demostración de su capacidad para interpretar cualquier tipo de sonido, incluida esta pieza de jazz.
  • Yesterday: un clásico de The Beatles reinventado por Eva y la ayuda de Chris Biondo. Fijaros en la voz y en la riqueza de matices que tiene.
  • Wade in the Water: una famosa canción tradicional yanqui pasada por el filtro de Eva y Biondo. El resultado final es una pieza con marcados tintes jazzísticos.
  • Songbird: canción de Christine McVie, de Fleetwood Mac. Distinta, totalmente distinta del original… y mucho mejor.
  • Cheek to Check: un clásico entre los clásicos del jazz más clásico, un virtuoso paseo por una composición que cualquier intérprete que se precie tiene que saber tocar. Fue compuesta por Irving Berlín. Está incluida como primera canción en el CD “Live at Blues Alley”, y en ella se escucha al presentador haciendo los honores a Eva.
  • Bridge over Troubled Water: el famoso “Puente sobre aguas turbulentas” de Simon & Garfunkel, con más sensibilidad y profundidad que el original; inmejorable versión de un clásico con el perfume pincelado de un jazz del más alto nivel.
  • People Get Ready: ni el gran Curtis Mayfield no podría hacerlo mejor. Ua canción para estremecerse.
  • Tall Trees in Georgia: una de las canciones más tristes que jamás se interpretaron en el siglo XX, fruto de la enorme sensibilidad Buffy St. Marie, una descendiente de los indios cheroquis con un pasado tremebundo. La voz de Eva consigue sacar a flote la tremenda carga sentimental que lleva inherente el texto y la música.
  • Fields of Gold: una canción de Sting. El resultado sonoro es, sencillamente, demoledor… ¡quien le diera a Sting cantar así y con tanta sensibilidad! Es una canción que confirma que a veces, sólo cuando un genio la canta, las segundas partes son mejores las primeras.
  • What a Wonderful World: la famosísima canción que interpretó de forma magistral Louis Armstrong que en la voz de Eva se transforma en otra cosa, ni mejor ni peor: distinta. Vale la pena escucharla con interés… la voz, su tonalidad, está perfectamente ensamblada con la música, como un guante de seda en una mano.

También podéis ver y escuchar los vídeos que incluyo a continuación, todos ellos de Youtube, que no garantizo que estén siempre disponibles:

 

Eva Cassidy – “Tall Trees In Georgia

 

Eva Cassidy – “Cheek To Cheek

 

Eva Cassidy – “Tennessee Waltz

 

Eva Cassidy – “Time After Time

 

Eva Cassidy – “Autumn Leaves

 

Eva Cassidy – “Fields of Gold

 

Eva Cassidy – “Songbird

 

Eva Cassidy – “Blues In The Night

 

Eva Cassidy – “Chain Of Fools

 

Eva Cassidy – “Stormy Monday

 

Eva Cassidy – “True Colours

 

Eva Cassidy – “Imagine

 

Eva Cassidy – “Somewhere over the Rainbow

 

Eva Cassidy – “Blue Eyes Crying In The Rain

 

Eva Cassidy & Katie Melua – “What A Wonderful World

 

Por último, indicaros que hay otra entrada en mi blog con información más detallada de la vida de Eva Cassidy, un post que incluí a finales de 2008: pulsad aquí para entrar.

Alfredo Webmaster

 

Discografía de Eva Cassidy

 

 


 

 

¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

Jueves, a 1 de Marzo de 2012

Cadenaser.com/EFE, 01-03-2012

Lucio Dalla, uno de los más importantes cantautores italianos, que escribió éxitos internacionales como 'Caruso', ha muerto este jueves en Montreux (Suiza) a los 68 años de edad a causa de un infarto, según han informado los medios de comunicación italianos. Dalla, que además de cantante era escritor y músico, se encontraba en Suiza para una serie de conciertos. La última aparición en Italia de Dalla, que el próximo 4 de marzo hubiese cumplido 69 años, fue la pasada semana en el Festival de la Canción de San Remo en un dúo con el joven Pierdavide Carone, para quien había compuesto la canción 'Nani'.

 

El cantante Lucio Dalla canta en 2009 en un programa de la televisión italiana

El fotógrafo Roberto Serra, amigo suyo, ha explicado que ayer había hablado con él y que estaba "muy bien, feliz y tranquilo" por el tour europeo que había comenzado en Lucerna y que había continuado por Zúrich y ayer en Montreux. El tour estaba previsto que terminase el 30 de marzo en Berlín. Últimamente, Lucio Dalla había protagonizado junto con su amigo el también cantautor Francesco de Gregori una gira italiana en la que había cosechado un enorme éxito. El mundo de la música en Italia ha recibido con conmoción la noticia y algunos de sus amigos y compañeros como Ron, con quien cantó varias canciones, fue incapaz de articular palabra debido a las lágrimas. También De Gregori decidió no hablar con la prensa por su tristeza ante la pérdida de su colega y amigo. La excantante y ahora productora musical Caterina Caselli aseguró que Dalla se ha marchado como "un gladiador" de la música, ya que era incansable en su trabajo.

Una vida dedicada a la música

Nacido el 4 de marzo de 1943 en Bolonia, Lucio Dalla aprendió de niño a tocar el acordeón y el clarinete, y más tarde el saxo y el piano, lo que le permitió unirse a bandas de jazz desde muy joven. Se inició como cantante en 1964, apadrinado por su compatriota Gino Paoli. Su primer disco, '1999', fue publicado en 1966 y cuatro años más tarde vería la luz el segundo, 'Terrra di Gaibola'. Ese mismo año empezó a componer con el poeta italiano Roberto Roversi, una fructífera cooperación que daría lugar a tres álbumes. También en 1970 Dalla escribió 'Occhi di ragazza' para su amigo Gianni Morandi, que la interpretó en el Festival de Eurovision. La colaboración entre ambos, que había comenzado en 1964, se ha mantenido constante a lo largo de sus respectivas carreras, incluso grabaron juntos en español.

En 1971 llegó el primer gran éxito para Lucio Dalla, con 'Gesú Bambino', que logró el tercer puesto en el Festival de San Remo y que le abrió las puertas a la colaboración con los grandes de la música italiana. Acabada abruptamente su colaboración con Roversini tras grabar el disco 'Automobili' (1976), que contenía uno de sus éxitos, 'Nuvolari', Dalla decidió escribir sus propios textos y se reveló como un gran letrista. Llegaron entonces sus mayores éxitos como 'Futura' (1978) o 'Caruso', interpretada por Luciano Pavarotti, con la que logró una gran repercusión internacional en 1986. Al año siguiente actuó en las fiestas de San Isidro en Madrid e interpretó un dúo con Ana Belén, con quien ha colaborado en varias ocasiones. Pasarían veintidós años hasta su siguiente concierto en la capital.

Sus discos 'Cambio' (1990), 'Amen' (1992) o 'Canzoni' (1996) lograron ventas millonarias, a la vez que canciones escritas por él eran cantadas por intérpretes como la francesa Mireille Mathieu o la española Montserrat Caballé. En 1997 la universidad de Bolonia, su ciudad natal, le nombró doctor "honoris causa" por "su trabajo de investigación en el campo de la música ligera a lo largo de toda su carrera". En 2003 estrenó en Roma el musical 'Tosca, amor desesperado', que recorrió luego Italia con gran éxito. Al año siguiente participó en el disco 'Neruda en el corazón', homenaje al poeta chileno en el centenario de su nacimiento, junto a artistas como Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Miguel Ríos, Pablo Milanés o Ana Belén.

 

Viernes, a 9 de Diciembre de 2011

Actualización

 

Cuando en marzo del año pasado publiqué una referencia al compositor Carlo Gesualdo e incluí en la Gramola su obra más emblemática, el Tenebrae interpretado por The Hilliard Ensemble, supuse que su música, compuesta por el inmenso genio de un alma atormentada y en continuo sufrimiento interior, sería muy escuchada (y comentada). Craso error...

Tengo que reconocer que me equivoqué: en las estadísticas de visitas y uso de la Gramola, su obra musical es de las menos escuchadas. Y me sorprende.

Sé que es un estilo musical situado en las antípodas de un Ricky Martin o similar, pero su musicalidad y tratamiento del cromatismo me parece una experiencia inigualable: probad a escuchar, por ejemplo, el “Feria V - In Coena Domini: In I Nocturno: Responsorium 1”…  deberíais ir al médico si no os pone la piel de gallina: lo vuestro (a nivel sentimental) es grave.

Una pequeá introducción al estilo musical de Carlo: las obras corales incluidas dentro de los llamados Responsorios de Tinieblas u Oficios de Tinieblas, eran partes de los oficios clásicos de la Iglesia Católica de los siglos XV, XVI, XVII y XVIII. El origen se remonta a las primeras comunidades cristianas, siglos II, III y IV, y eran los cantos populares de celebración de los días grandes de la Semana Santa.

Durante toda la Edad Media los oficios corales se fue enriqueciendo con aportaciones de compositores cultos, de monjes y frailes de clausura, adquiriendo una forma litúrgica con características propias: los Tenebrae.

Los Responsorios de Tinieblas se siguieron interpretando de forma habitual en las grandes celebraciones religiosas de las comunidades más tradicionalistas, hasta que el Concilio Vaticano II, en su reforma radical de la liturgia clásica, los condujo a su decadencia quedando para uso casi exclusivo en las comunidades monacales y de los sectores más integristas de la Iglesia Católica.

Oír esta obra maestra de la música clásica es una experiencia que no deberíais desaprovechar; de verdad, hacedlo, podrá gustaros más o menos, engancharos o no, pero su valor sentimental, artístico e, incluso, espiritual, no os dejará indiferentes. Seguro.

Alfredo Webmaster

 

 

Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa y conde de Conza (Venosa, 8 de marzo de 1566 - Avellino, 8 de septiembre de 1613), fue uno de los compositores con la biografía más oscura y controvertida de la música clásica. Su obra, de enorme calidad y altura, quedó ensombrecida por la leyenda, cuajada de realidades, que lastró su imagen de cara al gran publico. De hecho, salvo para muy pocos entendidos, su obra es totalmente desconocida pese a su lirismo desbordante.

Segundo hijo de Fabrizio Gesualdo, Carlo nació en el seno de una familia de la alta aristocracia que estaba estrechamente vinculada con la Iglesia católica: era sobrino del arzobispo de Nápoles, Alfonso Gesualdo, y de San Carlo Borromeo, además de sobrino nieto del Papa Pío IV.

Empezó su estudios musicales a la temprana edad de 4 años, en la academia de altos estudios musicales fundada por su padre. Fue compañero de estudios de importantes músicos de la época, llegando a ser un excepcional intérprete de laúd, gracias a la maestría que le transmitió P. Nenna.

A los 20 años, 1586, se casó con una de las mujeres más hermosas de la época: su prima María de Avalos, hija del duque de Pescara y conde de Montesarchio, y de Sveva Gesualdo.

Al poco tiempo del matrimonio, nació el primero de sus dos hijos, hijo que moriría en extrañas circunstancias: posiblemente, asfixiado por su propio padre, Carlo, cuando confirmó el adulterio de su esposa, María de Avalos, amante Fabricio Caraza, duque de Andria y conde de Ruvo.

Al saberse engañado, Carlo Gesualdo planeó su venganza: en la noche del martes al miércoles del 17 de octubre de 1590, encuentra a dos amantes en flagrante adulterio en el lecho de María. Como todo lo tenía preparado de antemano, Carlo fue implacable: los amantes son bárbaramente ajusticiados y descuartizados.

Carlo fue considerado libre de responsabilidad y el proceso judicial archivado al día siguiente de su apertura: "por orden del preboste por cuanto la notoriedad de la causa justa de la cual fue afrentado don Carlo Gesualdo, Principe de Venosa, para castigar a su mujer y al duque de Andria".

Años después, 1593, con la inestimable ayuda de su tío el arzobispo de Nápoles, contrajo matrimonio con Eleonora de Este, hija del duque de Ferrara, otro matrimonio fallido en este caso por las infidelidades de Carlo. De este enlace tuvo otro hijo, que también murió trágicamente en un accidente.

Carlo, hombre extremadamente religioso, consideró la muerte de sus hijos un castigo divino, lo que le llevo a vivir atormentado hasta el día de su muerte.

Como era habitual en la época, y aún ahora entre personas de excesiva religiosidad, trató de expiar sus culpas entrando en una espiral de prácticas sadomasoquistas, con flagelaciones despiadadas que buscaban expulsar sus demonios interiores.

En una de esas sesiones masoquistas, que hacía en compañía de chicos jóvenes, el 8 de septiembre de 1613, apareció muerto con el cuerpo desnudo y enllaguecido.

Su muerte, trágica como su vida, nos dejó como legado obras de belleza increíble y de enorme sensibilidad, que hoy os animo a escuchar.

The Hilliard Ensemble es un cuarteto vocal británico que tiene como especialización la interpretación de música antigua medieval y renacentista, mezclada con contemporánea.

Fundado en 1974 por Paul Hillier, tomo su nombre, pese a lo que podría suponerse, no de su fundador sino del miniaturista inglés, Nicholas Hilliard (1547-1619).

Desde su fundación hasta hoy, The Hilliard Ensemble se han hecho acreedores de una merecidísima fama internacional, con multitud de discos publicados, más de 50, bandas sonoras para grandes filmes y centenares de actuaciones en directo. Todas sus obras han tenido un enorme éxito de público y crítica, gracias en parte a esa capacidad para combinar estilos.

Además, gracias también a la calidad de su registro vocal y de timbre, han colaborado con grandes artistas de otros estilos, como John Cage, Arvo Pärt , Gavin Bryars, Giya Kancheli, Heinz Holliger o Jan Garbarek.

Con este último, saxofonista de jazz de origen noruego, han publicado dos discos: Offícium y Mnemosyne, con lo que obtuvieron un éxito de tal nivel, que las dos obras llegaron a ser números unos de ventas en algunos países, algo insospechado para músicas de estilos no habituales.

En la actualidad, el grupo está formado por David James (contratenor), Rogers Covey-Crump (tenor), Steven Harrold (tenor) y Gordon Jones (barítono)

La obra Tenebrae, de Carlo Gesualdo, por The Hilliard Ensemble, que podéis escuchar en la Gramola, corresponde al primero de los dos CD’s editados, como siempre magníficamente grabados y con una completísima documentación, por ECM Records en 1991.

Alfredo Webmater

 

 

Titulo de los temas

1. Feria V - In Coena Domini: In I Nocturno: Responsorium 1

2. Feria V - In Coena Domini: In I Nocturno: Responsorium 2

3. Feria V - In Coena Domini: In I Nocturno: Responsorium 3

4. Feria V - In Coena Domini: In II Nocturno: Responsorium 4

5. Feria V - In Coena Domini: In II Nocturno: Responsorium 5

6. Feria V - In Coena Domini: In II Nocturne: Responsorium 6

7. Feria V - In Coena Domini: In III Nocturno: Responsorium 7

8. Feria V - In Coena Domini: In III Nocturno: Responsorium 8

9. Feria V - In Coena Domini: In III Nocturno: Responsorium 9

10. Feria VI - In Parasceve: In I Nocturno: Responsorium 1

11. Feria VI - In Parasceve: In I Nocturno: Responsorium 2

12. Feria VI - In Parasceve: In I Nocturno: Responsorium 3

13. Feria VI - In Parasceve: In II Nocturno: Responsorium 4

14. Feria VI - In Parasceve: In II Nocturno: Responsorium 5

15. Feria VI - In Parasceve: In II Nocturno: Responsorium 6

16. Feria VI - In Parasceve: In III Nocturno: Responsorium 7

17. Feria VI - In Parasceve: In III Nocturno: Responsorium 8

18. Feria VI - In Parasceve: In III Nocturno: Responsorium 9


¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

Lunes, a 14 de Noviembre de 2011

Muchos debieron pensar que darle el premio Príncipe de Asturias de las Letras a un músico era, cuanto menos, una banalidad impropia de una Fundación que ya le había dado el galardón a gentes de la talla de un Amin Maalouf, Amos Oz, Paul Auster, Susan Sontag, Arthur Miller, Augusto Monterroso, Carlos Fuentes, Mario Vargas Llosa, Juan Rulfo o Arturo Uslar Pietri. Muchos debieron pensarlo… pero sólo con oír el discurso de aceptación del premio, Leonard Cohen ganó la batalla del reconocimiento a un hombre y a una historia de éxitos incuestionables en el mundo de la cultura en general, y de la musical en particular.

Él es así: sencillo, cercano, humilde, entregado, honesto, sentimental. Un gran tipo, una buena persona, un inmenso personaje poseedor de un bagaje cultural al que todos deberíamos acudir de vez en cuando. Y su discurso lo atestigua.

Alfredo Webmaster

 

"Majestad, altezas, excelentísimas e ilustrísimas autoridades, premiados, señoras y señores:

Es un gran honor estar aquí ante ustedes esta noche, quizás como el gran maestro Riccardo Muti, no estoy acostumbrado a estar ante un público sin orquesta tras de mí, pero haré lo que pueda en mi desarrollo de esto. Me quedé toda la noche en vela, anoche, pensando qué podía decir aquí, en esta asamblea de distinguidas personas. Y después de comerme todas las barras de chocolate, todos los cacahuetes del minibar, garabateé unas pocas palabras y no creo que me tenga que referir a ellas.

Obviamente estoy muy emocionado por ser reconocido por la Fundación, pero he venido aquí esta noche para expresar otra dimensión de gratitud, creo que puedo hacerlo, en tres o cuatro minutos y lo voy a intentar. Cuando estaba haciendo el equipaje en Los Ángeles para venir para acá estaba un poco inquieto porque siempre he sentido cierta ambigüedad en cuando a la poesía, la poesía viene de un lugar que nadie controla, que nadie conquista. Es difícil aceptar un premio de una actividad que yo no controlo, es decir si supiera de dónde vienen las canciones haría más canciones con mayor frecuencia.

En esa situación de hacer el equipaje para venir, cogí mi guitarra, tengo una guitarra Conde que está hecha en la calle Gabenas 7, en España. Es un instrumento de hace 40 años más o menos. Lo saqué de la caja, el instrumento, esta guitarra, y era como si estuviera llena de helio, era muy ligera. Y me la puse en la cara, casi, y la miraba con lo bien diseñada que está y olía la fragancia de la madera viva, sabemos que la madera nunca llega a morir. Y oía esa fragancia del cedro, tan fresco como si fuera el primer día cuando compré la guitarra hace 40 años. Y la voz parecía decirme eres un hombre viejo, y no has dado las gracias, no has devuelto tu gratitud a quien la merece, al suelo, a la tierra, con esta fragancia de donde viene esta fragancia, así que vengo hoy, aquí, esta noche, a agradecer al suelo, a la tierra, a este pueblo que me ha dado tanto.

Porque un hombre no es una credencial y un país no es solo eso, tampoco, una carga, un crédito no es país, en esta fraternidad en la que estoy con el poeta Federico García Lorca, puedo decir que cuando era joven y adolescente y buscaba una voz en mí, estudiaba a los poetas ingleses y conocía bien su obra, y copiaba sus estilos, pero no encontraba mi voz: solamente cuando por fin leí, aunque era una traducción, las obras de Federico García Lorca, fue entonces cuando comprendí que había una voz.

No es que haya copiado su voz, yo no me atrevería a hacer eso, pero me dio permiso para encontrar una voz, para ubicar una voz, es decir, para ubicar el yo, un yo que no está del todo terminado, que lucha por su propia existencia, y conforme me iba haciendo mayor comprendí que las instrucciones venían con esa voz. ¿Qué instrucciones eran esas? Nunca lamentar, y si queremos, ni siquiera casualmente, ni si queremos expresar la derrota que nos ataca a todos tiene que ser en los confines estrictos de la dignidad y de la belleza. Y por tanto ya había encontrado yo mi voz, pero no tenía el instrumento para expresarla, no tenía una canción.

Y ahora voy a contarles muy brevemente la historia de cómo conseguí mi canción. Porque era un guitarrista indiferente, yo aporreaba la guitarra, solo sabía unos cuantos acordes, me sentaba con mis amigos, mis colegas, bebíamos y cantábamos canciones, pero en mil años nunca me vi como un músico o como cantante. Pero un día, a principios de los 60, estaba de visita en casa de mi madre en Montreal, que está junto a un parque, y en el parque hay una pista de tenis, y allí va mucha gente a ver a los jóvenes jugadores de tenis disfrutando de su deporte.

Fui a ese parque que conocía de mi infancia y había un joven tocando una guitarra, una guitarra flamenca, y estaba rodeado de dos o tres chicas que estaban escuchándole, y me encantaba como tocaba. Había algo en su manera de tocar que me cautivaba, yo quería tocar así, y yo sabía que nunca sería capaz de tocar así. Así que me senté allí con otras personas que escuchaban durante un rato y luego se hizo un silencio, un silencio muy apropiado, le pregunté que si me daría clases de guitarra.

Era un joven de España, y solo podíamos entendernos en un poquito de francés, él no hablaba inglés, y dijo sí, te daré clases de guitarra; le dije: “vivo allí, en la casa de mi madre”, y quedamos, establecimos el precio de las clases, y vino a la casa de mi madre al día siguiente y dijo: “déjame oírte tocar algo”. Yo intenté tocar algo, y dijo: “no tienes ni idea de cómo tocar, ¿verdad?” Dije: “no, la verdad es que no sé tocar”.

En primer lugar, déjame que afine la guitarra, porque está desafinada”. Cogió la guitarra, la afinó, y dijo: “no es una mala guitarra” Eh, no era la Conde, pero no era una guitarra mala. Me la devolvió, y dijo: “ahora ponte a tocar”.

No sabía tocar mejor, la verdad. “Te voy a enseñar algunos acordes”. Y cogió la guitarra y produjo un sonido de la guitarra que yo evidentemente nunca había oído. Y tocó la secuencia de acordes, así, de manera rápida, y dijo: “ahora hazlo tú”. “Yo no sé hacerlo”, respondí. “A ver, déjame que use yo tus dedos y te digo cómo los tienes que poner”; y los puso en el mástil. “Y ahora toca”. Fue un desastre, evidentemente. “Vuelve mañana”, me dijo.

Volvió al día siguiente, me puso las manos en la guitarra, la puse en mi regazo, de manera adecuada, con la postura buena, y empecé otra vez, con todos esos seis acordes. Y la provisión de seis cuerdas, muchas canciones flamencas a base de esa provisión de seis acordes, y la verdad es que me sentía mejor ese día. Al tercer día mejoró la cosa. Pero ya sabía los acordes. Y sabía que aunque no podía coordinar los dedos adecuadamente para producir el sonido correcto, la pauta de sonido que él quería, pero sabía los acordes, los sabía muy muy bien. Al día siguiente no vino, no vino.

Yo tenía el número de la pensión en la que estaba quedándose en Montreal y llamé por teléfono para ver porqué no había venido a la cita y me dijeron que se había suicidado, que se había suicidado. Yo no sabía nada de este señor, no sabía de qué parte de España procedía, nada. Desconocía porqué había venido en concreto a la ciudad de Montreal, porqué se quedaba en Montreal en esos momentos, porqué estaba en esa pista de tenis, no tenía ni idea de por qué se había quitado la vida. Estaba muy triste, evidentemente. Pero ahora estoy contando algo que yo nunca había contado nunca en público.

Esos seis acordes. Esa pauta de sonido de la guitarra aquella ha sido la base de todas mis canciones, de toda mi música, y ahora podrán comenzar a entender las dimensiones de la gratitud que yo tengo por este país. Todo lo que han encontrado favorable en mi trabajo, en mi obra, viene de este lugar que les he contado.

Todo lo que ustedes encuentren favorable en mis canciones, en mi poesía están inspiradas por esta tierra, y por tanto les agradezco enormemente esta hospitalidad que me han mostrado y que han mostrado por mi obra, porque es suya, y me han permitido poner mi firma en el final de la última página.

Muchas gracias señoras y señores."

 

Discurso íntegro de Leonard Cohen

 

Domingo, a 10 de Julio de 2011

 

Como dijo un crítico musical días antes de la actuación, Omara Portuondo (La Habana, 1930) es una reina cantando a media voz. Y es cierto.

Con 78 años de vida, 60 años de ellos como artista, Omara no necesita demostrar lo que eso: la reina indiscutible de la música cubana de los últimos cincuenta años (Celia Cruz al margen, que vivía en EE.UU.).

Tuve la suerte de conocerla en épocas mejores, cuando era una mujer madura pero vital, con su voz aún intacta. Fue, las tres veces, en el Dos Gardenias de Miramar (La Habana), en Avenida 7ª esquina Calle 26. Desde aquel escenario, enfrente a un público que la adoraba, impartía su magisterio musical con la sencillez y proximidad como sólo es capaz de hacerlo una reina. Nunca la sentí diva ni endiosada, nunca hizo ostentación de su historial de éxitos; sólo cantaba y vivía la música tal cual la disfruta una cubana.

Omara Portuondo Peláez nació en el barrio habanero de Cayo Hueso. Su madre, blanca, pertenecía a una de las familias cubanas de más abolengo, descendientes de españoles; se casó con un jugador de baseball del equipo nacional cubano, de color, algo bastante inusual en aquella época, en un entorno muy clasista.

Como hija de una familia de buen nivel económico, su vida estaba predestinada a ser la típica de una mujer de esa posición social: un casamiento que la uniera a otra familia de la alta sociedad. Omara no era así.

La carrera artística de Omara comenzó casi por casualidad. Su hermana mayor Haydee trabajaba como bailarina profesional en el famoso cabaret Tropicana. Haydee llevaba a su hermana pequeña a verla actuar, lo que le permitía a Omara copiar los pasos de baile y, sobre todo, presenciar los ensayos de las bailarinas.

Un buen día, a Omara le ofrecieron reemplazar a una bailarina que había renunciado dos días antes, después de una premiere. La sustituyó a la perfección; al poco tiempo pasó a tener como pareja de baile a Rolando Espinosa, considerado por entonces como el mejor rumbero de Cuba.

En sus ratos libres, las hermanas Portuondo tenían la costumbre de interpretar jazz en compañía de sus amigos Cesar Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y el pianista Frank Emilio Flynn. Con ellos, y otros música aficionados como Justo Fuentes y Tania Castellanos, formaron el núcleo central de los artistas pertenecientes al “movimiento del filin” (variante cubana del vocablo inglés feeling, “sentimiento”).

Su primer grupo musical se llamaba Loquibamba Swing, una suerte de agrupación que entremezclaba las primitivas piezas de bossa nova con jazz americano.

En su primera actuación en radio, Omara Portuondo fue presenta como "la señorita Omara Brown, la novia del filin" (un sobrenombre que aludía a su aptitud para cantar temas en inglés, producto de su educación burguesa).

También por esa época conoce a otra de las que sería una famosa cantante cubana, la gran Elena Burke. Elena le pone en contacto con el “Cuarteto de Orlando de la Rosa” con el que recorrerá EE.UU. en una gira de seis meses. Como ella misma reconocería años más tarde, el trabajo diario con el Cuarteto fuera de Cuba, fue su mejor y más importante escuela.

En el año 1951 Omara se incorpora al grupo musical femenino "Las Anacaonas" para un año después, formar con su hermana Haydee, con Elena Burke y Moraima Secada, el cuarteto "Las D´Aida", bajo la dirección artística de la pianista Aida Diestro, la descubridora de la excepcional capacidad musical de Omara, la que le enseñó a interiorizar los temas y a transmitir el contenido de cada canción. Si con su hermana Haydee nació la artista, con Aida Diestro eclosionó la estrella.

Con el cuarteto “Las D'Aida” realizó varias giras por Estados Unidos, compartiendo escenarios con Edith Piaf, Pedro Vargas, Rita Montaner, Bola de Nieve y Benny Moré; también acompañó a Nat "King" Cole cuando se presentó en el cabaret Tropicana, en La Habana.

Sus primeros éxitos, allá por los años cincuenta y tantos, coincidieron con los éxitos de las grandes voces femeninas de la época, con las Ella Fritzgerald, Lean Horne, Sarah Vaugahn, o las cubanas Olga Guillot y Celia Cruz.

Omara ha llevado su arte a los mejores escenarios del mundo, escenarios en lo que ritmos tan cubanos como el filin, la nueva trova, la canción tradicional cubana, el son, el danzón, el bolero o la habanera, fueron conquistando los gustos musicales del público.

Omara Portuondo ha cosechado importantísimos premios y su voz ha conquistado los más exigentes auditorios del mundo, desde su Cuba natal a EE.UU., Francia, España, Alemania, Reino Unido, Rusia o China.

Omara aún hoy sigue cantando en el Tropicana, en el Dos Gardenias, en el Delirio Habanero o en el Café Cantante, y sigue viviendo, como siempre, en su Habana más habanera, en un apartamento con vista al mar en su “maleconcito lindo”.

La actuación del pasado 14 de marzo en Teatro García Barbón de Vigo, correspondiente a la gira iniciada el 19 de marzo en Rouen (Francia) y le llevó a cantar en diversos escenarios del país galo, Austria, Italia, Suiza y al estado árabe de Bahrein antes de finalizar con sus conciertos españoles, sirvió para presentarnos su última grabación, “Gracias”, disco en el que se incluyen temas universales como “O que será, será” de Chico Buarque, el sensual “Besáme mucho” de Consuelo Velázquez, el tan correado “Guantanamera” de Joselito Fernández, el “Veinte años” de María Teresa Vera, el “Rabo de Nube” de Silvio Rodríguez, el “Ámame como soy” de Pablo Milanes o el entrañabilísimo “Drume negrita” de Bola de Nieve.

Ella, como siempre, apareció en escena coqueta y dinámica, demostrando en todo momento las enormes ganas que tiene de agradar al público. En algunos partes del concierto, producto del cansancio y de las muchas actuaciones de la gira, tuvo que sentarse y cantarnos así.

Pese a que su voz ya no es la voz de la mejor época de su carrera, no lo olvidemos: es una mujer de78 años, su personalidad, su capacidad de comunicación, su humanidad y ese “saber estar” que caracteriza a las grandes divas, hizo que le concierto fuera memorable. Todos éramos conscientes de que allí, encima del escenario, estaba una leyenda viva de la música y que, posiblemente, sería la última vez que la veríamos actuar en directo, al menos en Galicia.

Si su cariñosa personalidad le ha permitido estar en el corazón de sus seguidores, su forma de interpretar merece figurar en el libro de honor de la música.

Alfredo Webmaster

 

Omara Portuondo -  "Gracias"

 Omara Portuondo - "Veinte años"

 

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Viernes, a 3 de Junio de 2011

Por Fernando Navarro

La vida es caprichosa. Justo cuando Bob Dylan, el último músico en recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, andaba celebrando sus 70 años de vida, Leonard Cohen, tal vez el compositor que más se ha acercado a esa etiqueta de poeta tan apropiada para la obra de Dylan en la música anglosajona, y uno de los pocos que ha podido rivalizar con él en composiciones trascendentales, recibe este mismo galardón, en su sección de las Letras, que el año pasado recayó en el escritor libanés Amin Maalouf.

Aunque son artistas diferentes, con evoluciones distintas, existen paralelismos que no se pueden obviar entre Cohen y Dylan, y que sirven para situar al recién galardonado. En la cultura popular, ambos representan al cantautor cum-laude, al músico que sobrepasa la frontera de lo estrictamente musical para acampar con su obra en la literatura. Aunque mayor que Dylan, Cohen, de 77 años, empezó más tarde en el negocio que el cantante de Minnesota. Para cuando publicó su primer disco, “Songs of Leonard Cohen”, en 1967, Dylan había hecho la revolución en el pop-rock. Andaba alejado del ruido y el mundo, componiendo baladas de country y folk en Nashville, a su bola, como siempre. Cohen, por su parte, siempre fiel a su papel y lápiz, dejaba los escenarios de folk para pisar por primera vez un estudio de grabación. Iba de la mano del gran John Hammond, un cazatalentos sin igual en la música norteamericana, que años antes había hecho lo mismo con Dylan. Ambos debutaban en Columbia Records, una de las grandes compañías discográficas de EE UU.

Fue un bautizo musical sobresaliente. Pocos álbumes de debut han sido tan excepcionales como Songs of Leonard Cohen”, una obra maestra que ofrecía ya todas las claves que ilustran al nuevo Premio Príncipe de Asturias de las Letras. Aunque se reconocía escritor antes que cantante –había publicado poemas y libros-, Cohen estructuró un disco maravilloso, inolvidable, de arreglos sencillos y una magnética profundidad lírica. El cantante canadiense se erigía como un retratista del alma, planeando con ambición por un mundo dominado por el amor y el deseo. Bajo una resonancia similar al “Code of Silence Sounds of silence” de Simon & Garfunkel, publicado poco antes, “Songs of Leonard Cohen” se caracterizaba por su gran impacto emocional y psíquico. Aquellos susurros eran la desnudez de la vida en formato disco. Delicadeza como seña de identidad para la música de autor que ha representado siempre Cohen.

Con este premio, el valor de la música de autor como expresión artística vuelve adquirir relevancia, aunque habrán tenido en cuenta sus libros de poesía y novelas. Aún sin ser tan prolífico como Dylan u otros compañeros del gremio, Cohen es guardián de una labor creadora exquisita, donde se cosechan tesoros compositivos. Desde sus comienzos, el músico canadiense ha mostrado un asombroso talento y arrojo para cruzar música y literatura, una envidiable capacidad para crear poemas musicados o canciones con certeza poética. Hace años se supo que quedó enamorado de Federico García Lorca y fue parte del homenaje de Enrique Morente en el magnífico Omega.

De una pureza impura, canciones como “Suzanne”, “Hallelujah”, “The Stranger”, “Chelsea Hotel No. 2, “I’m your man”, “Sisters of Mercy” o “Avalanche” alcanzan un clímax místico difícil de encontrar en el trepidante y campechano mundo del rock y el pop. Nadie duda de la fuerza innata de su música pese a no necesitar de contundentes ropajes sonoros ni fuegos pirotécnicos. Con esa voz grave, que parece surgir del fondo de una caverna, la sensibilidad ha sido siempre el motor de su obra, y el rasgo fascinante de su cancionero. Como un caballero de la triste figura, con su sombrero y su flaqueza estilística, Cohen ha aportado sex-appeal al noble arte de componer canciones y cantarlas. Su monotonía vocal, muchas veces criticada y entendida como una especie de ser un anticantante, es vista por sus seguidores como un consuelo. Acuden a Cohen para curar las heridas o tener un hogar entre las ruinas de la vida. Como el farolero en la noche oscura, Cohen, íntimo y humano, ilumina el camino para los sinuosos trazos sentimentales del alma.

Los premios Príncipe de Asturias vuelven a reconocer el valor de la composición musical. Su trascendencia mucho más allá del hilo musical y el mero entretenimiento irrelevante y soez al que nos tienen abocados las radiofórmulas y el negocio dominado por los ejecutivos y especuladores del sonido. Allí donde no suena la música monótona del anticantante Leonard Cohen. Allí donde sus letras son literatura. Antes fue Dylan. Hoy es Cohen. Gana la música. Ganamos todos. Por una vez, aleluya, y enhorabuena al guardián Cohen.

 

Leonard Cohen – “Suzanne

 

Leonard Cohen- “Hallelujah

 

Leonard Cohen – “The Stranger Song

 

Leonard Cohen - "So Long, Marianne"

 

Leonard Cohen – “Avalanche

 

Leonard Cohen - “I'm Your Man

 

Leonard Cohen - "The partisan"

 

Leonard Cohen - "Sisters of Mercy"

 

Leonard Cohen - "Joan of Arc"

 

Leonard Cohen - "Take this waltz"

 

 

Domingo, a 29 de Mayo de 2011
Hubo un antes y un después en el reconocimiento mundial de la excelente música cubana: la aparición del sello discográfico Buena Vista Social Club, de Ry Cooder. Fue así en todo el mundo, salvo en Senegal. Allí fue distinto. Único.
 
Entre los años 1970 y 1988, Cuba envió a más de 350.000 soldados a luchar en la guerra de Angola, en apoyo de Agostinho Neto, el líder del insurgente e izquierdista Movimiento para la Liberación de Angola (MPLA); una década antes había mandado soldados a la República Popular del Congo, con la misma finalidad: apoyar a los movimientos insusgentes africanos.
 
Durante todos esos años, hubo una importantísima influencia cubana en una zona de África profundamente marcada por los movimientos revolucionarios e independentistas de las metrópolis europeas, sobre todo en los países que tenían colonias allí: Francia, España, Bélgica o Inglaterra.

La música cubana era el vehículo de transmisión de una idea de revolución e independencia de todo lo que sonara a colonización y colonizadores, incluyendo en el paquete a los EEUU. El sonido hacía más atractivo los ritmos que tenían, a los ojos de los nativos de las zonas de mayor esclavitud y tráfico humano entre África y las costas americanas, raíces comunes profundamente interrelacionadas.

En Senegal arrasaba (y arrasa) la música negra del wolof y el mandinga mezclada con la cubana de letras en español. De esas mezclas de sonidos cubanos y europeos, entremezclados con la rumba congoleña, las influencias criollas portuguesas de la región de Casamance y los ecos highlife, el género elitista con raíces en Ghana, nació el sonido de la Orchestra Baobab, una especie de Blues & Ritmes africano explosivo, contagioso, exuberante, soportado por un grupo de seis voces solistas, la guitarra eléctrica de Barthélemy Attisso y un excepcional grupo de viento.

El disco que os presento, un doble CD grabado en 1982 titulado “Pirates Choice”, incluye algunas de las canciones más representativas del grupo:

1 -  Utru Horas (CD Rudolphe gomis)

2 -  Coumba (CD Rudolphe Gomis)

3 -  Werente serigene (CD Ndiouga dieng)

4 -  Ray m’bele (CD Medoune diallo)

5 -  Soldadi (CD Rudolphe gomis)

6 -  Toumanke (CD Balla sidibe)

7 -  Foire internationale (CD Ndiouga dieng)

8 -  La rebellion (CD Medoune diallo)

9 -  Ndiaga Niaw (CD Balla sidibe)

10 - Balla Dafne (CD Balla sidibe)

Estos son la Orchestra Baobab, el ritmo caribeño africano… ¡Disfrutadlo!

Alfredo Webmaster
 
 
 
 

¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Salvador Bacarisse.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola irá hasta llegar al cantante o grupo que habréis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que os he ido seleccionado.

 

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Jueves, a 19 de Mayo de 2011

Esperanza Fernández

Esperanza Fernández

Estrella Morente

Estrella Morente

 

Para nuestro disfrute, incluí en la Gramola siete canciones en las que se entremezclan, de alguna forma y manera, el jazz y el flamenco. Las siete canciones son poderosas y sentidas, llenas de fuerza, intensas... y son:

Estrella Morente: "Alcazaba" (media granaína). Estrella es una cantaora granaína (Gde ranada), hija del gran maestro del flamenco, recientemente fallecido, Enrique Morente y de la bailaora Aurora Carbonell; sus tíos fueron Antonio y José Carbonell, cantaor y guitarrista. Criada en un ambiente flamenco y rodeada de artistas desde su nacimiento, lleva el ritmo y la fuerza en las venas. De ella dijo Carmen Linares: "Esta niña nos va a retirar a todos". La canción "Alcazaba" es hermosísima, llena de matices, buena letra... y mejor 'alma'.

Estrella Morente: "A qué niegas el delirio" (malagueña). Otra  magnífica canción de Estrella, con la misma intensidad y pasióm.

Bebo Valdes & Diego El Cigala: "Inolvidable". Canción incluida en el disco del mismo título, una de las mejores obras musicales de los últimos años, un compendio de saber  y hacer en el flamenco y el jazz, con un Bebo al piano increíblemente perfecto en técnica  jazzistica e inspiración, y un Diego con la voz más poderosa y flamenca.

Bebo Valdes & Diego El Cigala: "Lágrimas negras". La canción más famosa de Matamoros, con el piano y la voz de Bebo y Diego.

Bebo Valdes & Diego El Cigala: "Veinte años". Memorable actuación de los dos, de Bebo y Diego.

Bebo Valdes & Diego El Cigala: "Corazón loco". Un bolero de aires jazzisticos, que es mucho más que un bolero.

Jazz viene del Sur: "De ti y mí". En este caso, la voz pertenece a otra de las grandes cantaoras del flamenco: Esperanza Fernández, que nos demuestra en este tema la maravillosa mezcolanza que se puede establecer entre flamenco y jazz cuando prima la calidad y el buen gusto. La canción es soberbia, de inconmensurable belleza estética y formal, con un piano preciso y justo en sus entradas, actuando más como contrapunto sonoro para acentuar la calidad de la voz que como solista.

Frases célebres dichas sobre el jazz y el flamenco

En el jazz hay que pensar, en el flamenco no”: Paco de Lucia

La música flamenca que no tiene sonidos negros no tiene pellizco”: Manuel Torre

El flamenco, el blues o el jazz hay que verlo. Cuando lo sientes entonces lo ves. Si no tienes la suerte de tener ese ojo que ve eso, que es el tercer ojo del alma, no te enteras”: Manuel Molino

Algo de historia

El origen de la música gitana española y el jazz americano viene marcado por períodos trágicos de la historia, etapas llenas de persecuciones, menosprecios y falta de respeto por las diferencias.

El flamenco nace con los primeros gitanos, en el anonimato y el silencio de sus estructuras tribales, lejos de la cultura más internacional; de allí, de ese alejamiento de las músicas más “españolas”, pasó a mezclarse con la música popular andaluza en una síntesis muy 'sui géneris'. Aun así, después de la unión, el sonido y las formas del primitivo flamenco estaban muy vinculadas a las clases más humildes.

Con el paso de los años, a fuerza de ser usada como sonido habitual para animar fiestas y saraos de las clases altas andaluzas y madrileñas, empezó a penetrar entre el resto de la población española, hasta llegar a ser considerada la música de la España más cañí y popular.

Por su parte, al otro lado del océano, con la llegada de los negros a Nueva Orleans también llegó el blues, la base sonora del jazz, en un proceso de asimilación de sus culturas, mezcladas con los ritmos criollos hasta desembocar en la creación del estilo new-orleans, el primitivo jazz.

Por tanto, el flamenco y el jazz tienen una marcada influencia de la propia raza que las creó, los gitanos y los negros, dos culturas muy vilipendiadas en sus orígenes pero con una fuerte personalidad.

"El flamenco es como nuestro blues", declaró Miles Davis cuando grababa el disco "Sketches of Spain".

Un detalle importante: es más apropiado hablar de jazz-flamenco que de flamenco-jazz, y esto es así debido a que los intérpretes de jazz siempre han sido más innovadores en la búsqueda de nuevos caminos para sus sonidos de lo que lo han sido los del flamenco, más anclados en los valores y sonidos tradicionales.

En el año 1977 Al Di Meola y Paco de Lucía colaboraron en el "Olé" de John Coltrane, otro de los discos grandes de esta mezcla de géneros musicales.

El disco "Soleá", publicado en el año 1993, es una recopilación realizada en Alemania en la que se entremezclan piezas de jazz-flamenco con los cantes tradicionales de Camarón y Morente. Entre los temas más famosos de ese disco cito el tándem formado por Miles Davis en compañía de Gil Evans, a la Modern Jazz Quartet haciendo "El concierto de Aranjuez" o a Chick Corea con su "Spanish fantasy".

Es tanta la importancia que está adquiriendo el buen flamenco (en algunos casos en combinación con el jazz) que el mejor periódico de España, El País, editó remasterizados en formato libro-CD , los 22 discos de Camarón de la Isla, otro de los monstruos del cante, colección que tengo completa y a buen recaudo, como una joya. Y no hace mucho tiempo, quizá 4 o 5 años, publicaron otra colección de libros-CD dedicados a otros intérpretes de renombre y prestigio, como Paco de Lucia, Manolo Caracol, Ketama, Niña Pastori, José Mercé, Enrique Morente, Vicente Amigo, Tomatito, Carmen Linares, Pata Negra, José Menese, El Lebrijano, La Macanita, etc.

Para el recuerdo, mientras escribo este post, estoy escuchando a Miguel Poveda: sin palabras.

Alfredo Webmaster


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- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

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Lunes, a 9 de Mayo de 2011

Os propongo un "Take five" distinto al original, con otro ritmo y alegría, con un sonidos más nuestro, más latino: el “Take five” en la versión de Tito Puente, el "Rey del timbal y del manbo".

Tito es conocido mundialmente por sus 100 CD’s grabados en una dilatadísima carrera, sus muchos premios Grammy, las cuatrocientas composiciones en su haber y, sobre todo, por haber sido el introductor del timbal y el vibráfono en la música afrocubana.

Como músico era un virtuoso de los tambores, las congas, la clave, el piano y ocasionalmente, el saxofón y el clarinete.

La versión que os presento, mucho más larga que la original de Dave Brubeck, está considerada el summun de la fusión entre el jazz más clásico y los ritmos más latinos y calientes.

Además del virtuosismo con los instrumentos, para comprobarlo sólo tenéis que observar como vuelan sus manos, Tito Puente demuestra su enormela capacidad para transmitir su concepción de la musicalidad en uno de los momentos más deliciosos de la música.

Alfredo Webmaster

 

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Sábado, a 30 de Abril de 2011

 

Ayer por la noche, mientras tomaba una copa en el Viva Zapata de Vigo (un local de la calle Martín Codax, justo al lado de la casa en donde vivió mi madre de niña y jovencita), escuché la canción “Nada fue un error”, de ‘Coti’. Y la canté. Por qué me gusta. Por qué es alegre. Por qué te hace sentir bien. Por qué detrás de su aparente simpleza se esconde un texto muy hermoso y sentido. ¡Y por qué sí!

Recordé que la había publicado en mi blog, hace casi tres años, y que me gusta escucharla de vez en cuando. Por eso hoy la vuelvo a traer aquí, a la primera página, actualizando algo el texto que escribí en su día.

Y como aquel día de hace tres años, y todos los días posteriores en los que la oír, la tarareé… desafinando.

Alfredo Webmaster


 

Por algunas curiosidades de la vida y una excesiva animadversión hacia cantantes y canciones que sonaran a sentimentaloides, a Roberto Fidel Ernesto "Coti" Sorokin Esparza, más conocido por 'Coti', lo tenía por un autor musical de obras menores: craso error.

Coti es, además de ser un excelente compositor de paisajes músicales y hermosas letras, un artista comprometido con montones de luchas sociales. Y eso es doble mérito.

Pertenece a una generación de músicos latinoamericanos y españoles con lo que compartió actuaciones y giras, canciones y amistades; entre ellos: Café Tacuba, Paulina Rubio, Diego Torres, Ilya Kuryaki & the Valderramas, León Gieco, Andrés Calamaro, Javier Calamaro, Alejandro Lerner, Julieta Venegas, Fito Páez, Paralamas, Mercedes Sosa, Ismael Serrano, Charly García, Maldita Vecindad, Enanitos verdes, Mikel Erentxun, La Oreja de Van Gogh, Dover, Barricada, Álex Ubago… ¡Casi nada!

De él, de sus musas, es la canción: “Nada fue un error”, un tema que canta acompañado de Paulina Rubio y Julieta Venegas, dos artesanas de la música latina, la primera más comercial que la segunda.

No me canso de oírla y de sentir como propias muchas de sus estrofas; me siento identificado con su sencilla pero, curiosamente, rica simpleza de texto en un entorno musical de canción (fácil) de verano (¡Pero no lo es!).

Alfredo Webmaster

 

Coti con Paulina Rubio y Jilieta Venegas: "Nada fue un error"

Tengo una mala noticia,

no fue de casualidad.

Yo quería que nos pasara... y tú, y tú...

lo dejaste pasar.

 

No quiero que me perdones,

y no me pidas perdón.

No me niegues que me buscaste.

Nada nada de esto...

 

Nada de esto fue un error.

Nada fue un error.

Nada de esto fue un error.

 

Los errores no se eligen,

para bien o para mal.

No fallé cuando viniste... y tú, y tú...

no quisiste fallar.

 

Aprendí la diferencia entre el juego y el azar.

Quien te mira y quien se entrega.

Nada nada de esto...

 

Nada de esto fue un error.

Nada fue un error.

Nada de esto fue un error.

Nada fue un error.

 

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Viernes, a 29 de Abril de 2011

 

PaoloAvvocato” Conte (Asti, Italia, 1937- ) es uno de los últimos representantes vivos de la mejor música de los decadentes cafés-cantantes, entremezclada con los potentísimos ritmos jazzísticos de las mejores bandas de swing. Sus canciones nacen enraizadas en la historia musical europea (francesa, italiana y española), acompañada de la influencia de la americana: “Mi inspiración es francesa, americana, española, latina y napolitana, aunque realmente es algo secreto para mí. Realmente no sé cómo entra en mi casa, ya que no acostumbra a llamar y viene por rachas, aunque siempre procuro que me visite cuando estoy sentado frente al piano

Paolo nació en el seno de familia que por generaciones ejerció la abogacía. De joven tuvo que convivir con la II Guerra Mundial, etapa que pasó en la granja de su abuelo, lo que le evitó soportar las partes más dolorosas de la contienda. Allí, en un entorno campestre y popular, pero profundamente marcado por el amor a la música, aprendió a tocar el piano, instrumento del que es un virtuoso. Terminada la guerra, estudió derecho y llegó a ejercer de litigante.

En un momento determinado de su vida decidió, ¡afortunadamente para nosotros!, dejar los tribunales y dar rienda suelta a su desbordante amor por la canción.

Además de su faceta musical, Paolo Conte es un apreciado pintor y poeta, algo que deja entrever en las letras de sus canciones.

Los conciertos de este italiano, ya inmortal, son una experiencia única por su profesionalidad, su capacidad para transmitir su innata alegría, la pulcritud con la que trabaja, la elegancia de sus formas y por la intensidad emocional que transmite en cada pulsación.

Si no habéis tenido ocasión de verlo en directo, desgraciadamente, yo sólo lo vi una vez, hacedlo cuanto antes, así sea en disco: disfrutad de su calidez, de su maravillosa voz rasgada y de esas canciones que nos transmiten la esencia mediterránea (europea y norteafricana) mezclada con la alegría latina y el regusto a los sonidos cabareteros.

Y si no tenéis ocasión de verlo en directo o tener sus discos, disfrutad con la música que hoy incluyo en la Gramola. Deleitaros con su “Max”, su “Via con Me”, “Elisir”, “Azzurro” (canción que hizo famoso a Adriano Celentano, versionándola), “Gelato al limon”, “Sotto le Stelle del Jazz”, “Colleghi Trascurati”, “Hemingway” o su “Quadrille”… todas memorables, todas únicas. Todas Paolo Conte.

Alfredo Webmaster

 

"Azzurro", de Paolo Conte

 

"Via con me", de Paolo Conte

 

"Sotto le stelle del jazz", de Paolo Conte

 

Canciones que podéis escuchar en la Gramola

1.       Via con Me

2.       Sotto le Stelle del Jazz

3.       Elisir

4.       Boogie

5.       Sparring Partner

6.       Come Di

7.       Azzurro

8.       Gelato Al Limon

9.       Happy Feet

10.     Gli Impermeabili

11.     Max

12.     Gong-Oh

13.     Colleghi Trascurati

14.     Bartali

15.     Alle Prese con Una Verde Milonga

16.     Dragon

17.     Hemingway

18.     Ho Ballato Di Tutto

19.     Quadrille

20.     Genova Per Noi


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- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.
 
 
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