Música y Vino

Puedo intentar ser sincero pero nunca seré imparcial…
Domingo, a 11 de Mayo de 2014


Pocas canciones son capaces de transmitir tanto en tan poco espacio de tiempo, en apenas un minuto y medio. Pero Tom Waits, el gran Tom Waits, es capaz de eso, y de mucho más.

Escuchar “Take me home” tiene muchas connotaciones especiales, además de las sonoras: es una bellísima declaración de amor con toques de naif campestre, es una canción cargada de una humilde sencillez y sensibilidad, sin grandes aspavientos ni sofisticados arreglos. Un temazo que sólo necesita un piano y una voz. Nada más.

Como veréis, la letra sigue la misma tónica que el sonido: es la inocente repetición de unos breves versos, unas palabras llenas de candidez y naturalidad, de una espontaneidad que te desborda: no creo que se pueda decir más en tan poco segundos… Es la canción que a todos nos habría encantado componer. Al menos, a mí sí.

Hoy la escuché de nuevo en los minutos finales del capítulo 22 de la 2ª, y última, temporada de una serie de televisión que tuvo poco éxito de público, pero que a mí en su momento me enganchó: “Harry’s Law”.

Se escucha justo al final de ese último capítulo, cuando la abogada Harry Horn (papel interpretado por la oscarizada Kathy Bates) se sienta al piano a cantarla en honor a su primer amor de juventud, fallecido esos días, un hombre al que hacía muchos años que no había visto y del que tenía recuerdos agridulces. Pero aun así, después de tantos años y de tantas ausencias, seguía infantilmente enamorada.

La dulzura de la voz Kathy refuerza la emotividad de la canción, dando a esos fotogramas un delicioso dramatismo que hace que el corazón se te achique. Sobre todo al saber que ese adiós a un ser querido era también el adiós a una serie que, con sus defectos, era honrada y bienintencionada.

Take me home “ está incluida en la banda sonora de la película de Francis Ford Coppola "One from the Heart" (en España, “Corazonada”), del año 1982. Todas las músicas de este filme fueron compuestas por Tom Waits.

Pese a que la película fue un total fracaso comercial, un desastre de tal magnitud que los sobrecostes llevaron a la bancarrota a Coppola, tuvo un relativo éxito cuando fue nominada para el Óscar de 1982 a la Mejor Banda Sonora por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood.

Escuchadla: son pocos segundos… ¡pero menudos segundos!

Alfredo Webmaster

 

Últimos minutos de “Harry’s Law” y su “Take me home

con Kathy Bates en el primer tramo de la canción y Tom Waits cerrándola

Tom Waits - “Take Me Home(la canción original)

 

 

 

 

 

You've got to take me home, you silly girl

and put your arms around me

you've got to take me home, you silly girl

oh, the world's not round without you

 

I'm so sorry that I broke your heart

please don't leave my side

oh, take me home, you silly girl

 

 

Llévame a casa, tontorrona.

Abrázame.

Llévame a casa, tontorrona.

El mundo no es nada sin ti.

Siento mucho haberte roto el corazón.

 

Por favor, no te vayas de mi lado.

Llévame a casa, tontorrona,

porque sigo enamorado de ti.

 

Llévame a casa, tontorrona.

El mundo no es nada sin ti.

Siento mucho haberte roto el corazón.

 

Por favor, no te vayas de mi lado.

Siento mucho haberte roto el corazón.

Por favor, no te vayas de mi lado…

 

 

Jueves, a 3 de Abril de 2014

 

Como sabéis -Alfredo me presentó hace unos días-, me llamo Miguel. Fui el fundador, como él contó, del más mítico local de copas y música que tuvo Galicia en los años 80' y principios de los 90': el Número K de Santiago de Compostela.

Entre mis amigos de la infancia, Alfredo es para mí de los más especiales, un amigo querido y nervioso (como yo), simpático (como yo) e inteligente (casi como yo).

Por todo esto, y quizá por mucho más, emprendo esta colaboración en su página www.musicayvino.com, con la esperanza de que los lectores de esa web me lean y, sobre todo, escuchen mis recomendaciones musicales, disfruten y dejen desbordar su imaginación. Básicamente, esa es la función primordial de la Música: ser y hacer feliz, que no es poco.

Para conseguir esos objetivos trataré de daros a conocer temas musicales alegres, con voces y ritmos luminosos y explosivos.

Importante: os sugiero que el volumen que habitualmente utilizáis para escuchar Música lo subáis bastantes niveles más. Y si lo haces mientras circulas en vuestro coche, mejor que mejor: la combinación de sonido-imagen-velocidad provoca que el disfrute sea mayor.

Os daré a conocer novedades y estilos musicales cuasi desconocidos para la mayoría de los oyentes, temas con antigüedades inferiores al año. También incluiré otros cuya actualidad puede que no sea tan próxima, pero serán importantes por la relevancia que esos temas han dejado en el panorama musical indie.

Haremos críticas, sobre todo 'destructivas', de aquellos intérpretes que se dedican a darnos auténticos palizones sensoriales, y, como contraposición, elevare al Olimpo de los Dioses Musicales a aquellos otros que nos endulcen la vida con su ingenio y calidad.

Vaya por delante que para mí el objetivo de un tema musical no radica en su letra. Es más, me da igual lo que dice, lo diga en español, en inglés, en francés, en japonés o en arameo. Si escucho música quiero disfrutar de lo mejor de la música, y que el mensaje lo ponga mi imaginación.

Tampoco soy persona dada a escuchar cantautores. Soy de la opinión de que el Músico se dedique a sus partituras y que el Poeta -o el Ideólogo- vaya a lo suyo, que es el texto. Cuando escucho Música busco evadirme o recrearme con lo que la escucha dicte en mi mente, siempre asesorada por mi oído y mis ojos.

Hoy empezaré mi camino con algunas recomendaciones, como son:

  • American Authors, de New York: su primer disco EP, titulado “American Authors” (2013), se convirtió rápidamente en el álbum “Oh what a lIfe” (2014), del que quiero destacar "Hit it" y "Best day of my life". Este último tema sirvió de base musical para anuncios de las marcas Loewe y Hyundai, y en películas como "Delvery Man". Particularmente, "Hit it" es el tema que más me gusta. American Authors es un grupo que nos sorprende con un banjo en medio de fuertes guitarras, agradables efectos de teclado y buenas voces, sorprendentes por sus referencias country, y fuerte sonido. Ambos temas son muy agradables.

American Authors - "Hit It"

American Authors - "Best Day of My Life"

  • Huner Hunted, dúo de L. A. - Los Ángeles: su Música podríamos catalogarla como 'Electro-Pop', con un sonido muy refrescante y efectistas voces. Con toda seguridad nos hará movernos e, incluso, tratar de tararear sus temas... y esto ya en la primera escucha. En pocas palabras: nos alegrará el día. Solo han grabado un EP (2013) en el que destaca sobre todo un tema: "Keep Together".

Hunter Hunted - "Keep Together"

  • The War on Drugs, de Philadelphia: podríamos encasillarlos como un ‘Indie-pop' a base de batería, guitarra, bajo y, por supuesto, teclados; un tipo de formación clásica en el pop. Tienen tres álbumes en su haber: “Wagonwheel  Blues” (2008), “Slave Ambient” (2011) y “ The Lost in the Dream” (2014). De este último destacaría la canción "Eyes to the Wind", tema antológico que os pondrá la piel de gallina (literalmente, lo veréis -y notaréis-).

The War On Drugs - "Eyes To the Wind"

  • The Jezabels, de Australia: grupo que podríamos catalogar en varios estilos, y en cualquiera de ellos son épicos, sensibles, entrañables, industriales, cálidos,...  Su música es una mezcla de 'Rock Alternativo', 'Electro-Pop', 'Sinfónico', 'Post-Industrial' o 'Indie-Pop'. En pocas palabras, en este año 2014 The Jezabels han compuesto un álbum que es otra antología de la música: su maravilloso “The Brink”. Quisiera añadir un comentario sobre la portada/carátula de este álbum: la considero de lo más sensual. De este gran álbum escucharemos un gran tema: "The end".

The Jezabels - "The end"

  • Malcolm Middleton, escocés del año 1973: fue parte, junto a su amigo King Creosote, del mejor 'Indie- Folk' de Escocia (Reino Unido). Con anterioridad a su carrera en solitario, formó parte del dúo Arab Strap con Aidan Moffat, alcanzando gran prestigio en el mundo ‘Indie’ con raíces folk. Su álbum “Waxing Gibbous” (2009) se podía considerar su mejor trabajo en solitario. En él, Malcolm es capaz de mezclar sonidos electrónicos y acústicos con instrumentos no solo clásicos, sino también tribales, consiguiendo un sonido poderoso, sinfónico y a la vez con ritmos desenfrenados. Su voz, muy personal, casi única, la acompaña a veces de coros, todo esto con un marcado sabor folk escocés/celta, con acertados retoques basados en el rock y el electrónico. ¡Ya me gustaría a mí que nuestros músicos folk gallegos se aproximaran un poquito a sus conceptos musicales! Os recomiendo de este disco las canciones "Kiss at the Station" y "Zero", aunque el resto de temas no tienen desperdicio.

Malcolm Middleton - "Kiss at the Station"

Malcolm Middleton - "Zero"

Pongo punto final a mi primera entrega. Prometo que la segunda será más extensa y seguramente más profesional. Perdonad los errores: los iré minimizando en los próximos escritos.

Besitos a todos y todas.

Miguel "Número K"

Nota de Alfredo Webmaster

Obviamente, aún compartiendo con Miguel muchas cosas, hay una que no comparto en absoluto: eso de que más inteligente que yo. En esa capacidad intelectual, o estamos muy igualados o le gano por lo justito... jejejeje.

Como dije hace unos días al presentarlo, sus enormes conocimientos musicales, producto de años y años de escuchar y disfrutar de la música desde sus épocas como disc jockey en el "Buho" de Cabañas o el "Liberty" de Santiago, pasando por "Saturday" o el "Número K", hacen de Miguel el mejor de los profesores e iniciadores en sonidos y estilos poco conocidos, incluso para mí.

Es, por tanto, la persona ideal para educarnos y abrirnos la mente a nuevos caminos sonoros.

Como dije el día de la presentación, nuevamente, ¡¡bienvenido, Miguel!

Categorías:
Domingo, a 9 de Marzo de 2014

 

Dire Straits – “Walk Of Life

Una canción histórica, llena de recuerdos y reminiscencias ochenteras, un icono del mejor pop/rock de todos los tiempos.

 

Johnny Cash & Bob Dylan – “Girl From The North Country

Una canción de 1965, un temazo de Bob Dylan que en la voz, a duo, de Johnny Cash suena infinitamente más creíble y sensible.

 

Mavis Staples & Jeff Tweedy - "You Are Not Alone"

De la cantante de gospel y soul Mavis Staples, un hermoso tema que canta acompañado de Jeff Tweedy de Wilco.

 

Patty Griffin – “You Are Not Alone

La gran cantante de folk-rock nos deleita con este romántico y sensible tema.

 

Eva Cassidy – “Say Goodbye

Eva Marie Cassidy vivió, desgraciadamente, poco tiempo, se fue cuando más la necesitábamos, cuando más nos hacía ser feliz. Y sí, es cierto: siento auténtica debilidad por esta mujer.

 

Radical Face – “Welcome Home

 

Buena Fe – "Despedida

Son cubanos. Son buenos, muy buenos, y esta canción en concreto es uno de sus mejores temas.

 

Ennio Morricone & Elisa Toffoli - "Ancora Qui"

Esta canción formó parte de la BSO de la película de Tarantino “Django Unchained”. Y se lo merece.

 

Johnny Cash – “Ain't No Grave

La canción de este vídeo apareció en el último álbum publicado por este cantante de country, en el “American VI: Ain't No Grave”.

 

The Handsome Family – “Far from any road

 

Half Moon Run – “Unofferable

 

Lucinda Williams – “Are you alright?"

Lucinda canta rock, folk y country, y todo lo hace bien. Muy bien.

   

Gordon Lightfoot – “Sundown

Fue un famoso cantante de country en los años 60’, 70’ y principios de los 80’, y un gran compositor de canciones que popularizaron grandes intérpretes como Elvis Presley, Johnny Cash, Marty Robbins, Jerry Lee Lewis, Bob Dylan, Judy Collins, Barbra Streisand, Johnny Mathis, Richie Havens, Nico o Harry Belafonte.

 

 

Categorías:
Sábado, a 1 de Febrero de 2014

 

 

Con su sempiterno pitiillo entre los dedos

Con su esposa y compañera Dori Ghezzi

"Libertad, la he visto despertarse cada vez que he tocado" (Fabrizio de André)

Fabrizio de André, también conocido como “Faber”(Génova, 1940 - Milán, 1999), fue uno de los mejores cantautores del mundo, un avanzado en su tiempo, el artífice de un nuevo concepto musical que unió el sonido racial de la música popular italiana con el profundo respeto a la libertad creativa; y todo entrelazado con una defensa a ultranza de la justicia social.

Por eso y sólo con eso ya debería ser un referente a nivel mundial, después de años y años sigue siendo un perfecto desconocido fuera de su Italia natal.

Conocí su música hace muchos años, quizá en el 83/84, gracias a un amigo anarquista que me habló de un cantante italiano que tenía la capacidad de transmitir sensaciones nuevas con aires románticos, y todo ello aderezado con unos textos combativos, revolucionarios, libertarios. Entre lo que Ernesto me contó de su vida y las primeras canciones que escuché, su música me enganchó.

Fabrizio de André nació en Génova en el año 1940, el 18 de febrero, en una familia de la burguesía regional. Desde jovencito se sintió atraído por la música, por lo que empezó a estudiar violín con sólo seis años y, posteriormente, guitarra y piano.

Sus primeros años de colegial se caracterizaron por un comportamiento díscolo y rebelde, con continuos enfrentamientos con los profesores del colegio religioso en el que pasó sus primeros cursos.

Medio impuesto por su familia, muy conservadora y tradicional, estudió las carreras de Literatura y Medicina, además de Derecho, en la Universidad de Génova. Ninguna de estas materias le hizo olvidar su verdadera vocación: la música.

Empezó a componer y a interpretar sus propias canciones en el año 1961. En ese mismo año publicó sus dos primero vinilos: “Nuvole barocche” y “E fu la notte”.

A raíz de esos primeros trabajos, Fabrizio de André se labró una imagen y un gran prestigio como músico de culto, con una enorme capacidad para mezclar los temas más racialmente italianos con las canciones protesta de los cantautores franceses, sobre todo después del “Mayo del 68. Las letras de sus composiciones alternan la denuncia social, desde una perspectiva anarquista, con otras de índole más poética, incluso de marcado romanticismo.

La vertiente más combativa de este maravilloso ser humano quedó reflejada en sus continuas batallas a favor de los más desprotegidos. Fueron famosas sus luchas por los derechos de los inmigrantes, homosexuales y prostitutas. También fue un gran defensor de las diversidades culturales y las mezclas de las culturas mediterráneas, en los dos litorales, el europeo con el norteafricana. Buen reflejo de esto son sus canciones “Bocca di Rosa”, “Via del campo” o “Il pescatore”, un compendio de sonidos de inconfundible sello multicultural.

Obviamente, como gran defensor de la cultura de base latina, también lo fue de las músicas interpretadas en las lenguas o dialectos de su Italia natal: el genovés, el sardo, etc.

Su trabajo más racial, el más cercano a la música mediterránea más popular, la más profunda y al mismo tiempo más sentimental, “Crêuza de mä” (1984), lo hizo en colaboración con el gran Mauro Pagani. En algunos de las canciones de este disco, si cierras los ojos y abres los sentidos a la sensibilidad que emana, podrías percibir el ruido de las olas, las voces de los pescadores y las pescantinas, los sonidos del viento entre las montañas corsas… es un maravilloso ejemplo de música para el corazón (y para el cuerpo).

Su álbum más combativo, “Storia di un impiegato” (1973), fue el trabajo de referencia para toda una generación de cantautores europeos. Se podría decir que hubo un antes y un después de este maravilloso disco. El tema principal de este álbum gira alrededor de la figura de un empleado frustrado que tras observar el poco éxito obtenido en las revueltas estudiantiles del “Mayo del 68”, decide pasar a la lucha usan el terrorismo social. Las canciones incluidas en este disco tratan sobre las luchas de los poderes fácticos, las injusticias de los tribunales de justicia, la violencia de estado… y poniendo como contrapunto, las luchas individuales con el único arma que tiene un individuo: la autodefensa. En uno de los temas de este dicos, "Canzone del maggio", se repite machaconamente una frase dirigida como arma contra el poder establecido: "per quanto voi vi credete assolti, siete per sempre coinvolti" (“aunque os creáis absueltos, estáis para siempre involucrados”, en español). Aún hoy, "Canzone del maggio" se usa en Italia como himno en todas las luchas obreras y sindicales.

En su dilatada carrera, Fabrizio de André colaboró con multitud de artistas italianos (inconmensurables sus actuaciones en compañía de la PFM - Premiata Forneria Marconi), franceses, árabes, algún español (María del Mar Bonet, Raimon, por ejemplo), etc., pero no exclusivamente en composiciones musicales: también intervino en colaboraciones literarias (el libro “Un destino ridicolo”, con Alessandro Gennari), guiones y bandas sonoras de películas (“Il cantico dei drogati”, de Franceso de Gregori), etc.

Fabrizio tuvo dos hijos: Cristiano, con su primera mujer, y Luisa Vittoria, con Dori Ghezzi. Ambos son cantantes y ambos actuaron con su padre en sus últimos conciertos.

Durante el tour de su último disco, “Anime salve”, se le diagnosticó un cáncer de pulmón (era fumador empedernido, siempre con un pitillo entre los dedos), lo que lo obligó a interrumpir sus conciertos.

El día de su entierro, delante de las más de 10.000 persona que le acompañaron en su último viaje, se envolvió su cuerpo en la bandera anarquista mientras se cantaba la “"Canzone del maggio" entre los llantos y el dolor por la irreparable pérdida de un luchador libertario.

Hasta el mismo día de su muerte hizo lo que siempre quiso y vivió como siempre deseó vivir, sin dejar de componer y regalar al mundo lo que mejor sabía hacer: escribir maravillosas letras, componer increíbles sonidos.

De su inspiración y trabajo nos quedaron 14 (25, incluyendo grabaciones en directo) obras maestras de la historia de la música, catorce monumentos sonoros y poéticos que debería ser catalogados como  Patrimonio de la Humanidad, reflejos de una forma de ver la vida totalmente distinta a la que nos tiene acostumbrado el ‘stablishmen’ musical.

 

Listado de discos  

- Tutto Fabrizio De André (1966)

    -  Volumen 1 (1967)

   -  Morimmo de Tutti un stento (1968)

    -  Volumen 3 (1968)

    -  Barocche de Nuvole (1969)

    -  Novella del buona del La (1970)

    -  No denaro del al, no cielo del al del né del all'amore (1971)

    -  Impiegato de Storia di un (1973)

    -  Canzoni (1974)

    -  Volumen 8 (1975)

    -  Rimini (1978)

    -  En el Concerto - Arrangiamenti PFM (1979)

    -  En el Concerto - Arrangiamenti PFM vol. 2 (1980)

    -  Fabrizio De André (1981)

    -  Creuza De Mä (1984)

    -  Le Nuvole (1990)

    -  Concerti 1991 (1991)

    -  Anime salve (1996)

    -  Milla innamoravo di tutto (1997)

    -  De André en concerto (1999)

    -  Da Genova (2000)

    -  Peccati di gioventù (2000)

    -  Fabrizio De André en el volumen II del Concerto (2001)

    -  En contraria del ostinata e del direzione (2005)

    -  En el contraria 2 del ostinata e del direzione (2006)

Hoy, no sé si como homenaje a él o como símbolo de la alegría que siento por que es sábado y ya quedan menos días para ser más libre y más dueño de mi vida, hoy, repito, os quiero hacer partícipes de la música y la sensibilidad de este maravilloso ser humano: Fabrizio de André, un cantautor que espero que pase, a partir de hoy, a ser vuestro Fabrizio de André.

Alfredo Webmaster

Caja con la edición discografica completa de Fabrizio de André

Detalle de la edición con los CD's, su bibliografía, fotos y anexos

 

Fabrizio de André – “Cruza de mä

Fabrizio de André – "Geordie

Fabrizio de André – “Il testamento di Tito

Fabrizio de André – “Andrea” (grabación privada, con amigos)

Fabrizio de André – “Dolcenera

Fabrizio de André – “Volta la carta

Fabrizio de André – “Don Raffaé

Fabrizio de André – “Cielito lindo” (en español)

Cómo funciona la Gramola

La Gramola está situada en la parte alta de mi página web musicayvino.com, a la derecha.

Cuando pulséis “Play” se abrirá una nueva ventana en la que encontraréis un desplegable titulado “Autor”. Pulsándolo se abre un extensible con una relación de músicos y grupos que seleccioné para vosotros/as, para vuestro disfrute.

Una vez situado el cursor de vuestro ratón en el intérprete o grupo que deseéis, pulsad “Aplicar” para que la Gramola se sitúe en vuestra elección.

Ahora sólo tenéis que empezar a usar el panel de la Gramola, similar al de cualquier equipo de sonido: si pulsáis en “Play” a los pocos segundos empezará a oírse la primera canción que se irá encadenando con las posteriores, una detrás de otra hasta el final del CD del cantante que hayáis elegido.

Además de la opción “Play” citada anteriormente, también tenéis la posibilidad de poner en pausa la canción, pararla totalmente, retroceder y avanzar en ella, e incluso subir o bajar el volumen de escucha.

Y así, como acabo de explicar, podéis hacer con el resto de los intérpretes de la Gramola.

Categorías:
Martes, a 28 de Enero de 2014


Una de las últimas fotos de Pete Seeger

Una estampa típica de Pete Seeger, dando un concierto para trabajadores negros

 

 Pete Seeger con un jovencísimo Bob Dylan

 

Pete Seeger con Bruce Springsteen

Hoy es uno de los días más dolorosos para la historia de la MÚSICA (con mayúsculas): acaba de morir Pete Seeger, uno de los grandes, de los GRANDES de verdad, de los enormes, el intérprete más importante del mundo de la música popular, el héroe del folk y de la izquierda estadounidense.

No sólo era muy bueno como cantante y músico, también era inmenso como persona, inconmensurable como luchador infatigable, ilimitado como representante de lo mejor que pudo dar los Estados Unidos de Norteamérica.

Pete era un personaje capaz de, con la misma fuerza y convicción, enfrentarse al senador republicano McCarthy o al presidente Lyndon Johnson, que era capaz de abrazar y defender a brazo partido al trabajador más desprotegido y desamparado de un país tan poco proclive a cuidar a sus desahuciados sociales como es el gigante del norte.

Para algunos de nosotros, los españoles que no olvidamos, Pete Seeger era el reflejo de un movimiento que trajo a nuestro país a miles de luchadores norteamericanos que vinieron a España a combatir al fascismo que, en los años 30 (1936/1939), engulló y asoló nuestro país.

Para esos hombres, luchadores infatigables de la 1º Batallón Americano Abraham Lincoln, Pete Seeger grabó en 1943 un álbum, junto con su grupo The Almanacs, llamado “Historias del Batallón Lincoln”, en el que se incluían una decena de canciones, algunas compuestas por los propios milicianos estadounidenses, como “There is a valley in Spain called Jarama” (Hay un valle en España llamado Jarama) o “Young man from Alcalá” (El joven de Alcalá).

Hoy es un día triste para los que imaginamos que es posible un mundo mejor, un mundo en el que la música es/era el mejor vehículo para expresar sentimientos. Y en expresar sentimientos de verdad, profundos, Pete era un dios. Pero un dios de los de verdad: de los de carne y hueso, de los misericordioso y compasivo, de los entregados a la causa.

Siento en el alma su pérdida, siento que con él se va toda una época que, seguro, no se repetirá nunca más: hombres como Pete Seeger son irremplazables e irrepetibles. De hombres así como él, son de los que se dice: “Hay hombres que luchan un día y son buenos. Hay otros que luchan un año y son mejores. Hay quienes luchan muchos años, y son muy buenos. Pero hay los que luchan toda la vida: esos son los imprescindibles.”

Pete Seeger era imprescindible: te extrañaré, querido Pete.

Alfredo Webmaster

 

Pete Seeger y The Almanac Singers - “There is a valley in Spain called Jarama

Pete Seeger – Un concierto en solitario, con su banjo y guitarra (Australia 1963)

Pete Seeger – Concierto del día de su 94 aniversario

Pete Seeger – Uno de sus últimos concierto, con 94 años y ya muy deteriorado por la edad, ¡¡pero igual de combativo!!

Pete Seeger – Y su himno más famoso, el que nos hace llorar cuando lo oímos: “We shall overcome

Letra de “We shall overcome

Hemos de vencer, hemos de vencer,

hemos de vencer algún día.

En lo profundo de mi corazón yo tengo fe,

hemos de vencer algún día.

 

Caminaremos de la mano, caminaremos de la mano,

caminaremos de la mano algún día.

En lo profundo de mi corazón yo tengo fe,

hemos de vencer algún día.

 

El mundo entero, el mundo entero,

el mundo entero algún día,

en lo profundo de mi corazón yo tengo fe,

hemos de vencer algún día.

 

No tenemos miedo, no tenemos miedo,

no tenemos miedo hoy.

En lo profundo de mi corazón yo tengo fe,

hemos de vencer algún día.

 Un “We shall overcome” cantado por el más fiel seguidor de Pete Seeger: Bruce Springsteen, una versión llena de sentimientos y sensaciones, capaz de hacer que nos broten las lágrimas…

En el Pete Seeger's 90th Birthday Concert (Clearwater Concert), el 5 de marzo de 2009 en el Madison Square Garden, un “We shall overcome” por Emmylou Harris, Joan Baez, Toshi Reagon, Bernice Johnson Reagon, Tao Rodriguez-Seeger (nieto de Pete Seeger), Billy Bragg, Keller Williams, Ani DiFranco, Ruby Dee, Preservation Hall Jazz Band y New York City Labor Choir en homenaje y para mayor gloria de Pete Seeger.

 

Domingo, a 5 de Enero de 2014

Natalie Maines

Martie Maguire

Emily Robison

No puedo evitarlo: siento admiración, devoción y pasión por las Dixie Chicks.

Mi admiración, devoción y pasión por ellas nació el mismo día en que oí su primer CD, “Thank Heavens for Dale Evans”, allá por los primeros años 90, disco en el que homenajeaban a Dale Evans, una de las pioneras en la música country femenina.

Sus voces, composiciones y estética supusieron un revulsivo en el arcaico mundo de las “Cowgirls”. Ellas eran distintas a todas las que habitualmente, salvo Emmylou Harris, se movía en el mundillo de Nashville y aledaños.

Nacieron para ser las dignísimas sucesoras de las Kitty Wells, Dale Evans, Patsy Cline, Loretta Lynn, Skeeter Davis, Tammy Wynette, Dolly Parton, Linda Rostand, Emmylou Harris o June Carter Cash.

Eran (y son) guapas, tenían (y tienen) unas magníficas voces, poderosos registros y una gran conjunción tonal. Y eran (y son), también, unas virtuosas de los instrumentos que tocan (guitarras, violín, banjo, dobro). Lo tenían todo para triunfar. Y triunfaron las tres juntas: Emily Robison, Martie Maguire y Natalie Maines (hija del legendario guitarrista Lloyd Maines, de los The Maines Brothers Band).

Durante años fueron el grupo musical femenino que más discos vendía en Gringolandia. Eran las reinas indiscutibles del country & western, las dueñas y señoras de los circuitos de la música más tradicional del país.

Lo tenían todo: 39 Discos de Oro, Platino y Multi-Platino de la Asociación de la Industria Disquera de Estados Unidos (RIAA por sus siglas en inglés), dos Discos de Diamante (único grupo femenino que los obtuvo en toda la historia), ocho Premios Grammy y la adulación de millones de personas.

Lo tenían todo pero... pero se atrevieron a expresar en público lo que muchos pensaban en privado sobre la guerra de Irak y las locuras de George W. Bush. Todo cambió el 10 de marzo de 2003.

Ese día, durante un concierto en Londres, en el Shepherd’s Bush Empire, Natalie Maines dijo: “Nosotras estamos del lado de los buenos con todos vosotros. No queremos esta guerra ni esta violencia. Y nos avergüenza que el presidente de EEUU sea tejano” (ellas también son tejanas).

A raíz de esa frase sus vidas dieron un vuelco, igual que sus carreras musicales: fueron acusadas de traidoras a la patria, de antiamericanas, sus discos fueron boicoteados en las emisoras de radio especializadas en música country, amenazas de muerte tanto ellas como sus familiares, con anulación masiva de conciertos, con la destrucción pública de miles de sus CD’s, lanzamientos de huevos y basura en sus actuaciones, insultos, reproches a su falta de patriotismo, etc., etc., etc… En resumen: una auténtica caza de brujas al peor estilo McCarthy.

"No vamos a luchar contra las emisoras country y rogar que la industria vuelva a aceptarnos. Ellos tomaron la decisión, ellos son los que nos han traicionado. Se movilizaron contra nosotras por pronunciarnos políticamente. Pincharán un tema aquí o allá, pero nunca más tendremos otro superéxito en la radio country. Ya no está relacionado con este Presidente, sino con la cultura. Ultraconservadora y muy de derechas. Es triste que no te permitan inclinarte a la izquierda, ser liberal, como ellos dicen. En el country no hay tolerancia para gente como nosotras", dijo Emily Robison. "Es lo más duro de tragar. Nunca creí en la imagen estereotipada del country como comunidad homogénea de gente intolerante y de mentalidad cerrada. Pero me han demostrado que estaba equivocada, y eso duele mucho".

A los dos meses de todo esto, en una nueva demostración de su capacidad para criticar lo que se hacía mal en su país y demostrar que nada las achantaba, posaron desnudas en la portada de la revista “Entertainment Weekly” con mensajes pintados en su cuerpo tan contradictorios como "Traidoras", "Dispara", "Paz" "Ángeles de Sadam" o "Patriotas".

Afortunadamente no todos los norteamericanos se comportaron igual: al mismo tiempo que pasaba esto, un grupo muy numeroso y creciente de compositores, músicos e intelectuales las arroparon y defendieron (ver lista al final del escrito). Ese grupo, pequeño al principio, importante después, fue la célula original que digo lugar al grupo MoveOn.org que sirvió de apoyo en la campaña presidencial de Obama.

Rick Rubin, productor musical de sus últimos discos después del boicot, dijo de ellas: “Las Dixie Chiks debiera sonar como una banda de rock haciendo un disco country y no como una banda country haciendo un disco rock”.

¿Qué sacaron en positivo del boicot que sufrieron y de la pérdida de una parte de sus seguidores? Un cambio de estilo musical, con menos influencias del country y más del rock y algunas melodías pop, unos textos mucho más sensibles y profundos, mayor compromiso en la lucha por la libertad y el medio ambiente, una mayor unidad entre ellas como amigas y compañeras. Y mucha madurez como personas.

Han perdido a su público más reaccionario, a los seguidores de Tea Party, pero se han ganado el respeto de otros artistas y la simpatía del público en general. Y del resto del mundo que no apoyó la invación de Irak. Y mi admiración eterna.

Si supiéramos lo que ahora piensa Rick Rubin de la nueva música de las Dixie Chicks, seguro que nos diría que son más atrevidas, ambiciosas, apasionadas, luchadoras.

Como complemento a la reseña de las Dixie Chicks, más abajo Incluyo varios vídeos de sus canciones grabadas durante la actuación en el Kodak Theatre de Los Ángeles (California, USA). El concierto, titulado "An Evening With The Dixie Chicks (Live At The Kodak Theatre)", fue memorable por varios motivos: era el primero de los concierto que daban en un teatro de primerísimo nivel después del boicot (es el teatro donde se entregaban cada año los Óscar’s), estuvieron arropados por multitud de amistades y compañeros de la música y el arte, y les sirvió de escenario para decirle cuatro cositas al más tonto de (los tontos de) la familia Bush.

Tengo la colección completa de sus CD’s y algunos DVD’s cone actuaciones en directo, incluyendo la grabación del concierto que os cité antes: todos sus trabajos son buenos y recomendables, pero valdría la pena que empezarais a conocerlas con el DVD del que incluyo la portada (más abajo), un compendio de algunas de las mejores canciones del grupo, con el valor añadido de que las podréis ver actuando en directo. Sus voces y su calidad interpretativa os enamorarán: son perfectas.

Estas son las Dixie Chicks, las cantantes que no le tuvieron miedo ni a George W. Bush ni a sus secuaces (que son muchos).

Están aquí de nuevo. Para seguir triunfando y para quedarse.

Alfredo Webmaster

 

Portada de la revista “Entertainment Weekly” 

 

Portada del DVD que os recomiendo

 

Dixie Chicks: "Cowboy Take me Away"

 

Dixie Chicks: "A Home"

 

Dixie Chicks: "Wide Open Spaces"

 

Dixie Chicks: "Sin Wagon"

 

Dixie Chicks: "Truth no. 2"

 

Dixie Chicks: "Travelin'soldier"

 

Dixie Chicks: "Tortured Tangled Hearts"

 

Dixie Chicks: "More Love"

 

Dixie Chicks: "Landslide"

 

Dixie Chicks: "I Believe in Love"

 

Dixie Chicks: "Goodbye Earl"

 

Dixie Chicks: "Godspeed"

 

Notas:

  • El nombre del grupo viene de la canción “Dixie Chickens” de Little Feat, un grupo de R&B, country y rock and roll de los 70 del que son admiradoras.
  • La lista de los cantantes e intelectuales que las apoyaron, inmensa, incluye nombres como: Bruce Springsteen, Joan Baez, Madonna, Dave Moore y Jeff Singer (disc jockeys de la Colorado Springs KKCS), John Mellencamp, Jessica Lange, Ethan Hawke, Steve Buscemi, Michael Moore, Michael Stipe, Trey Anastasio, Erykah Badu, Beyoncé, Mary G. Blige, Kurtis Blow, Jackson Browne, T. Bone Burnett, David Byrne, Sean Puff Diddy Combs, Ani DiFranco, Neil Diamond, Bob Dylan, Perry Farrell, John Fogerty, Dave Grohl, PJ Harvey, Wyclef Jean, Femi Kuti, Bette Midler, Keb' Mo, Moby, Morrisey, Willie Nelson, Kris Novoselic, Liz Phair, Prince, Bonnie Rait, Vernon Reid, Busta Rhymes, Santana, Patti Smith, Burning Spear, Barbra Streissand, Taj Mahal, Thalia, Richard Thompson, Stevie Wonder, Axis of Evil, Bad Religion, Blues Traveller, Los Lobos, Medeski, Martin & Wood, NOFX, Pixies, Primus, Slipknot, Sonic Youth, The Allman Brothers, The Basement Jaxx, Yo La Tengo, Billy Cristal, Jeanine Garofalo, Whoopi Goldberg, Robin Williams, Michael Connery,  James Taylor y Jackson Browne, Jimmy Buffett, Dave Matthews Band, Eric Benet, Kandi Burriss, Busta Rhymes, Blu Cantrell, Capone & Noreaga, Rosanne Cash, Dave Chavarri, George Clinton, Sheryl Crow, Steve Earle, Missy Elliott, Brian Eno, Fat Joe, Floetry, Free & AJ, Fugazi Jagged Edge, Emmylou Harris, Joe Henry, Natalie Imbruglia, Jay ­ Z, Daniel Johns, Donnell Jones, K-Ci & Jo Jo, Angeliique Kidjo, Kronos Quartet, L´il Mo, John Leventhal, Christian Machado, Massive Attack, Natalie Merchant, 10.000 Maniacs, Mobb Deep Nas Ann Nesby, Outkast Pharoahe Monch, Musiq, Lou Reed, REM, Raphael Saadiq, Ryuichi Sakamoto, Russell Simmons, Bubba Sparxx, Seven, David Sylvian, Tweet, Suzanne Vega, Caetano Veloso, Wilco, Lucinda Williams, Bryce Wilson, The Youngbloods, Zap Mama, James Taylor, Pearl Jam, Jackson Browne, Babyface, Jurassic Five, Ben Harper, Steven Spielberg, David Geffen y Jeffrey Katzenberg, Tom Hanks, George Clooney, Denzel Washington, Jennifer Aniston, Antonio Banderas, Morgan Freeman, Paul Krugman... y miles más. Y yo.

 

¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

Miércoles, a 25 de Diciembre de 2013



Si hay una artista española que sepa aunar estilos y los funda en uno propio: el suyo -personal e intransferible-, es Rebeca Jiménez, una cantante que ha sabido sacar lo mejor de los sonidos y letras de Tom Waits, Van Morrison, Bob Dylan, Cat Stevens, Aphrodite Childs, The Rolling Stones, Police, Janis Joplin, Nacha Pop, Radio Futura y, ¡cómo no!, Los Secretos, para hacer algunas de las mejores canciones de los últimos años.

Sus calidades como letrista son parejas a las de su voz o su virtuosismo con los teclados –estudio piano-; sus directos, en los que la mayoría de las veces sólo tiene como compañía un órgano electrónico, son el paradigma de lo que pueda dar de sí una singer- songwriter. Como, por ejemplo, con esta preciosa canción titulada "Me lo estoy jugando".

Me gusta Rebeca Jiménez.

Alfredo Webmaster

Rebeca Jiménez - "Me la estoy jugando"

Letra de "Me la estoy jugando", de Rebeca Jiménez

Te he visto llorar, perder el control, dejarte llevar por nada. No sabes quién soy, me siento cada día a tu lado y te veo cantar. Las noches que se han llevado parte de tu vida, cada trago, las curvas que se han cerrado, dibujan todo aquello que tú quieres no ver. Cuando den las cuatro, te estaré esperando para huir. Sólo sé que todos buscamos alguien a quien abrazarnos y olvidar cuando duele tanto. Sueños que se van quebrando, días que han pasado de largo. La misma ciudad, el mismo dolor. El humo rodó en tus labios. Los besos que no quemaron, arden en mi boca, en cada trago. Todo es tan extraño, me la estoy jugando por ti. Despertar con un cuerpo al lado. Alguien a quien abrazarnos y olvidar cuando duele tanto. Y ahora me la estoy jugando. Ahora me la estoy jugando por ti.

Categorías:
Sábado, a 21 de Diciembre de 2013

 

Corría el mes de noviembre de 2011, en los días previos a la celebración de la Feria Internacional de La Habana, cuando estuché una música que me entusiasmó. Era una especie de nueva trova pasada por el tamiz de un sonido más moderno (pop) y algunos arreglos roqueros; una trova actualizada pero que no abandonaba los sones de los primitivos santiagueros, de los iniciadores del estilo.

Su música la escuche en el coche que estaba usando para mis desplazamientos por Cuba, un CITROËN C5 Break, en el que había, en su aparato de sonido, un CD pirateado. Sin nombre.

Investigué. Los descubrí: era la banda guantanamera Buena Fe. Y el disco, “Pi [3,14]”.

Buena Fe es un dúo, y son Israel Rojas, abogado, compositor de todas las canciones y la voz líder, y Yoel Martínez, un gran músico y el complemento ideal para este dúo de sonidos nuevos, de renovadores de la trova.

La formación cultural y musical de ambos, con una fuerte presencia de ritmos trovadorescos, se hace presente en los textos de sus canciones, todas ellas llenas de reflexiones sobre la realidad de la vida en la Cuba más actual, con historias perfectamente reconocibles, con fuertes cargas sociales, de lucha sana en pos de un país mejor. Su música tiene una sonoridad muy contemporánea y ecléctica, llena de reminiscencias y dejes que rememoran a los grandes de la trova. Los textos de las canciones hablan de asuntos más afines y cercarnos a las querencias de los jóvenes actuales, entremezclados con el reconocimiento a los indudables logros de la revolución cubana, pero sin olvidar las carencias que tanto los atenaza.

Como definió muy bien Israel Rojas. “”Sueño una Cuba actualizada tecnológicamente y cada día menos desigual. Sin bloqueo económico, no por haberse rendido a la irracionalidad impositiva, sino por haber demostrado mayor capacidad e inteligencia que los verdugos. Pero sobre todas las cosas sueño con una Cuba debidamente institucionalizada. Donde el imperio de la ley tenga mucho más peso para garantizar los deberes, derecho y obligaciones de las personas jurídicas y naturales que el voluntarismo circunstancial o la opinión de algún apoderado de turno. Tengo mucha fe en los cambios que se están produciendo y en los que vendrán. Pero tengo más fe en nosotros, los buenos cubanos, porque ningún cambio en sí traerá lo que se espera, si no andamos atentos en la evolución de sus resultados, para perfeccionarlo constantemente. Quiero dejar a mis hijos una Cuba mejor, pero sobre todo quiero dejarle a Cuba unos hijos mejores que yo. Más cívicos, más útiles, más humanos. Cuba no es para mí solo un archipiélago en el Caribe. Cuba es un sueño posible””.

Gracias a sus presentaciones en directo, en radio y en la televisión cubana, además de sus giras por otros países, Buena Fe ha conseguido situarse en los primeros lugares del gusto popular. Además, son el primer grupo cubano que tiene más de 50.000 seguidores en las redes sociales y que consigue reunir en Cuba a más de 300.000 personas en un concierto.

Sólo pude verlos en director una vez, en el Teatro Karl Marx de La Habana. Y si en disco enamoran, en directo maravillan por su calidad humana y musical.

Y como son buenos, muy buenos, os los recomiendo: podéis ver los vídeos que copio más abajo o escucharles en la Gramola de musicayvino.com.

Alfredo Webmaster

 Buenas Fe – “Lo que fue

Buena Fe – “Pi [3,14]

Buena Fe, con Eliades Ochoa – “Mamífero nacional

Buena Fe, con Pablo Milanes – “Despedida

Buena Fe – “Mar adentro

Buena Fe – “Gracias por el fuego

Buena Fe – “Nalgas

Cómo funciona la Gramola

La Gramola está situada en la parte alta de mi página web musicayvino.com, a la derecha.

Cuando pulséis “Play” se abrirá una nueva ventana en la que encontraréis un desplegable titulado “Autor”. Pulsándolo se abre un extensible con una relación de músicos y grupos que seleccioné para vosotros/as, para vuestro disfrute.

Una vez situado el cursor de vuestro ratón en el intérprete o grupo que deseéis, pulsad “Aplicar” para que la Gramola se sitúe en vuestra elección.

Ahora sólo tenéis que empezar a usar el panel de la Gramola, similar al de cualquier equipo de sonido: si pulsáis en “Play” a los pocos segundos empezará a oírse la primera canción que se irá encadenando con las posteriores, una detrás de otra hasta el final del CD del cantante que hayáis elegido.

Además de la opción “Play” citada anteriormente, también tenéis la posibilidad de poner en pausa la canción, pararla totalmente, retroceder y avanzar en ella, e incluso subir o bajar el volumen de escucha.

Y así, como acabo de explicar, podéis hacer con el resto de los intérpretes de la Gramola.

Categorías:
Jueves, a 5 de Diciembre de 2013

 

Si con su primer disco, “Deolindaha”, consiguieron que yo recuperara el gusto por el fado, su nuevo trabajo me reconcilió definitivamente con un estilo de música que antes me sonaba a antiguo, a músicas de otras épocas.

En “Canção ao Lado” (Canción al lado), Deolinda aplica la innovación al fado y le da una vuelta al ritmo, transformándolo en algo nuevo, vivo, vivaz, divertido, distinto.

El secreto de su éxito se debe, seguramente, a la forma exuberante con que se presentan a su público en performances a veces divertidos y alocados, y en otras con formas suaves y dulces producto de las las melancólicas melodías de las guitarra portuguesas, en las que prevalecen las referencias ligadas al fado y otras musicales tradicionales del país hermano y vecino.

Las canciones cuentan vivencias que son explicadas por la dinámica y carismática cantante Ana Bacalhau (en español Ana Bacalao, un maravilloso apellido para una portuguesa), que es la protagonista que da vida a las historias de Deolinda, nació para la música como vocalista del grupo Lupanar.

Las 14 canciones del disco que os presento son construidas alrededor de esta mujer. Ana, que vive rodeada de gatos en una especie de carpa dorada en su piso lisboeta, desde el que mira por sus ventana el mundo que la rodea.

Deolinda y los personajes de sus historias fueron inventados/compuestos por Pedro da Silva Martins, escritor y guitarrista, y tocadas por su hermano Luis José Martins, guitarra, ukelele, cavaquinho (pequeña guitarra portuguesa) y viola, y por Zé Pedro Leitãomarido de Ana y ex miembro, igual que ella, de Lupanar, que es quien con su contrabajo aporta un sonido más clásico entremezclado con ritmos de jazz. Ana es prima de los hermanos Martins.

El proyecto de Deolinda empezó en 2006 inspirado por el enorme éxito de Mariza, el fenómeno sonoro que puso a Portugal y al fado en el mapa internacional de la música. Los músicos de Deolinda surgen de varios proyectos musicales: Ana Bacalhau es una cantante que viene del mundo del Jazz; Pedro da Silva Martins empezó componiendo 2 temas acerca de Deolinda pero cuando sus  amigos le pidieron más compuso hasta 14 que se convirtieron en el primer disco de la banda.

El gusto que tienen los miembros de Deolinda por los viajes ligeros de equipajes, con aires minimalistas, les llevó a prescindir de lo superfluo y presentarse en los escenarios con lo mínimo posible: dos guitarras, un contrabajo y la voz de Ana.

En su nuevo álbum, “Canção ao lado, se perciben las influencias de estilos musicales familiares como el fado, la morna caboverdiana y la música brasileña. La dulce “Não sei falar de amor(No sé hablar de amor) conecta con el Brasil más romántico, “un recordatorio de que no podemos escapar de Elis Regina y Chico Buarque, etc.”, como dice Ana. En “Clandestino recrean la atmósfera del Viejo Portugal de antes de la Revolución de los Claveje, cuando aún estaban bajo la dictadura de Salazar: “Trata sobre una pareja; la mujer ha sido perseguida por la policía y no sabe si su amante volverá esa noche o no. Él regresa, trayendo un regalo para ella y para su bebé, pero la policía llega. Ella canta ‘Le besé y le tomé en mis brazos…’”; la canción queda inacabada, pero podría tratar del tema universal del amor prohibido y perseguido.

El sonido inconfundible del fado se respira en todo el repertorio del grupo, pese a que Deolinda no es, per se, un grupo de fado. Sus temas son menos añejos que los del fado más tradicional, pero están igualmente adornados por las dulces armonías de guitarra portuguesas. En ellos no imperan los sentimientos introspectivos del fado, marcando con ello una diferencia respecto a la estética de este estilo musical. Para diferenciarse, Ana viste trajes estampados y de gran colorido inspirados en las tradiciones folklóricas portuguesas, que combinan con su música y con el tejido musicológico de influencias que van desde la tradición ancestral hasta la música pop. El fado se canta desde el corazón y está inevitablemente ligado a la “saudade”, la nostalgia subyacente que inspira sus canciones.

La canción “O fado não é mau(El fado no es malo) es un irresistible debate íntimo en el cual Ana nos expresa su ambivalente relación con la desbordante melancolía del fado. Jura que nunca lo cantará porque “corrompe el alma con demonios”, pero luego admite “Sin fado y sin amor, ¿qué queda?”.

El resto de las canciones del disco se convierten en vehículos que expresan sentimientos sobre la cultura y el estilo de vida portugués, incluyendo la irónica y jocosa Movimento perpétuo asociativo, una broma sobre la identidad nacional portuguesa. Incluso, un club de fans de Deolinga llegó a organizar una petición en Internet para convertir esta canción en el himno nacional portugués. En palabras de Ana: “Queremos cambiar las cosas y hacer la revolución, pero la hora de la verdad, inventamos excusas y no pasa nada”.

El libreto del CD da vida a las historias de Deolinda con los vivos dibujos – caricaturas – de João Fazenda. Una escena de grupo nos muestra a los músicos con sus iconos reverenciados, Madredeus y Amália Rodrigues, junto al propio Proyecto Deolinda y personajes de las canciones: el loco personaje canoso que canta Lisboa não é a cidade perfecta(Lisboa no es una ciudad perfecta); San Antonio, patrón de Lisboa; el tipo que toca la tuba alegremente en “Fon-Fon-Fon, y la rubia brasileña de “Garçonete da casa de fado” que trabaja en un club de fado pero que se rebela contra la tristeza del fado cantando su versión personal más animada.

Como acompañamiento de esta entrada en el blog, os incluyo varios vídeos con canciones del grupo. Además de pediros que disfrutéis con ellas, en el caso de la canción "Parva que sou" os ruego encarecidamente que leáis con sumo interés los subtítulos en español, unos textos que son una auténtica declaración de guerra contra algunos preceptos y conceptos netamente capitalistas.

Estos son Deolinda. Mi nuevo grupo de cabecera.

Alfredo Musicayvino

Deolinda: un vídeo con las canciones “Fado toninho”, “Fon-fon-fon” y “Movimiento pepétuio asociativo"

Deolinda: "Clandestino"

Deolinda: "Um contra o outro"

Deolinda: "Parva que sou"

 

 

Domingo, a 17 de Noviembre de 2013


No puedo ni quiero negarlo: siento una pasión absolutamente desbordada por esta película de 2001, Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, una joya de la filmografía francesa que protagonizó magistralmente Audrey Tautou bajo la dirección de Jean-Pierre Jeunet y guión de Guillaume Laurant.

En esta película se aúna lo mejor de lo mejor para alcanzar el éxito total: por la mezcla del París divertido, jovial y optimista con el París aventurero, mágico y bohemio reflejado en una fotografía excepcional y luminosa, llena de vida y de color; porque la película fue menospreciada por Gilles Jacob, el director del Festival de Cannes, por considerarla una obra menor, algo de lo que se arrepentirá toda su vida; por la inclusión de espacios vitales que ya son parte de la historia amorosa de una ciudad, como el Cafe des Deux Moulins en el número 15 de la rue Lepic del barrio de Montmartre, ahora lugar de culto y de visita de turistas, casi tan conocido como la Torre Eiffel, o como la frutería Au Marche de la Butte del malhumorado Collignon, en el número 56 de la rue Trois Frères, lugar de peregrinación para hacerse una foto mientras se compra una manzana o se mete la mano en los sacos de leguminosas, como hacía Amelie; porque el diseño, la moda, la música y, sobre todo, el desbordante virtuosismo audiovisual usado en la película ha servido de modelo, en algunos casos hasta el puro plagio, para multitud de filmes, comerciales, vídeos musicales, etc.; por la maravillosa música de un desbordante músico, Yann Tiersen, en una banda sonora que ya forma parte de nuestro ADN sensorial; y por la inclusión de una actriz como Andrey Tautou que hizo llorar literalmente a Jean-Pierre Jeunet al descubrir que era ella, elegida de rebote porque Emily Watson rechazó el papel, la auténtica y única Amelie posible, la musa que podía hacer hablar a los cuadros de una habitación, salir al mundo a un enfermo encerrado en su caparazón, hacer 'viajar' al gnomo de jardín de su padre, o hacernos compartir con ella sus aventuras de heroína mientras reímos o lloramos según las escenas de esta increíble historia.

Como anticipo de lo que aparecerá ante tus ojos, que estarán sin pestañear durante toda la visualización del filme, escucha la canción del vídeo que incluyo más abajo, la deliciosa  “Comptine d'un autre été”, un solo de piano que te llenará de paz, sosiego y pasión… y ganas de oírla una y otra vez.

Si no has visto esta película estás perdiendo la posibilidad de disfrutar de dos horas de placer infinito y de doce años de maravillosos de recuerdos: como dice una de los carteles de este filme, “Amelie va a cambiar tu vida”. Y es cierto: te la cambiará.

Alfredo Webmaster

 

Yann Tiersen – BSO “Le fabuleux destin d'Amélie Poulain

Canción: “Comptine d'un autre été

Domingo, a 17 de Noviembre de 2013

Joni Mitchell y Johnny Cash

Johnny Cash y Bob Dylan

De esta maravillosa y famosa canción de Bob Dylan se han realizado multitud de versiones (Joe Cocker, Rod Stewart, Pete Townshend, The Secret Machines, Sam Bush, Eels, The Black Crowes, The Vasco Era, Altan, Railroad Earth, Susan Herndon, Robert Plant & the Strange Sensation, Lions o Eddie Vedder, entre otros), pero las dos mejores tienen como voz en común la de Johnny Cash, en una de ellas acompañado del propio compositor y en la otra de Joni Mitchell.

No sabría precisar cuál me gusta más: la de Johnny con Bob es más pausada en sus tiempos, como más campera o más estilo country, con una base rítmica de, únicamente, guitarras acústicas, mientras que la de Johnny con Joni es más alegra, más viva, con una orquestación más pop.

En todo caso, una memorable canción, de hermosos versos: un placer para el oído y el espíritu.

Alfredo Webmaster

 

Bob Dylan y Johnny Cash - "Girl from the North Country"

Joni Mitchell y Johnny Cash: "Girl from the North Country"

 

Categorías:
Miércoles, a 13 de Noviembre de 2013

Después de dos o tres años sin escuchar nada de Herbie Mann, algo imperdonable en alguien como yo que tiene su discografía completa, hoy, en una página web sobre música de jazz que veo todos los días, leí una referencia sobre Herbie: la información recordaba que hace algo más de 10 años que murió, y que pese a lo muchísimo que hizo y aportó al jazz moderno (al jazz-fusión con mezclas de funk, soul y música afrocubana), pocos lo recuerdan.

Y es cierto: hasta yo lo tenía olvidado.

Hoy lo traigo aquí, a mi página, y lo hago después de tres meses sin escribir nada en ella. Y si después de 90 días de silencio escribo algo nuevo es porque este compositor e intérprete se merece mi recuerdo. Es lo menos que le debo a un músico que me acompañó muchos años de mi vida.

La canción que elegí para compartir es su famosa versión del “Battle Hymn of the Republic” (“El Himno de la Batalla de la República", de 1861), un tema que enlaza el juicio de los impíos en el fin de los tiempos, del Nuevo testamento de la Biblia, con la batallas de la Guerra de Secesión de los Estados Unidos. Pese a su origen cuasi religioso, su popularidad y propagación por medio mundo hacen de este tema uno de los más conocidos de la música gringa.

La primera vez que la interpretó fue en su disco “Memphis Underground”, quizá el mejor y más completo de su carrera, un disco en el que su flauta travesera brilló especialmente, con solos que consiguieron llevar el sonido de este instrumento a sus cotas más altas dentro del jazz.

Os recomiendo encarecidamente que lo escuchéis, tanto esta canción como las que en Youtube podáis encontrar de Herbie Mann. Él se lo merece.

Alfredo Webmaster

Categorías:
Domingo, a 9 de Junio de 2013


La canción que os propongo para este domingo de final de semana es el tema “Don't give up” de Peter Gabriel, un soberbio poema para un domingo frío y lluvioso, un extraño día para un extraño junio.

Peter Gabriel (Chobham, Surrey, Reino Unido, 13/02/1950) es un personaje muy especial, no sólo por haber sido el fundador de Genesis, uno de los grupos más influyentes del pop/rock de finales de los 60’ y los 70’, sino por su inconmensurable contribución a la música al haber sido el fundador del sello discográfico Real World, una referencia ineludible e incuestionable para varias generaciones de seguidores de la world music, y los festivales "World Of Music, Arts & Dance - WOMAD".

Sin la enorme labor divulgativa de Peter y su interés por hacer visibles músicas que eran invisibles, sería imposible que muchos de nosotros hubiéramos oído hablar, y escuchado a través del sello discográfico Real World Records, a grandes músicos de todo el mundo, gentes como Nusrat Fateh Ali Khan, The Blind Boys of Alabama, Remmy Ongala, Ayub Ogada, Matt Molloy, Farafina, Orquesta Revé, Tabu Ley Rochereau, The Musicians of the Nile, Sevara Nazarkhan, Justin Adams, Hassan Hakmoun, Joseph Arthur, Geoffrey Oryema, The Holmes Brothers, Fatala, U-Srinivas, Maryam Mursal, Afro Celt Sound System, Justin Vali, The Drummers of Burundi, Thomas Mapfumo, Yungchen Lhamo, Toto La Momposina, Papa Wemba, Sheila Chandra…  El Último de la Fila, Peret, La Fura dels Baus o el guitarrista Juan Manuel Cañizares.

Sin Peter Gabriel una parte significativa de la riqueza cultural de zonas remotas y poco conocidas del mundo (Burundi, Burkina Faso, Andhra Pradesh, Kenia, Tibet…), seguirían siendo a día de hoy sólo sonido para ínfimas minorías y grandes desconocidos para el resto del mundo occidental, totalmente absorbido por las culturas de masas, más preponderantes e invasoras.

De ese personaje al que tanto debemos, también salieron composiciones que son parte de la memoria de muchos de nosotros, y entre ellas este temazo de nombre “Don't give up” (1986, del álbum So), que interpreta acompañado de otra grande entre las grandes: Kate Bush.

Con una sencillísima, a la par que hermosísima, puesta en escena de un solo plano: una pareja firmemente abrazada ante un eclipse solar, las voces de Peter y Kate sirven de base para transmitirnos mensajes de solidaridad, consuelo y esperanza: “Para cada trabajo tantos hombres… tantos hombres a los que nadie necesita“, “No te rindas, aún nos tienes… No te rindas, estamos orgullosos de quien eres”, pese a que las primeras estrofas del poema son muy llamativas y su mensaje clarificador: a todos nos enseñan a luchar y ganar, pero nadie nos prepara para saber 'perder' de la mejor forma posible, sin llegar a hundirse.

La canción, apabullantemente romántica y dulce, es el reflejo del sentir de un hombre que se encuentra atrapado en la desesperación por la falta de trabajo y futuro, mientras su compañera le anima a seguir luchando con la ayuda de las personas que lo quieren y aprecian.

Os la recomiendo muy especialmente.

Alfredo Webmaster

Peter Gabriel y Kate Bush - “Don't give up

El: En esta tierra orgullosa crecimos fuertes

Desde el principio nos falta de todo

Me enseñaron a luchar, me enseñaron a ganar

Nunca pensé que pudiera fallar

 

No abandoné la lucha o eso me parece

Soy un hombre que ha abandonado todos sus sueños

He cambiado mi rostro, he cambiado mi nombre

Pero nadie te quiere cuando pierdes

 

Ella: No te rindas,

porque tienes amigos

No te rindas,

todavía no estás derrotado

No te rindas,

yo sé que puedes hacerlo bien

 

El: Pensé que lo había visto todo

Nunca creí que me podría afectar

Pensé que seríamos los últimos en marchar

Es tan extraña la manera en que las cosas cambian.

 

Conduje la noche hacia mi hogar

Al lugar donde nací, a la orilla del lago

Mientras amanecía, miré a la tierra

Los árboles habían ardido caídos en el suelo.

 

Ella: No te rindas,

todavía nos tienes

No te rindas,

nosotros no necesitamos mucho

No te rindas,

porque en algún sitio hay un lugar

al que pertenecemos

 

Descansa tu cabeza,

te preocupas demasiado

Todo irá bien

Cuando los tiempos se pongan difíciles

podrás apoyarte en nosotros

No te rindas

Por favor, no te rindas

 

El: Tengo que irme de aquí

No aguanto más

Me voy a quedar sobre ese puente

Manteniendo mi mirada baja

Lo que pueda venir

y lo que pueda marcharse

ese río se lo llevará

ese río se lo llevará

 

Me marché a otra ciudad

Intenté establecerme con dificultades

Para cada trabajo tantos hombres…

tantos hombres a los que nadie necesita

 

Ella: No te rindas,

porque tienes amigos

No te rindas,

tú no eres el único

No te rindas,

no hay ninguna razón para estar avergonzado

No te rindas,

aún nos tienes

No te rindas,

estamos orgullosos de quien eres

No te rindas,

sabes que nunca es fácil

No te rindas,

porque creo que existe un lugar…

…existe un lugar al que nosotros pertenecemos.

Domingo, a 19 de Mayo de 2013


Hay discos que son incalificables, discos que no podemos definir perfectamente ni situarlos en un estilo musical concreto, pero aun así, sin etiquetarlos, son de una belleza hipnótica. Como este que presento hoy: el “Beyond the Missouri sky” de Pat Metheny y Charlie Haden.

Si por separado los dos ya eran figuras consagradas del jazz, juntos e inspirados por las musas, Pat y Charlie alcanzan el Olimpo del sonido sin etiquetas. Y no les hacen falta. Es sólo música.

Beyond the Missouri sky” nace de una colaboración entre dos personajes que se admiraban mutuamente pero que nunca antes habías coincidido en un proyecto.

Este disco es una maravilla de musicalidad sólo accesible para espíritus capaces de captar la sensibilidad y la belleza. Pero, eso sí, para poder disfrutarlo en plenitud y poder extraer los sonidos más sutiles y los toqueteos, que en ocasiones son apenas audibles, de la guitarra o del contrabajo, no se puede recurrir a una grabación basada en una compresión tipo MP3 o similar; hay que disfrutarlo con un equipo de sonido que tenga un buen reproductor de CD's o un buen plato de LP's, una buena amplificación, mejor si es de válvulas, y dos altavoces de calidad contrastada, a poder ser de fabricación inglesa (son más naturales y su sonido menos artificioso). Si es así, y puedes oírlo es tu casa en silencio, con una copa de vino tinto en la mano, el goce y el placer serán completos.

El disco está basado en varios temas que son como historias independientes pero que se mantienen unidas por un fuerte arraigo tradicional que trata de plasmar los paisajes de la Missouri natal de Metheny. Es un viaje con reminiscencias sonoras de country, new age o psicodelia en un contexto jazzístico basado en una instrumentación acústica.

“Waltz for Ruth”, que está dedicado a la esposa de Charlie Haden, tiene, al igual que "First Song", el ritmo de un vals suave en el que la guitarra y el contrabajo se entremezclan hasta formar una deliciosa unidad sonora. Lo mismo que en “Our Spanish Love Song”, otra pieza de indudable belleza.

El tema “Message to a Friend” representa un cambio de estilo, que pasa del suave y cadencioso vals a un sonido que toma unos derroteros más sombríos, con un gran predicamento de la guitarra acústica.

El sonido más country y alegre nos llega con “The Moon Is Harsh Mistress”, “He’s Gone Away” y “The Precious Jewel”, donde Charlie exhibe la fuerza de su contrabajo con el siempre rítmico sonido de la guitarra de Pat, hasta alcanzar un clímax fabuloso.

En “The Moon Song” la fuerza la emana la guitarra eléctrica de Metheny, fielmente matizada por el sonido sensible y complejo del contrabajo.

La traca final de este juego de sensibilidad y belleza sonora lo da el tema que cierra el disco, una composición de Josh Haden, el hijo de Charlie, de título “Spiritual”. Escucharlo implica imbuirse de paz, tranquilidad, atardeceres, sonidos de campo… imágenes que nos traen a la retina los recuerdos de películas de los años 60/70 de la América más profunda y, a la par, más alejada del bullicio de la época.

Es un disco sencillo en su concepto, sin artificios ni grandes derroches, pero que te ofrece lo que necesitas: música sin trampas ni cartón.

El impacto que causó la publicación de este disco, el 25 de Febrero de 1997, hizo que el gobernador del estado de Missouri lo marcara como el “Day of Charlie Haden and Pat Metheny”.

Sábado, a 18 de Mayo de 2013

 

Conocí a Lole y Manuel a mediados de los 70, en una época en la que el flamenco era una música circunscrita a una tipología de público muy curiosa por lo variopinta que era: gitanos, algunos payos (muy pocos) entendidos y los guiris (turistas) habituales de los tablados. Y poco más.

Los que veníamos de la música más roquera y libertaria (la de los cantautores) nos mezclábamos muy poco con esa cultura, quizá por la creencia errónea de que la cultura calé (la gitana) no entendía la cultura paya (la nuestra), de igual manera que los payos no éramos capaces de captar la profundidad del flamenco.

Lole y Manuel rompieron con las ataduras y reglas del flamenco tradicional. Los dos venían de mundos muy alejados de su etnia gitana: él venía de una banda de rock progresivo de mucha fama y reconocimiento en la época, Smash, y ella nada tenía que ver con ese mundo tan cerrado y hermético como es el del cante, el toque y el baile… pero por las venas de los dos corría sangre plagada de la musicalidad transmitida por sus ancestros, todos ellos grandes músicos y tocaores.

Tu mirá”, del año 1975, es el himno de arranque del nuevo flamenco, una composición de una belleza hipnótica, metafórica, con reminiscencias hippies y un ritmo que engancha… una obra maestra de la música en español.

A algunos quizá os suene de haberla oído en la banda sonora de la película “Kill Bill (volumen 2)” de Quentin Tarantino o en la de “Flamenco” de Carlos Saura.

Alfredo Webmaster

Lole y Manuel – “Tu mirá

Y tu "mirá"

Se me clava en los ojos como una "espá"

Se me clava en los ojos como una "espá"

Se me clava en los ojos como una "espá"

De amores llora una rosa

De amores llora una rosa

Y le sirve de pañuelo

Una blanca mariposa

 

De tanto volar

Sedienta de tanto vuelo

En un charco de agua clara

La alondra se bebe el cielo, ay, ay

 

Aquella tarde de abril

Te dije vente conmigo

Y no quisiste venir

Y no quisiste venir

No te quisiste venir

 

Y tu "mirá" se me clava en los ojos como una "espá"

Se me clava en los ojos como una "espá"

Se me clava en los ojos como una "espá"

 

Y tu "mirá" se me clava en los ojos como una "espá"

Y mi tren de alegría se va se va (se me clava en los ojos...)

Y no tengo más sueño que tu "mirá" (se me clava en los ojos...)

 

Y tu "mirá" se me clava en los ojos como una "espá"

Grillo de mis tormentos, rosa tronchá (se me clava en los ojos como una "espá")

Cuando sueño tus ojos de "madrugá" (se me clava en los ojos...)

Yo no puedo apartarme de tu "mirá" (se me clava en los ojos...)

 

Y tu "mirá" se me clava en los ojos como una "espá"

Se me clava en los ojos como una "espá"

Se me clava en los ojos como una "espá"

 

Y tu "mirá" se me clava en los ojos como una "espá"...

 

Domingo, a 24 de Marzo de 2013

 

De Lucinda Williams y su álbum del 2003, os recomiendo este temazo de imponente musicalidad y suave desarrollo, capaz de ponernos los pelos como escarpias...

Lucinda, la gran dama del sur de USA (Lousiana), además de ser una enorme compositora y show-woman, tiene una poderosísima voz carente de artificios y afecciones: canta con el corazón y desde las entrañas.

Su country moderno, adulto y abierto que devino en lo que ahora se llama “americana”, la está entronizando entre las leyendas de la música.

Alfredo Webmaster

 

Jueves, a 11 de Octubre de 2012

Corría el año 1630. Athanasius Kircher, científico además de jesuita, llega a Pouilles en uno de sus múltiples viajes de investigación, en esta ocasión para tratar de descubrir qué había de cierto en las fábulas que contaba las extraña relación entre las terapias musicales, ciertas enfermedades y el culto a Dionisos.

Después de un extenso trabajo de campo, en 1641 publica sus estudios sobre el “tarantismo”,

 rara enfermedad provocada por la picadura de la tarántula (Lycosa tarántula), que causa un deseo irresistible de bailar y bailar, en un agitado desenfreno. Athanasius Kircher creyó haber descubierto un tipo de música que aliviaba los males del “atarantado” o “tarantulado”, permitiendo a los que la escuchan bailar en trance durante horas o, incluso, días enteros, hasta el agotamiento. Como dice una de las canciones que oiréis, "si acaso te pica la tarantela, tendréis que bailarla con una vigüela".

Algunas voces más doctas que la de Athanasius Kircher, sostienen que el llamado “tarantismo” no es otra cosa que una sofisticada forma de histeria tal como señalar algunos estudios, sobre todo los publicados por investigadores españoles como Manuel Irañeta y Jáuregi, Francisco Xabier Cid, y su “Tarantismo observado en España” (1787) o la “Historia de la Tarántula y su mordedura, y cómo la música, saltar y brincar con ella, es un eficaz remedio"

(Madrid, 1745) de Felix de Eguia, estudio que recoge las enseñanzas de Giorgio Baglivi (1668-1707), discípulo de Athanasius Kircher.

Usando como base argumental todas las historias pseudocientíficas de curación de enfermedades a base de escuchar música, nacieron las primeras “tarantellas”, un estilo de música vocal e instrumental del siglo XV al XVII, de origen italiano pero cargado de fuertes reminiscencias españolas (las castañuelas, la guitarra), un estilo de música que aún se interpreta, y baila, en Pouilles, Calabria, Sicilia y en la región de Nápoles.

 

Las “tarantellas” son unas danzas vigorosas de tempo muy acelerado, que en algunos casos puede llegar al presto furioso. Marius Schneider (1903-1982) las calificó como "bailes medicinales" y Pedro Mejía (1497-1551) en su tratado “Silva de varia lección” dijo de ellas que "el efecto que hace la música es que el herido comienza a bailar, haciendo diversas mudanzas, como si hubiera empleado toda su vida en aprenderlas, y está así bailando", normalmente entre tres y cuatro días, "hasta que aquella maldita ponzoña se consume, y gasta con el ejercicio de la música".

La creencia de que se puede llegar a la cura de enfermedades mediante el baile aúna los antiguos cultos dionisíacos con el cristianismo. Las “tarantellas” son, de algún modo, las antecesoras del break dance de nuestras épocas y la antesala de la musicoterapia, una suerte de medicina alternativa muy en boga actualmente.

Existe un excelente trabajo de documentación sobre las “tarantelas” españolas publicado en la Revista de Folklore en el año 1986 y escrito por Juan Bautista Varela de Vega.

Los interpretes de estas “tarantellas” que acabo de incluir en la Gramola son el grupo francés de música antigua L'Arpeggiatta, que bajo la dirección de Christina Pluhar a la tiorba, y algunos otros instrumentos de cuerda pulsada, y las voces de Marco Beasley y la gran Lucilla Galeazzi (prodigiosa teatralidad la de esta mujer), recuperaron para todos nosotros estas pequeñas maravillas de la música popular del sur de Europa, de la Euroma más mediterránea y vivaz.

Alfredo Webmaster

 

L'Arpeggiatta
 

 

 
 

Cómo funciona la Gramola

En la página principal de musicayvino.com, a la derecha en la parte alta, está situada la Gramola.

Cuando pulséis “Play” se abrirá una nueva ventana en la que encontraréis un desplegable con una relación de músicos y grupos que seleccioné para vosotros/as, para vuestro disfrute.

Una vez situado el cursor en el intérprete o grupo que deseéis, pulsad “Aplicar” para que la Gramola se sitúe en vuestra elección.

Ahora sólo falta pulsar en el símbolo de “Play” que está justo debajo del nombre elegido… a los pocos segundos empezará a oírse la música, que se irá encadenando canción a canción, una detrás de otra hasta el final de lo elegido.

Además de la opción “Play” citada anteriormente, también tenéis la posibilidad de poner en pausa la canción, pararla totalmente, retroceder y avanzar en ella, e incluso subir o bajar el volumen de escucha.

Y así, como acabo de explicar, podéis hacer con el resto de los intérpretes de la Gramola.

Aviso importante: entre los problemas que han ido apareciendo estos días mientras Xacobe termina de poner a punto mi página web, está la imposibilidad de encadenar canciones, una detrás de otra. Por tanto, durante un tiempo breve, que ojalá sea brevísimo, tendréis que pulsar vosotros sobre las canciones una a una para que se escuchen.

Pido perdón por este pequeño fallo producto de los lógicos ajustes que necesita una página como la mía, que está viva desde hace muchos años, que tiene más de 1.600 artículos, 50.000 comentarios y, lo más sorprendente de todo, más de 2.343.000 visitas

Nota: Xacobe es el responsable de la actualización del Drupal de mi página web.


 
Categorías:
Sábado, a 26 de Mayo de 2012

Ayer, mientras veía el capítulo 12 de la 3ª temporada de la serie "The Good Wife" (¡qué buena es!), sonó el 5º movimiento, el “Passa calle”, de la “Musica notturna delle strade di Madrid, Op. 30”, el famoso quintettino (quinteto) para instrumentos de cuerda de Luigi Boccherini.

Inmediatamente, recordé dos filmes en los que se incluyó este hermosísimo tema en su banda sonora: "Master and Commander: The Far Side of the World", de Peter Weir, con Russell Crowe y Paul Bettany, y en "You will meet a tall dark stranger ", de Woody Allen, con Anthony Hopkins y Naomi Watts. Y, por qué no recordarlo, también se interpretó en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Barcelona del año 1992.

Como escribió Jaume Tortella, “para la composición de la Música nocturna de las calles de Madrid, Boccherini tomó su inspiración de escenas nocturnas de la calle de la ciudad, que parece mirar con nostalgia a la alegría y el bullicio de la capital de España, recordando el sonido de las campanas de las iglesias de la ciudad en su llamada para la oración vespertina, los bailes populares que fueron el deleite de sus jóvenes y los mendigos ciegos tocando sus típicas viellas de rueda hasta que los soldados de la guarnición local dan el toque de queda de medianoche con su Retiro”.

Este maravilloso quintettino, de ensoñación galante y reminiscencias palaciegas entremezcladas con el sonido de un Madrid bullicioso, es ideal para sobrellevar la pesadez de una lluviosa tarde de sábado.

Alfredo Webmaster

 

Luigi Boccherini - “Passa calle”, de la “Musica notturna delle strade di Madrid, Op. 30
(versión clásica)

 

Luigi Boccherini - “Passa calle”, de la “Musica notturna delle strade di Madrid, Op. 30"
(versión que se incorporó en la película "Master and Commander: The Far Side of the World". En el vídeo, Russell Crowe y Paul Bettany, en sus papeles de capital del buque y médico, interpretan este 5º movimiento)

 

Viernes, a 25 de Mayo de 2012

De la actuación de Calexico en el Centro Cultural Caixanova en Vigo, el 16 de enero de 2009, me queda para el recuerdo su canción "Sunken waltz", una joya sonora de impecable factura, un suave torbellino de ritmo y sensibilidad, una balada que compendia lo mejor de uno de los mejores grupos del folk indie y americana de todos los tiempos.

Sus notas, que huelen al perfume de las flores que jalonan la frontera del río Grande, son ideales para empezar el fin de semana dejándose mecer por su cadenciosa dulzura e imaginar el movimiento de unos pies bailando un vals...

Alfredo Webmaster

 

Calexico - "Sunken waltz"

Washed my face in the rivers of empire
Made my bed from a cardboard crate
Down in the city of quartz
No news, no new regrets
Tossed a susan b over my shoulder
And prayed it would rain and rain
Submerge the whole western states
Call it a last fair deal
With an american seal
And corporate hand shake
Take the story of carpenter mike
Dropped his tools and his keys and left
And headed out as far as he could
Past the cities and gated neighborhoods
He slept 'neath the stars
Wrote down what he dreamt
And he built a machine
For no one to see
Then took flight, first light

 

Suscribirse a Música y músicos