Música y Vino

Puedo intentar ser sincero pero nunca seré imparcial…
Sábado, a 1 de Febrero de 2014

 

 

Con su sempiterno pitiillo entre los dedos

Con su esposa y compañera Dori Ghezzi

"Libertad, la he visto despertarse cada vez que he tocado" (Fabrizio de André)

Fabrizio de André, también conocido como “Faber”(Génova, 1940 - Milán, 1999), fue uno de los mejores cantautores del mundo, un avanzado en su tiempo, el artífice de un nuevo concepto musical que unió el sonido racial de la música popular italiana con el profundo respeto a la libertad creativa; y todo entrelazado con una defensa a ultranza de la justicia social.

Por eso y sólo con eso ya debería ser un referente a nivel mundial, después de años y años sigue siendo un perfecto desconocido fuera de su Italia natal.

Conocí su música hace muchos años, quizá en el 83/84, gracias a un amigo anarquista que me habló de un cantante italiano que tenía la capacidad de transmitir sensaciones nuevas con aires románticos, y todo ello aderezado con unos textos combativos, revolucionarios, libertarios. Entre lo que Ernesto me contó de su vida y las primeras canciones que escuché, su música me enganchó.

Fabrizio de André nació en Génova en el año 1940, el 18 de febrero, en una familia de la burguesía regional. Desde jovencito se sintió atraído por la música, por lo que empezó a estudiar violín con sólo seis años y, posteriormente, guitarra y piano.

Sus primeros años de colegial se caracterizaron por un comportamiento díscolo y rebelde, con continuos enfrentamientos con los profesores del colegio religioso en el que pasó sus primeros cursos.

Medio impuesto por su familia, muy conservadora y tradicional, estudió las carreras de Literatura y Medicina, además de Derecho, en la Universidad de Génova. Ninguna de estas materias le hizo olvidar su verdadera vocación: la música.

Empezó a componer y a interpretar sus propias canciones en el año 1961. En ese mismo año publicó sus dos primero vinilos: “Nuvole barocche” y “E fu la notte”.

A raíz de esos primeros trabajos, Fabrizio de André se labró una imagen y un gran prestigio como músico de culto, con una enorme capacidad para mezclar los temas más racialmente italianos con las canciones protesta de los cantautores franceses, sobre todo después del “Mayo del 68. Las letras de sus composiciones alternan la denuncia social, desde una perspectiva anarquista, con otras de índole más poética, incluso de marcado romanticismo.

La vertiente más combativa de este maravilloso ser humano quedó reflejada en sus continuas batallas a favor de los más desprotegidos. Fueron famosas sus luchas por los derechos de los inmigrantes, homosexuales y prostitutas. También fue un gran defensor de las diversidades culturales y las mezclas de las culturas mediterráneas, en los dos litorales, el europeo con el norteafricana. Buen reflejo de esto son sus canciones “Bocca di Rosa”, “Via del campo” o “Il pescatore”, un compendio de sonidos de inconfundible sello multicultural.

Obviamente, como gran defensor de la cultura de base latina, también lo fue de las músicas interpretadas en las lenguas o dialectos de su Italia natal: el genovés, el sardo, etc.

Su trabajo más racial, el más cercano a la música mediterránea más popular, la más profunda y al mismo tiempo más sentimental, “Crêuza de mä” (1984), lo hizo en colaboración con el gran Mauro Pagani. En algunos de las canciones de este disco, si cierras los ojos y abres los sentidos a la sensibilidad que emana, podrías percibir el ruido de las olas, las voces de los pescadores y las pescantinas, los sonidos del viento entre las montañas corsas… es un maravilloso ejemplo de música para el corazón (y para el cuerpo).

Su álbum más combativo, “Storia di un impiegato” (1973), fue el trabajo de referencia para toda una generación de cantautores europeos. Se podría decir que hubo un antes y un después de este maravilloso disco. El tema principal de este álbum gira alrededor de la figura de un empleado frustrado que tras observar el poco éxito obtenido en las revueltas estudiantiles del “Mayo del 68”, decide pasar a la lucha usan el terrorismo social. Las canciones incluidas en este disco tratan sobre las luchas de los poderes fácticos, las injusticias de los tribunales de justicia, la violencia de estado… y poniendo como contrapunto, las luchas individuales con el único arma que tiene un individuo: la autodefensa. En uno de los temas de este dicos, "Canzone del maggio", se repite machaconamente una frase dirigida como arma contra el poder establecido: "per quanto voi vi credete assolti, siete per sempre coinvolti" (“aunque os creáis absueltos, estáis para siempre involucrados”, en español). Aún hoy, "Canzone del maggio" se usa en Italia como himno en todas las luchas obreras y sindicales.

En su dilatada carrera, Fabrizio de André colaboró con multitud de artistas italianos (inconmensurables sus actuaciones en compañía de la PFM - Premiata Forneria Marconi), franceses, árabes, algún español (María del Mar Bonet, Raimon, por ejemplo), etc., pero no exclusivamente en composiciones musicales: también intervino en colaboraciones literarias (el libro “Un destino ridicolo”, con Alessandro Gennari), guiones y bandas sonoras de películas (“Il cantico dei drogati”, de Franceso de Gregori), etc.

Fabrizio tuvo dos hijos: Cristiano, con su primera mujer, y Luisa Vittoria, con Dori Ghezzi. Ambos son cantantes y ambos actuaron con su padre en sus últimos conciertos.

Durante el tour de su último disco, “Anime salve”, se le diagnosticó un cáncer de pulmón (era fumador empedernido, siempre con un pitillo entre los dedos), lo que lo obligó a interrumpir sus conciertos.

El día de su entierro, delante de las más de 10.000 persona que le acompañaron en su último viaje, se envolvió su cuerpo en la bandera anarquista mientras se cantaba la “"Canzone del maggio" entre los llantos y el dolor por la irreparable pérdida de un luchador libertario.

Hasta el mismo día de su muerte hizo lo que siempre quiso y vivió como siempre deseó vivir, sin dejar de componer y regalar al mundo lo que mejor sabía hacer: escribir maravillosas letras, componer increíbles sonidos.

De su inspiración y trabajo nos quedaron 14 (25, incluyendo grabaciones en directo) obras maestras de la historia de la música, catorce monumentos sonoros y poéticos que debería ser catalogados como  Patrimonio de la Humanidad, reflejos de una forma de ver la vida totalmente distinta a la que nos tiene acostumbrado el ‘stablishmen’ musical.

 

Listado de discos  

- Tutto Fabrizio De André (1966)

    -  Volumen 1 (1967)

   -  Morimmo de Tutti un stento (1968)

    -  Volumen 3 (1968)

    -  Barocche de Nuvole (1969)

    -  Novella del buona del La (1970)

    -  No denaro del al, no cielo del al del né del all'amore (1971)

    -  Impiegato de Storia di un (1973)

    -  Canzoni (1974)

    -  Volumen 8 (1975)

    -  Rimini (1978)

    -  En el Concerto - Arrangiamenti PFM (1979)

    -  En el Concerto - Arrangiamenti PFM vol. 2 (1980)

    -  Fabrizio De André (1981)

    -  Creuza De Mä (1984)

    -  Le Nuvole (1990)

    -  Concerti 1991 (1991)

    -  Anime salve (1996)

    -  Milla innamoravo di tutto (1997)

    -  De André en concerto (1999)

    -  Da Genova (2000)

    -  Peccati di gioventù (2000)

    -  Fabrizio De André en el volumen II del Concerto (2001)

    -  En contraria del ostinata e del direzione (2005)

    -  En el contraria 2 del ostinata e del direzione (2006)

Hoy, no sé si como homenaje a él o como símbolo de la alegría que siento por que es sábado y ya quedan menos días para ser más libre y más dueño de mi vida, hoy, repito, os quiero hacer partícipes de la música y la sensibilidad de este maravilloso ser humano: Fabrizio de André, un cantautor que espero que pase, a partir de hoy, a ser vuestro Fabrizio de André.

Alfredo Webmaster

Caja con la edición discografica completa de Fabrizio de André

Detalle de la edición con los CD's, su bibliografía, fotos y anexos

 

Fabrizio de André – “Cruza de mä

Fabrizio de André – "Geordie

Fabrizio de André – “Il testamento di Tito

Fabrizio de André – “Andrea” (grabación privada, con amigos)

Fabrizio de André – “Dolcenera

Fabrizio de André – “Volta la carta

Fabrizio de André – “Don Raffaé

Fabrizio de André – “Cielito lindo” (en español)

Cómo funciona la Gramola

La Gramola está situada en la parte alta de mi página web musicayvino.com, a la derecha.

Cuando pulséis “Play” se abrirá una nueva ventana en la que encontraréis un desplegable titulado “Autor”. Pulsándolo se abre un extensible con una relación de músicos y grupos que seleccioné para vosotros/as, para vuestro disfrute.

Una vez situado el cursor de vuestro ratón en el intérprete o grupo que deseéis, pulsad “Aplicar” para que la Gramola se sitúe en vuestra elección.

Ahora sólo tenéis que empezar a usar el panel de la Gramola, similar al de cualquier equipo de sonido: si pulsáis en “Play” a los pocos segundos empezará a oírse la primera canción que se irá encadenando con las posteriores, una detrás de otra hasta el final del CD del cantante que hayáis elegido.

Además de la opción “Play” citada anteriormente, también tenéis la posibilidad de poner en pausa la canción, pararla totalmente, retroceder y avanzar en ella, e incluso subir o bajar el volumen de escucha.

Y así, como acabo de explicar, podéis hacer con el resto de los intérpretes de la Gramola.

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Jueves, a 11 de Octubre de 2012

Corría el año 1630. Athanasius Kircher, científico además de jesuita, llega a Pouilles en uno de sus múltiples viajes de investigación, en esta ocasión para tratar de descubrir qué había de cierto en las fábulas que contaba las extraña relación entre las terapias musicales, ciertas enfermedades y el culto a Dionisos.

Después de un extenso trabajo de campo, en 1641 publica sus estudios sobre el “tarantismo”,

 rara enfermedad provocada por la picadura de la tarántula (Lycosa tarántula), que causa un deseo irresistible de bailar y bailar, en un agitado desenfreno. Athanasius Kircher creyó haber descubierto un tipo de música que aliviaba los males del “atarantado” o “tarantulado”, permitiendo a los que la escuchan bailar en trance durante horas o, incluso, días enteros, hasta el agotamiento. Como dice una de las canciones que oiréis, "si acaso te pica la tarantela, tendréis que bailarla con una vigüela".

Algunas voces más doctas que la de Athanasius Kircher, sostienen que el llamado “tarantismo” no es otra cosa que una sofisticada forma de histeria tal como señalar algunos estudios, sobre todo los publicados por investigadores españoles como Manuel Irañeta y Jáuregi, Francisco Xabier Cid, y su “Tarantismo observado en España” (1787) o la “Historia de la Tarántula y su mordedura, y cómo la música, saltar y brincar con ella, es un eficaz remedio"

(Madrid, 1745) de Felix de Eguia, estudio que recoge las enseñanzas de Giorgio Baglivi (1668-1707), discípulo de Athanasius Kircher.

Usando como base argumental todas las historias pseudocientíficas de curación de enfermedades a base de escuchar música, nacieron las primeras “tarantellas”, un estilo de música vocal e instrumental del siglo XV al XVII, de origen italiano pero cargado de fuertes reminiscencias españolas (las castañuelas, la guitarra), un estilo de música que aún se interpreta, y baila, en Pouilles, Calabria, Sicilia y en la región de Nápoles.

 

Las “tarantellas” son unas danzas vigorosas de tempo muy acelerado, que en algunos casos puede llegar al presto furioso. Marius Schneider (1903-1982) las calificó como "bailes medicinales" y Pedro Mejía (1497-1551) en su tratado “Silva de varia lección” dijo de ellas que "el efecto que hace la música es que el herido comienza a bailar, haciendo diversas mudanzas, como si hubiera empleado toda su vida en aprenderlas, y está así bailando", normalmente entre tres y cuatro días, "hasta que aquella maldita ponzoña se consume, y gasta con el ejercicio de la música".

La creencia de que se puede llegar a la cura de enfermedades mediante el baile aúna los antiguos cultos dionisíacos con el cristianismo. Las “tarantellas” son, de algún modo, las antecesoras del break dance de nuestras épocas y la antesala de la musicoterapia, una suerte de medicina alternativa muy en boga actualmente.

Existe un excelente trabajo de documentación sobre las “tarantelas” españolas publicado en la Revista de Folklore en el año 1986 y escrito por Juan Bautista Varela de Vega.

Los interpretes de estas “tarantellas” que acabo de incluir en la Gramola son el grupo francés de música antigua L'Arpeggiatta, que bajo la dirección de Christina Pluhar a la tiorba, y algunos otros instrumentos de cuerda pulsada, y las voces de Marco Beasley y la gran Lucilla Galeazzi (prodigiosa teatralidad la de esta mujer), recuperaron para todos nosotros estas pequeñas maravillas de la música popular del sur de Europa, de la Euroma más mediterránea y vivaz.

Alfredo Webmaster

 

L'Arpeggiatta
 

 

 
 

Cómo funciona la Gramola

En la página principal de musicayvino.com, a la derecha en la parte alta, está situada la Gramola.

Cuando pulséis “Play” se abrirá una nueva ventana en la que encontraréis un desplegable con una relación de músicos y grupos que seleccioné para vosotros/as, para vuestro disfrute.

Una vez situado el cursor en el intérprete o grupo que deseéis, pulsad “Aplicar” para que la Gramola se sitúe en vuestra elección.

Ahora sólo falta pulsar en el símbolo de “Play” que está justo debajo del nombre elegido… a los pocos segundos empezará a oírse la música, que se irá encadenando canción a canción, una detrás de otra hasta el final de lo elegido.

Además de la opción “Play” citada anteriormente, también tenéis la posibilidad de poner en pausa la canción, pararla totalmente, retroceder y avanzar en ella, e incluso subir o bajar el volumen de escucha.

Y así, como acabo de explicar, podéis hacer con el resto de los intérpretes de la Gramola.

Aviso importante: entre los problemas que han ido apareciendo estos días mientras Xacobe termina de poner a punto mi página web, está la imposibilidad de encadenar canciones, una detrás de otra. Por tanto, durante un tiempo breve, que ojalá sea brevísimo, tendréis que pulsar vosotros sobre las canciones una a una para que se escuchen.

Pido perdón por este pequeño fallo producto de los lógicos ajustes que necesita una página como la mía, que está viva desde hace muchos años, que tiene más de 1.600 artículos, 50.000 comentarios y, lo más sorprendente de todo, más de 2.343.000 visitas

Nota: Xacobe es el responsable de la actualización del Drupal de mi página web.


 
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Martes, a 6 de Marzo de 2012

Hace mucho tiempo, en octubre del 2007, publiqué en la Gramola un post sobre Eva Cassidy, pero fue un texto tan breve y conciso que no hizo honor a la valía del personaje: algo imperdonable.

Anteayer, mientras escuchaba uno de los canales de música del avión de IBERIA que me traía desde Costa Rica a España, sonó su música. Escucharla me hizo recordar un programa de radio que hace tiempo le dedicaron en exclusiva a Eva, a su corta vida profesional y física, y a lo muchísimo que su trayectoria vital marco a las personas que tuvimos la suerte de conocerla.

Al llegar a casa sentí la necesidad de oírla de nuevo, de repasar su música, sus baladas, sus blues, sus souls, sus interpretaciones más sentidas, sus memorables obras de jazz. Y pasó algo curioso: al abrir mi portatil y mi correo, en la bandeja de entrada me estaba esperando un mensaje que venía acompañado de una de las canciones más hermosas jamás escrita: la versión que Eva Cassidy hace de "Songbird", una joya compuesta por Christine McVie (de Fleetwood Mac) en el año 1976.

Pese a que Eva jamás compuso ninguna canción, ninguna, cualquiera de sus interpretaciones era como un remozado mejorado del original, una relectura de la partitura que daba más sentido al texto y a la música, una redefinición similar a las que le hacía Mozart a Antonio Salieri.

Su apabullante capacidad para hacer brotar sentimientos en cada una de sus interpretaciones, en cada corchea y semicorchea, hicieron que muchos compositores, como Sting, reconocieran que su obra, por ejemplo “Fields of Gold” sólo fue perfecta cuando la cantó Eva; que sólo oyéndola a ella tenía sentido lo que pretencían decir al componer.

El timbre y la calidad de su voz le permitían atacar cualquier canción, cualquier estilo, y conseguir que su Interpretación resultara única, perfecta, y que esa redefinición fuera la referencia sonora para el original.

Nacida en el seno de una familia con muchas influencias musicales (Oxon Hill, Washington DC, 2/02/1963 - Bowie, Maryland, 2/11/1996), creció bajo la influencia de lo más granado del folk y folk-country de la época: Bob Dylan, Pete Seeger y Buffy Sainte-Marie.

De Dylan tomo la capacidad para comunicar con el público; de Seeger el carácter combativo, inconformista, luchador y solidario; y de Buffy, la fuerza y el carácter feminista (femenino) que imprimía en cada verso.

Nunca se plegó a los dictados de las grandes compañías discográficas: cuando la Warner le ofreció ser cantante solista para interpretar canciones con ritmos más pop y comerciales, se negó a secundarlos; además, entre las condiciones que le exigían esa discográfica estaba que tendría que dejar a un lado la banda de músicos que le acompañaba desde sus años de instituto, algo a lo que se negó en redondo.

Por la fidelidad que mantuvo a su estilo musical, a sus compañeros y amigos, el éxito no le llegó en vida: durante sus 33 años de existencia, no llegó a ser una cantante reconocida por el gran público, ni sus discos estuvieron en las listas de mayores ventas.

Sus actuaciones en directo, a las que sólo cudía un público fiel y entregado que sabía de su inmensa calidad y humanidad, se realizaban en pequeños clubes de Nueva York, Washington o San Francisco. Además, su carácter introvertido, su marcado ecologismo y el amor que sentía por la vida natural, le llevo a vivir semi retirada en una granja de las afueras de su ciudad de nacimiento.

A mediados de 1996 empezó a sentir fuertes dolores de cadera y de cabeza: se le detectó un avanzadísimo cáncer de piel.

Su última actuación musical en directo, a finales de septiembre de 1996, fue exclusivamente para sus amigos en un pequeñísimo club de Washington, muy cerca de la granja en la vivía. Y la última canción que interpretó, que dedicó a todos los que la acompañaban en aquel momento y con la que se despedía de la vida a sus 33 años, fue un inolvidable "What a wonderful world" (“Qué maravilloso es el mundo”), canción que había hecho famosa Louis Armstrong.

Los que tuvieron la suerte de verla actuar ese día recurdan que cantó con la fuerza de un titán y el timbre de un ángel, con la más profunda de las sensibilidades, poniendo el corazón en cada nota. Su rostro, constreñido por el dolor del cáncer que la consumía y la pena de ver cómo se le iba la vida, denotaba lo contrario: una profunda alegría y paz interior.

Dos meses después moría rodeada de su familia a los que dejó el mejor de los legados posibles: un ramillete de canciones que son parte de la historia musical del siglo XX y patrimonio sentimental de todos los que la hemos escuchado alguna vez.

En la Gramola podréis oír las siguientes canciones de Eva Cassidy:

  • True Colors [Live]: versión grabada en directo de una canción de la gran Cyndi Lauper, una magnífica cantante a la que, desgraciadamente, minimizó el “efecto” Madonna.
  • Hallelujah I Love Him So: versión libre de una canción de Ray Charles, con el típico punteo de guitarra del R & B.
  • American Tune [Live]: una hermosa canción compuesta por Paul Simon, cantada en directo con el único acompañamiento de la guitarra de Eva.
  • It Don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing) [Live]: con una de las más famosas canciones del gran Duke Ellington, Eva nos hace una demostración de su capacidad para interpretar cualquier tipo de sonido, incluida esta pieza de jazz.
  • Yesterday: un clásico de The Beatles reinventado por Eva y la ayuda de Chris Biondo. Fijaros en la voz y en la riqueza de matices que tiene.
  • Wade in the Water: una famosa canción tradicional yanqui pasada por el filtro de Eva y Biondo. El resultado final es una pieza con marcados tintes jazzísticos.
  • Songbird: canción de Christine McVie, de Fleetwood Mac. Distinta, totalmente distinta del original… y mucho mejor.
  • Cheek to Check: un clásico entre los clásicos del jazz más clásico, un virtuoso paseo por una composición que cualquier intérprete que se precie tiene que saber tocar. Fue compuesta por Irving Berlín. Está incluida como primera canción en el CD “Live at Blues Alley”, y en ella se escucha al presentador haciendo los honores a Eva.
  • Bridge over Troubled Water: el famoso “Puente sobre aguas turbulentas” de Simon & Garfunkel, con más sensibilidad y profundidad que el original; inmejorable versión de un clásico con el perfume pincelado de un jazz del más alto nivel.
  • People Get Ready: ni el gran Curtis Mayfield no podría hacerlo mejor. Ua canción para estremecerse.
  • Tall Trees in Georgia: una de las canciones más tristes que jamás se interpretaron en el siglo XX, fruto de la enorme sensibilidad Buffy St. Marie, una descendiente de los indios cheroquis con un pasado tremebundo. La voz de Eva consigue sacar a flote la tremenda carga sentimental que lleva inherente el texto y la música.
  • Fields of Gold: una canción de Sting. El resultado sonoro es, sencillamente, demoledor… ¡quien le diera a Sting cantar así y con tanta sensibilidad! Es una canción que confirma que a veces, sólo cuando un genio la canta, las segundas partes son mejores las primeras.
  • What a Wonderful World: la famosísima canción que interpretó de forma magistral Louis Armstrong que en la voz de Eva se transforma en otra cosa, ni mejor ni peor: distinta. Vale la pena escucharla con interés… la voz, su tonalidad, está perfectamente ensamblada con la música, como un guante de seda en una mano.

También podéis ver y escuchar los vídeos que incluyo a continuación, todos ellos de Youtube, que no garantizo que estén siempre disponibles:

 

Eva Cassidy – “Tall Trees In Georgia

 

Eva Cassidy – “Cheek To Cheek

 

Eva Cassidy – “Tennessee Waltz

 

Eva Cassidy – “Time After Time

 

Eva Cassidy – “Autumn Leaves

 

Eva Cassidy – “Fields of Gold

 

Eva Cassidy – “Songbird

 

Eva Cassidy – “Blues In The Night

 

Eva Cassidy – “Chain Of Fools

 

Eva Cassidy – “Stormy Monday

 

Eva Cassidy – “True Colours

 

Eva Cassidy – “Imagine

 

Eva Cassidy – “Somewhere over the Rainbow

 

Eva Cassidy – “Blue Eyes Crying In The Rain

 

Eva Cassidy & Katie Melua – “What A Wonderful World

 

Por último, indicaros que hay otra entrada en mi blog con información más detallada de la vida de Eva Cassidy, un post que incluí a finales de 2008: pulsad aquí para entrar.

Alfredo Webmaster

 

Discografía de Eva Cassidy

 

 


 

 

¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

Jueves, a 19 de Mayo de 2011

Esperanza Fernández

Esperanza Fernández

Estrella Morente

Estrella Morente

 

Para nuestro disfrute, incluí en la Gramola siete canciones en las que se entremezclan, de alguna forma y manera, el jazz y el flamenco. Las siete canciones son poderosas y sentidas, llenas de fuerza, intensas... y son:

Estrella Morente: "Alcazaba" (media granaína). Estrella es una cantaora granaína (Gde ranada), hija del gran maestro del flamenco, recientemente fallecido, Enrique Morente y de la bailaora Aurora Carbonell; sus tíos fueron Antonio y José Carbonell, cantaor y guitarrista. Criada en un ambiente flamenco y rodeada de artistas desde su nacimiento, lleva el ritmo y la fuerza en las venas. De ella dijo Carmen Linares: "Esta niña nos va a retirar a todos". La canción "Alcazaba" es hermosísima, llena de matices, buena letra... y mejor 'alma'.

Estrella Morente: "A qué niegas el delirio" (malagueña). Otra  magnífica canción de Estrella, con la misma intensidad y pasióm.

Bebo Valdes & Diego El Cigala: "Inolvidable". Canción incluida en el disco del mismo título, una de las mejores obras musicales de los últimos años, un compendio de saber  y hacer en el flamenco y el jazz, con un Bebo al piano increíblemente perfecto en técnica  jazzistica e inspiración, y un Diego con la voz más poderosa y flamenca.

Bebo Valdes & Diego El Cigala: "Lágrimas negras". La canción más famosa de Matamoros, con el piano y la voz de Bebo y Diego.

Bebo Valdes & Diego El Cigala: "Veinte años". Memorable actuación de los dos, de Bebo y Diego.

Bebo Valdes & Diego El Cigala: "Corazón loco". Un bolero de aires jazzisticos, que es mucho más que un bolero.

Jazz viene del Sur: "De ti y mí". En este caso, la voz pertenece a otra de las grandes cantaoras del flamenco: Esperanza Fernández, que nos demuestra en este tema la maravillosa mezcolanza que se puede establecer entre flamenco y jazz cuando prima la calidad y el buen gusto. La canción es soberbia, de inconmensurable belleza estética y formal, con un piano preciso y justo en sus entradas, actuando más como contrapunto sonoro para acentuar la calidad de la voz que como solista.

Frases célebres dichas sobre el jazz y el flamenco

En el jazz hay que pensar, en el flamenco no”: Paco de Lucia

La música flamenca que no tiene sonidos negros no tiene pellizco”: Manuel Torre

El flamenco, el blues o el jazz hay que verlo. Cuando lo sientes entonces lo ves. Si no tienes la suerte de tener ese ojo que ve eso, que es el tercer ojo del alma, no te enteras”: Manuel Molino

Algo de historia

El origen de la música gitana española y el jazz americano viene marcado por períodos trágicos de la historia, etapas llenas de persecuciones, menosprecios y falta de respeto por las diferencias.

El flamenco nace con los primeros gitanos, en el anonimato y el silencio de sus estructuras tribales, lejos de la cultura más internacional; de allí, de ese alejamiento de las músicas más “españolas”, pasó a mezclarse con la música popular andaluza en una síntesis muy 'sui géneris'. Aun así, después de la unión, el sonido y las formas del primitivo flamenco estaban muy vinculadas a las clases más humildes.

Con el paso de los años, a fuerza de ser usada como sonido habitual para animar fiestas y saraos de las clases altas andaluzas y madrileñas, empezó a penetrar entre el resto de la población española, hasta llegar a ser considerada la música de la España más cañí y popular.

Por su parte, al otro lado del océano, con la llegada de los negros a Nueva Orleans también llegó el blues, la base sonora del jazz, en un proceso de asimilación de sus culturas, mezcladas con los ritmos criollos hasta desembocar en la creación del estilo new-orleans, el primitivo jazz.

Por tanto, el flamenco y el jazz tienen una marcada influencia de la propia raza que las creó, los gitanos y los negros, dos culturas muy vilipendiadas en sus orígenes pero con una fuerte personalidad.

"El flamenco es como nuestro blues", declaró Miles Davis cuando grababa el disco "Sketches of Spain".

Un detalle importante: es más apropiado hablar de jazz-flamenco que de flamenco-jazz, y esto es así debido a que los intérpretes de jazz siempre han sido más innovadores en la búsqueda de nuevos caminos para sus sonidos de lo que lo han sido los del flamenco, más anclados en los valores y sonidos tradicionales.

En el año 1977 Al Di Meola y Paco de Lucía colaboraron en el "Olé" de John Coltrane, otro de los discos grandes de esta mezcla de géneros musicales.

El disco "Soleá", publicado en el año 1993, es una recopilación realizada en Alemania en la que se entremezclan piezas de jazz-flamenco con los cantes tradicionales de Camarón y Morente. Entre los temas más famosos de ese disco cito el tándem formado por Miles Davis en compañía de Gil Evans, a la Modern Jazz Quartet haciendo "El concierto de Aranjuez" o a Chick Corea con su "Spanish fantasy".

Es tanta la importancia que está adquiriendo el buen flamenco (en algunos casos en combinación con el jazz) que el mejor periódico de España, El País, editó remasterizados en formato libro-CD , los 22 discos de Camarón de la Isla, otro de los monstruos del cante, colección que tengo completa y a buen recaudo, como una joya. Y no hace mucho tiempo, quizá 4 o 5 años, publicaron otra colección de libros-CD dedicados a otros intérpretes de renombre y prestigio, como Paco de Lucia, Manolo Caracol, Ketama, Niña Pastori, José Mercé, Enrique Morente, Vicente Amigo, Tomatito, Carmen Linares, Pata Negra, José Menese, El Lebrijano, La Macanita, etc.

Para el recuerdo, mientras escribo este post, estoy escuchando a Miguel Poveda: sin palabras.

Alfredo Webmaster


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Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

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Viernes, a 29 de Abril de 2011

 

PaoloAvvocato” Conte (Asti, Italia, 1937- ) es uno de los últimos representantes vivos de la mejor música de los decadentes cafés-cantantes, entremezclada con los potentísimos ritmos jazzísticos de las mejores bandas de swing. Sus canciones nacen enraizadas en la historia musical europea (francesa, italiana y española), acompañada de la influencia de la americana: “Mi inspiración es francesa, americana, española, latina y napolitana, aunque realmente es algo secreto para mí. Realmente no sé cómo entra en mi casa, ya que no acostumbra a llamar y viene por rachas, aunque siempre procuro que me visite cuando estoy sentado frente al piano

Paolo nació en el seno de familia que por generaciones ejerció la abogacía. De joven tuvo que convivir con la II Guerra Mundial, etapa que pasó en la granja de su abuelo, lo que le evitó soportar las partes más dolorosas de la contienda. Allí, en un entorno campestre y popular, pero profundamente marcado por el amor a la música, aprendió a tocar el piano, instrumento del que es un virtuoso. Terminada la guerra, estudió derecho y llegó a ejercer de litigante.

En un momento determinado de su vida decidió, ¡afortunadamente para nosotros!, dejar los tribunales y dar rienda suelta a su desbordante amor por la canción.

Además de su faceta musical, Paolo Conte es un apreciado pintor y poeta, algo que deja entrever en las letras de sus canciones.

Los conciertos de este italiano, ya inmortal, son una experiencia única por su profesionalidad, su capacidad para transmitir su innata alegría, la pulcritud con la que trabaja, la elegancia de sus formas y por la intensidad emocional que transmite en cada pulsación.

Si no habéis tenido ocasión de verlo en directo, desgraciadamente, yo sólo lo vi una vez, hacedlo cuanto antes, así sea en disco: disfrutad de su calidez, de su maravillosa voz rasgada y de esas canciones que nos transmiten la esencia mediterránea (europea y norteafricana) mezclada con la alegría latina y el regusto a los sonidos cabareteros.

Y si no tenéis ocasión de verlo en directo o tener sus discos, disfrutad con la música que hoy incluyo en la Gramola. Deleitaros con su “Max”, su “Via con Me”, “Elisir”, “Azzurro” (canción que hizo famoso a Adriano Celentano, versionándola), “Gelato al limon”, “Sotto le Stelle del Jazz”, “Colleghi Trascurati”, “Hemingway” o su “Quadrille”… todas memorables, todas únicas. Todas Paolo Conte.

Alfredo Webmaster

 

"Azzurro", de Paolo Conte

 

"Via con me", de Paolo Conte

 

"Sotto le stelle del jazz", de Paolo Conte

 

Canciones que podéis escuchar en la Gramola

1.       Via con Me

2.       Sotto le Stelle del Jazz

3.       Elisir

4.       Boogie

5.       Sparring Partner

6.       Come Di

7.       Azzurro

8.       Gelato Al Limon

9.       Happy Feet

10.     Gli Impermeabili

11.     Max

12.     Gong-Oh

13.     Colleghi Trascurati

14.     Bartali

15.     Alle Prese con Una Verde Milonga

16.     Dragon

17.     Hemingway

18.     Ho Ballato Di Tutto

19.     Quadrille

20.     Genova Per Noi


¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.
 
 
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Martes, a 26 de Abril de 2011

El disco del que hablaré hoy: “Posromanticismo mexicano – Antología de obras para voz y piano”, está interpretado por la soprano Verónica Murúa y el acompañamiento de los pianistas Arturo Uruchurtu, Ángel Rodríguez y Ninowska Fernández-Brito. La grabación es el mejor exponente de que la música de México de finales del siglo XIX y principios del XX, es mucho más que los corridos o los jarabes, las músicas más tradicionales y conocidas.

La música, como la historia mexicana, vivió un tumultuoso tránsito entre el dominio de España y su influencia cultural, la lucha por la independencia, la independiencia propiamente dicha y el triunfo de la revolución; los ritmos de esas épocas fueron el reflejo de los cambios de un estado dependiente a uno libre, con una evolución y riqueza musical explosiva.

El jarabe tapatío, originario de Jalisco, y sus mariachis, o los corridos populares de corte amoroso, revolucionarios o de narración de hechos históricos con verso asonantado, son la punta del iceberg de una realidad musical extremadamente rica y variada, desgraciadamente desconocida para la mayoría de nosotros.

Obviamente, desde la perspectiva de un español que poco más conocía de la música mexicana que los corridos y los marichis o las canciones que le cantaba Milagros cuando era niño, compositores como Ángela Peralta, Miguel Planas, Salvador Pérez, Julio M. Morales, María Garfias, Gustavo E. Campa, Melesio Morales, Miguel Lerdo de Tejada, María Fajardo o Emilio de Nicolás eran auténticos desconocidos.

Afortunadamente, el disco del que estoy hablando viene a cubrir las carencias que tenemos sobre la evolución de la música culta en México en su estilo más clásico y formal. Como se podrá observar, la música está muy influenciada por las escuelas italiana, española o francesa, pero bajo el crisol de la mexicanidad adquiere un tinte propio y único. Hermoso, desde luego.

Además, al coincidir su publicación con las celebraciones del Bicentenario de la Independencia de España y el Centenario de la Revolución, este disco es una magnífica oportunidad para dar a conocer el gran legado cultural del país, potenciar el concepto patrio y poner en valor a los compositores mexicanos menos conocidos entre el gran público.

Las canciones incluidas en la Gramola, en el apartado “Posromanticismo mexicano”, son:

1. La ausencia, de Octaviano Valle

2. Guardami!, de Nemesio Morales

3. Ah! Vieni a me!, de Nemesio Morales

4. Io t’ameró, de Ángela Peralta

5. Les larmes, de Ángela Peralta

6. Canto de la tórtola, de Julio Ituarte

7. No te olvido, de María Garfías

8. A toute âme qui pleura, de Gustavo E. Campa

9. A la bien aimée, de Gustavo E. Campa

10. Sur les ondes, de Gustavo E. Campa

11. Berceuse, de Gustavo E. Campa

12. La Marguerite, de Gustavo E. Campa

13. Serénade humoristique, de Gustavo E. Campa

14. Je t’aime, de Gustavo E. Campa

15. Souvenir, de Gustavo E. Campa

16. Rocío, canción de cuna, de Julio M. Morales

17. Les larmes, de Ricardo Castro

18. Je t’aime, de Ricardo Castro

19. Le secret, de Ricardo Castro

20. Violetas, de Miguel Lerdo de Tejada

21. Amar y sufrir, de Luis G. Jordá

22. Ausencia, de Salvador Pérez

23. Estrellas y margaritas, de Francisco Nava

24. Los besos que te di!, de María Fajardo

25. Fugaz, de Arnulfo Miramontes

26. Alado y breve primor, de Arnulfo Miramontes

27. Secreto eterno, de José Perches Enríquez

28. Musmé, de Emilio de Nicolás

Este magnífico trabajo de recopilación es fruto del esfuerzo que realizó la soprano mexicana Verónica Murúa. En la grabación contó con participan de Ninowska Fernández-Brito, Angel Rodríguez y Arturo Uruchurtu.

La cuidadísima edición incluye, además de dos CD's, un libreto con un completísimo trabajo de investigación de Verónica Murúa, un brillante repaso sobre la historia musical de México, la influencia de los legados españoles y criollos, y la evolución de la composición posromántica. También incluye las partituras de todas las obras en formato digital y archivos midi imprimibles. En resumen: una excepcional aportación al conocimiento de unas obras que, desgraciadamente, no conocía.

Verónica Murúa es una joven y excelente soprano, con una hermosa y bien timbrada voz, y depurada técnica. Todas las canciones que interpreta, hermosas, dulces, románticas, dejan entrever su capacidad para la escena y su larga experiencia en actuaciones en directo, ya sea en festivales, interpretando óperas o conciertos. Debutó en el año 2006 en el Carnegie Hall de Nueva York, bajo la dirección de Piero Romano. Realizó estudios en la Escuela Nacional de Música, en la Manhattan School of Music y la Universidad de Ilinois. Ganadora en los concursos de canto Carlo Morelli y Francisco Araiza. Participó en el Festival de Música Nueva de La Habana, el Festival de Música en Escena, el Festival de Música de Chihuahua, Festival Alfonso Ortiz Tirado, Festival de México en el Centro Histórico, Festival de Zacatecas. Además de su faceta profesional como soprano, Verónica es profesora titular en la Escuela Nacional de Música, UNAM (Universidad Nacional de México).

Datos de la grabación:

- Título del disco: “Posromanticismo mexicano – Antología de obras para voz y piano

- Grabación: Sala Xochipilli de la Escuela Nacional de Música, UNAM

- Fecha: octubre 2008 – enero 2009

- Número discos: 2 (el 2º incluyendo partituras imprimibles y midis)

- Referencia: VMK 102207 DGAPA

- ISBN: 978-6074-02-0723-5

Alfredo Webmaster



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Miércoles, a 8 de Diciembre de 2010

En el año 1954, en la ciudad de Thompson (Georgia, USA), nació. y vivió sus primeros años, una de las mejores intérpretes de R&B y soul de la historia: Millie Jackson.

Con 14 años se mudó a Newark (Nueva Jersey) para vivir con su padre. En su nueva casa empezó a escuchar la música de Otis Redding, Sam Cooke o O'Jays, sus primeras influencias en el sonido más puro de la negritud yanqui.

Su primera actuación en directo fue en el mítico Smalls Paradise cantando una canción de Ben E. King: “Don't Play No More”. Fue contratada para dos conciertos más, actuaciones que nunca llegó a cobrar. En una de ellas tuvo la suerte de que la viera en directo Tony Rice, un famoso interprete y compositor de música country y bluegrass, quién, por cierto, también me encanta.

Inmediatamente la contrató y la llevo a actuar a Hoboken, en Nueva Jersey y, posteriormente, a Brooklyn en Nueva York.

Su primer, pequeño, éxito fue una canción publicada en single en 1971, titulada "A Child of God (It's Hard to Believe)", algo así como “Un hijo de Dios (es difícil de creer)”. Por el título se podría pensar que se trata de una canción religiosa: nada que ver, todo lo contrario.

Por el cargado erotismo que emanaba esa canción, el single fue retirado de la venta por la discográfica, pero no por ello dejo de ser conocida y reconocida: llego al puesto 22 en el Top R&B, algo impensable para una cantante novel a la que su compañía había dado la espalda.

En 1972 llegó su primer éxito importante: ocupó el primer puesto en el Top R&B con "Ask Me What You Want" (“Pregúnteme lo que usted quiera”). Y con el éxito llegaron las actuaciones en directo en clubes nocturnos y en radios especializadas en su estilo musical. Y llegó otro nuevo éxito a finales de ese mismo año, con "My Man, A Sweet Man" (“Mi hombre, un hombre dulce”).

En 1973, de la mano del productor Brad Shapiro, consiguió que una de las canciones de su Lp "Hurts So Good" (“Dañas tan bien”) fue incluida en la banda sonora de la primera película hecha por y para un público eminentemente afroamericano: Cleopatra Jones, con la rotunda Tamara Dobson en su papel principal.

En 1975 publicó el Lp más importante de su carrera, que hoy incluyo en la Gramola, titulado “Still cought up”, un hito de la música por muchos motivos: el primer disco editado en el mundo con aires de hip hop y fraseos de rap, con canciones que incluían textos de marcado erotismo y sexualidad, con momentos que podríamos calificar, incluso, de obscenos. Pero al público, entre quien me incluyo, le entusiasmo su estilo desenfadado y libre, un nuevo concepto de ver el sonido totalmente alejado del conservadurismo del hombre blanco norteamericano.

Por este trabajo recibió dos nominaciones a los Grammy’s: no los ganó por el exacerbado puritanismo de los jueces que concedían los premios, pero a cambio se ganó el aplauso de los críticos y del público, que la consideró a partir de ese momento una de las más importantes, innovadoras e influyentes cantantes de R&B.

En los años siguientes siguió editando discos y más discos, todos con su poderosa presencia vocal y física, Lp’s llenos de fuerza y carisma. También grabó discos en compañía de gentes como Merle Haggard, Isaac Hayes o Elton John.

Tiene más facetas artísticas y culturales: ha escrito una obra para teatro, “Young Man, Older Woman", con gran éxito de público en EEUU, y mantiene un programa de radio de enorme influencia.

Pese a que nunca estudió canto, su poderoso registro vocal está muy influenciado por el estilo de interpretar de una de las cantantes más admiradas por Millie: Gladys Knight.

Poco más puedo decir del disco que hoy incluyo en la Gramola: todo él es soberbio, brillante, apabullante, lleno de fuerza y dinamismo, de pasión desbordante y textos rompedores, con momentos de prodigiosos fraseos y picantes conversaciones entrelazadas (especialmente sublime es escuchar la musicalidad de la voz femenina de una de las cantantes del coro, que podréis disfrutar a partir del segundo 45 en la canción “Leftovers” o los últimos compases de la canción “I Still love you ‘yoy still love me’”, con la que se cierra el disco).

Llegué a ella en el año 1976, por medio de una cassette de cinta de aquellas que algunos/as aún recordaréis. Su música me entusiasmó tanto, tanto, que la escuchaba horas y horas en el ático de la casa de mis padres, con la luz apagada, o en el coche mientras circulaba. Aún hoy, después de tantos años, cuando la oigo en mi equipo de sonido a todo volumen, me sigue pareciendo tan fresca y moderna como hace 35 años; la sigo considerando un hito de la música, la mujer con la que se inició un nuevo mundo sonoro y de expresión, de ruptura con el conservadurismos musical de los años previos a ella, a Millie Jackson.

Las fotos que acompañan este post, todas ellas de su etapa más rompedora, son un reflejo de su carácter y forma de expresarse en público. También incluyo vídeos con algunas de sus canciones. De uno de ellos, el titulado “Fuck You symphony” (“Jódale sinfonía”, en español), decir que es una canción con un solo verso que en el que susurra, repitiéndolo sin cesar, “Fuck you”, “Fuck you”, “Fuck you”…

Alfredo Webmaster

 

Carátula del discoStill cought up” (portada)

 

Carátula del discoStill cought up” (contraportada)

 

Millie Jackson -Still cought up” (lista de canciones)

1. Loving Arms

2. Making The Best Of A Bad Situation

3. The Memory Of A Wife

4. Tell Her It’s Over

5. Do What Makes You Satisfied

6. You Can’t Stand The Thought Of Another Man Loving Me

7. Leftovers

8. I Still Love You (You Still Love Me)

 

Millie Jackson - "Fuck you symphony"

 

Millie Jackson: "I Had To Say It" (Live)

 

Millie Jackson - "All The Way Lover"

 

Millie Jackson - "You Can't Stand The Thought Of Another Man Loving Me"

 

Millie Jackson - "The Memory of a wife"

 


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Sábado, a 20 de Noviembre de 2010

Milagros, "Milagriños", y Ana

Tuve la enorme suerte de tener dos madres: mi madre biológica, Carmen, y mi otra madre, Milagros.

Cuando yo nací, el día 28 de septiembre de hace miles de años, hacía poquísimos días que había muerto Farruco, el marido de Milagros.

Farruco, marinero de un barco de pesca de bajura, desapareció bajos las aguas del Atlántico mientras faenaba frente a la Marola, una isla situada entre las rías de Ferrol, Pontedeume, Betanzos y Coruña, una zona famosa por sus corrientes y grandes oleajes. La bravura y dificultad de la zona hizo famosa la frase “"o que pasou a Marola, cruzou a mar toda" (en español: “el que pasó la Marola, cruzó la mar toda”).

Farruco era el único apoyo sentimental que tenía Milagros. No tenían hijos ni hermanos ni otra familia conocida, salvo un sobrino. Bueno, si tenía alguien más: mi familia, para quien trabajaba como cocinera y en las labores de la casa desde hacía muchos años.

Al nacer yo, después de la muerte de Farruco, fue como si apareciera en su vida ese hijo que nunca tuvo, esa personita en la que depositar el amor inmenso que tenía en su corazón, esa bondad infinita que siempre, siempre, atesoró en su interior. Fui el hijo que necesitaba, el necesario soporte para soportar (valga la redundancia) la ausencia de su compañero sentimental.

En su infinita bondad, infinita sin duda, mi nacimiento fue una esperanza y una ilusión que llenó su vida. Y en mi vida, en mí, se volcó en cuerpo y alma, con absoluta dedicación, con todo el tiempo disponible, con todo el (buen) ánimo, con todo el amor que llevaba dentro sin poder entregar. Y trató de hacerme feliz. Y lo consiguió.

Para ella, yo era el niño más guapo del mundo, el niño más listo del mundo, el más rubio del mundo, el más alto del mundo, el más fuerte del mundo, el que mejor cantaba del mundo, el más rápido del mundo… Para ella yo era su mundo, su único mundo.

Recuerdo cómo me despertaba Milagros todas las mañanas de mi infancia y juventud: como entraba con sumo cuidado en mi habitación, como se sentaba al borde de la cama, como me acariciaba mi cara, como me decía “levántate” y como cantaba sus canciones, canciones antiguas, canciones hermosas, canciones siempre tiernas, dulces, suaves… recuerdo como me cantaba, con su magnífica voz, “Cielito lindo” mientras acariciaba el lunar que yo también tengo junto a la boca, o como me felicitaba por mi cumpleaños mientras entonaba “Las mañanitas” y me hacía creer que yo era como el Rey David, o me animaba a levantarme de la cama para ir al colegio con los versos del “Alevántate”, o me hablaba del desayuno que ya me tenía preparado mientras tarareaba “La flor de la canela”, o me apuraba para que no llegara tarde a clase mientras me hacía cantar con ella el “Cucurrucucu paloma… Recuerdo como me cantaba antiguas canciones de una Galicia que ya desapareció, canciones que nunca más volví a oí cantar.

Cuando nació mi hija Ana, Milagros ya era muy mayor: tenía casi 82 años. Era muy mayor y estaba profundamente envejecida por la edad y, sobre todo, por los muchos trabajos y sufrimientos que llevaba acumulados en su cuerpo, en sus huesos. Cuando hablaba de su juventud, de sus primeros años de vida, me contaba sobre lo pobre que había sido su familia, lo mucho que había tenido que trabajar transportando sobre su cabeza sellas* de agua para los ‘señoritos’, como ella llamaba a dueños de la casas para las que había trabajado como sirvienta, en una época de España en la que aún no existía el servicio universal de agua canalizada. Me contaba cómo le gustaba ir a los bailes y cantar en las rondallas, cómo disfrutaba de la compañía de su Farruco… cómo era feliz en esos momentos, y lo poco duraban.

Cuando Ana nació, Milagros fue feliz: la cogía en el colo (expresión gallega que significa “coger en sus brazos”), le daba infinitos besos y le cantaba canciones, las mismas que me había cantado a mi, pero ahora rotas por la edad; la achuchaba entre débiles brazos y la miraba con ojos tiernos y puros, como sólo ella tenía… y la miraba y la miraba y la miraba y la volvía a mirar con los mismos ojos que antes, muchos años antes, me habían mirado a mi.

De esas épocas sigo guardando en mi corazón las músicas que mamé en mi infancia, en mi juventud, en mi madurez… las mismas que también mamó Ana en los pocos meses que convivió con ella.

Aún ahora, después de tanto tiempo y tantas vicisitudes, cuando escucho “Las mañanitas” o “Cielito lindo” pienso en ella, en Milagros, en mí Milagriños… y me vienen a los ojos las lágrimas de la añoranza y tristeza que me produce el recuerdo de lo mucho que me amó y lo poco que supe apreciar, en aquella época, el cariño que tan desinteresadamente me entregó.

De esa etapa de mi vida, en su recuerdo, os propongo escuchéis en la Gramola a Pedro Infante. Sé que son canciones que todos conocéis, pero aún así vale la pena que las rememoremos… así sea como recuerdo hacia Milagros.

Alfredo Webmaster

Nota *- Sella: en Galicia, vasija de madera de forma cóncava, normalmente de castaño o teka, con tapa, aros y asas de bronce, que se usaba antiguamente para el transporte del agua; tenía la facultad de mantenerla muy fresca y cristalina.

 

 

 

Pedro Infante: “Cielito lindo

 

Pedro Infante: “Las mañanitas

 

Pedro Infante: “Mañanitas tapatías

 

Pedro Infante: “Golondrina de ojos negros

 

Pedro Infante: “Serenata sin luna

 

Pedro Infante: “Alevántate

 

Pedro Infante: “En tu día

 

Pedro Infante: “Serenata de amor

 

Pedro Infante: “Serenata tapatía

 

Pedro Infante: “Amorcito de mi vida

 

Pedro Infante: “Las otras mañanitas

 

Pedro Infante: “Las golondrinas

 


 

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Lunes, a 8 de Noviembre de 2010

Un buen día hace muchos años, mientras buscaba el CD de un artista en una tienda de música de Santiago de Compostela, me topé por sorpresa con un disco de Ben Harper. Le pedí al vendedor que me lo dejara escuchar: eran baladas algo lentas, pero con una musicalidad y belleza que me llamó poderosísimamente la atención.

Con el regusto del retumbar en mis oídos de aquel nuevo sonido y un apetito desmedido por localizar más datos y referencia, empecé a indagar… y poco a poco fui comprando sus discos hasta completar, creo, toda su discografía.

Cuando se nace en el seno de una familia multiétnica (abuela paterna medio negra y medio india cherokee; bisabuela paterna judeolituana; padre afroamericano y madre blanca) y tus padres y abuelos son músicos (la madre cantaba y tocaba la guitarra; su padre era percusionista y regentaba una tiene de instrumentos y discos; sus abuelos maternos tienen, desde 1958, una especie de museo de instrumentos de música folk en Claremont –California- que sigue abierto en la actualidad;), sólo tienes una salida en la vida: ser un músico con una admirable capacidad para fusionar estilos sonoros.

Así es Ben Harper (Pomona, California, 28 de octubre de 1969), un artista indefinible capaz de fusionar los sonidos más puros de la música popular con estilos diametralmente opuestos; un artista capaz de conseguir un estilo perfectamente reconocible al que podríamos llamar ‘sonido Harper’. Además, es un excelente letrista con una gran sensibilidad para tocar temas de actualidad como la paz, el medio ambiente o las políticas sociales y reivindicativas más progresistas (su música se utilizó en los mítines de Barack Obama).

Ben Harper creció escuchando en su casa música folfk, soul, gospel, jazz, blues, country, r&b, reggae, rap y hip hop, en las voces e instrumentos de gentes como Hootie & The Blowfish, Bob Marley, Jeff Buckley, Robert Johnson, Nirvana, David Lindley, Chris Darrow, Pink Floyd, Pearl Jam, Jimi Hendrix, Led Zeppelin o Blues Traveler.

Su música tiene una enorme carga de energía, potencia y excelentes sonidos: puros, cristalinos, con aires soulseros, tintes rockandrolleros, reminiscencias countrys y aroma al mejor Lynyrd Skynyrd sesentero.

Es un gran instrumentista: entre otros, Harper toca magistralmente la guitarra, el piano y la percusión, pero es con su inseparable Weissenborn (una guitarra "lap steel" hawaiiana enteramente hecha de madera de mástil hueco), que el músico toca sentado, cuando es capaz de sacar lo mejor de lo mejor que lleva dentro… y lleva mucho.

Ben Harper empezó su carrera en 1993 cuando, tras firmar un contrato con la Virgin Records, publicó su primer álbum: “Welcome to the cruel World”, una joya y quizá el mejor de todos sus discos.

Además de los 10 discos que lleva publicados en solitario, Ben Harper tiene 6 más en compañía de The Innocent Criminals, una excelente banda de 5 músicos de primerísimo nivel, y 5 con The Blind Boys of Alabama, un grupo de gospel fundado en 1939 en el Alabama Institute for the Negro Blind (Instituto de Alabama por el Negro Ciego) con el que graba algún disco.

Pese a que su música es, como decía al principio, una mezcla de estilos y ritmos, sus mejores composiciones sigue siendo las que tienen aire de balada: su voz cálida (a la par que poderosa), sensible, la inclusión de instrumentos de cuerda (violines, chelo, contrabajo, etc.) y las letras de sus canciones, llenas de misterios y emoción, hacen que este tipo de canciones te lleguen al alma. Temas como "Picture in a frame", "Reason to mourn", "Happy everafter in your eyes", "Power of the gospel" o "I'll rise", son auténticas obras maestras de la música.

Ben Harper es, sin lugar a dudas, uno de los mejores músicos de la actualidad, una persona humilde, discreta, comprometida y sincera, algo fuera de lo común en el mundo de la farándula, toda ella llena de pomposa vacuidad.

Incluí en la Gramola 53 canciones seleccionadas entre sus distintos discos: disfrutadlas.

Alfredo Webmaster

 

Ben Harper: "Happy Everafter In Your Eyes" (live)

 

Ben Harper: "Power of The Gospel"

 

Ben Harper: "Morning Yearning"

 

Ben Harper: "Picture In A Frame" (acoustic Mod Club)

 

Ben Harper: "I'll rise"

 

Ben Harper & Jack Johnson: "Please Me Like You Want To"

 

Ben Harper & Bonnaroo: "Burn One Down"

 



 

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Jueves, a 9 de Septiembre de 2010

k. d. Lang en compañía de Tony Bennett

Poseedora de una de las mejores voces del mundo, k. d. lang (se escribe así, en minúsculas), es una cantante canadiense capaz de viajar entre los ritmos pop/rock, contemporary country, alt-country, alternative/indie rock, contemporary singer o songwriter con total soltura y maestría.

Ganadora de cuatro premios Grammy, k. d. lang es el prototipo de la artista comprometida en todo tipo de batallas, sea por la causa que sea. Es proverbial su capacidad para meterse en todos los “charcos”, como cuando en el año 1992 salió del armario y se declaró lesbiana, con el consiguiente escándalo al ser la primera mujer famosa que lo decía abiertamente.

k. d. lang nació en Edmonton (Canadá) el 2 de noviembre de 1961. A los pocos años sus padres se trasladaron a Consort, un pequeñísimo pueblo de poco más de 600 habitantes en una zona de hermosos valles y extensas praderas.

La música fue, desde el día de su nacimiento, parte de su vida. Sus padres, además de sus trabajos habituales, tocaban varios instrumentos: la música inundaba todos los rincones de la casa.

Sus primeros ídolos fueron Patsy Cline (Winchester, Virginia, USA, 8 de septiembre de 1932 - Camden, Tennessee, USA, 5 de marzo de 1963) y Peggy Lee (Jamestown, Dakota del Norte, USA, 26 de mayo de 1920  – Los Ángeles, California, USA, 21 de enero de 2002), dos de las más famosas cantantes de country y jazz de todos los tiempos.

k. d. land, poseedora desde bien pequeña de un registro inigualable y una impecable e innata técnica, ganó su primer concurso de canto a los seis años, a la misma edad en la que descubrió que le atraían más las niñas que los niños. "Tenía una vocación absoluta y por esa razón nunca presté gran atención a mis estudios en el colegio. Lo suspendía todo, incluso mi diploma del instituto. Estudiaba piano clásico y me las arreglaba para ir aprobando con la nota justa. Mis hermanos eran excelentes, pero yo no soportaba la teoría y las matemáticas, así que mi profesor me animó a intentar vivir del canto".

A los nueve años su padre le regaló una moto, le enseñó a disparar y la empezó a tratar más como un hijo que como una hija. Además, los largos inviernos canadienses, el trabajo duro en el campo y su afición por los caballos, no ayudó mucho a que brotara la vena femenina de k. d. lang.

Sus tres primeros discos, “A Truly Western Experience”, “Angel With a Lariat” y “Absolute Torch and Twang”, grabados con su primera banda, “The Reclines”, son un compendio de hermosas canciones de aire country, influencias del rock, punk e incluso de la new wave.

Su primer éxito no surgió de uno de sus primeros trabajos personales, sino de la revisión que hizo Roy Orbison de su famosísima canción “Crying”. Gracias a este trabajo de colaboración, en el que k. d. lang hacía dueto con Roy, le sirvió para darse a conocer de forma popular y alcanzar una notoriedad muy importante.

Después de esos tres primeros trabajos y la colaboración con Roy, editó discos tan brillantes como “Shadowland” o “Ingénue”.

Ingénue” incluía dos canciones, “Constant Craving” y “Miss Chatelaine”, con las que ganó dos Grammy. En el vídeo que acompaña a la segunda de las composiciones, una canción con reminiscencias de salsa y letra muy irónica, podemos ver a una k. d. lang exageradamente femenina, algo que contrasta con su habitual aire masculinizado.

En el año 2002 publicó un maravilloso disco a dúo con el magnífico Tony Bennett (uno de mis discos y cantantes de cabecera). Con este trabajo obtuvo un Grammy más, concedido al mejor disco de pop tradicional.

Compuso bandas sonoras para filmes, como “Even Cowgirls Get The Blues”, película dirigida por Gus Van Sant y protagonizada por Uma Thurman.

En 1991 k. d. lang participó como actriz en “Salmonberries”, un filme dirigido por Percy Adlon, en el que interpreta a una mujer de aspecto andrógino que trabaja como minero en Alaska, haciéndose pasar por hombre, mientras busca su identidad sexual.

También participó en el fime “Eye of the Beholder”, de Stephan Elliott, con a Ewan McGregor y Ashley Judd, y tuvo pequeñas apariciones en “The black dalia”, “Dharma & Grez” o en la serie “Ellen”, en el capítulo en el que Ellen DeGeneres sale del armario y se declara lesbiana.

En la Gramola tenéis a vuestra disposición una selección de algunas de sus canciones más conocidas, elegidas por mi entre su amplia discografía. Escuchándolas podréis hacer un recorrido por su música, su forma de cantar y su capacidad para transmitir sentimientos... es k. d. lang.

Alfredo Webmaster

 

k. d. lang sings: "Hallelujah"


k. d. lang: "Crying"


Versión original de Roy Orbison con k. d. lang: "Crying"


k. d. lang: "Miss Chatelaine"

 

 


k. d. lang: "Helpless


k.d. lang: "Constant craving"


k. d. lang & Melissa Etheridge: "You can sleep while i drive"


k.d. lang & Tony Bennett: "Because of you"

 



¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Villancicos y danzas criollas.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola se posicionará en el cantante o grupo que habéis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que seleccioné.

 

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Sábado, a 21 de Agosto de 2010

Quizá la culpa es de los años, que van pasando y pasando, o, quizá, de que los recuerdos del pasado son (o nos parecen) mejores que la vida que estamos viviendo, pero hoy me levanté con el sonido de una voz y el chasquido de las cuerdas de una guitarra: hoy me levanté tarareando una canción de Enrique Urquijo y Los Secretos.

Recuerdo como si fuera hoy aquella mañana del 17 de noviembre de 1999, un día de cielo cubierto, plomizo, pesado, sentando en la sala de espera del aeropuerto de Barajas con un portátil en las rodillas y trabajando en un informe. Estaba allí esperando la salida de un vuelo de Iberia con dirección a Panamá.

En ese momento, más o menos a las 11 de la mañana, el televisor de la sala de espera del aeropuerto dio la noticia de la muerte de Enrique: lo habían encontrado en un portal del barrio de Malasaña (Madrid), roto y desmadejado por una sobredosis de heroína.

Aquél hombre de 39 años, que a veces parecía un niño, propietario del corazón más grande y de la fuerza de voluntad más pequeña, no había sido capaz de superar su larga adicción a las drogas. Ni su hija Maria ni su compañera sentimental Pía, lo habían conseguido arrancar de las garras de la autodestrucción.

Oí la noticia pero no la podía creer: no era posible que el autor de la banda sonora de mi vida me abandonara sin cantarme su última canción…

Dicen, se dice, que los hombres no lloramos. Pienso que o bien no soy hombre o en ciertas ocasiones dejo de serlo: yo he llorado y aún lloro cuando algo me conmueve o me emociona, y la muerte de Enrique me emocionó profundamente. Me emocionó tanto, que tuve que irme al baño del aeropuerto para no sentir las miradas de la gente de mi alrededor.

Su muerte fue la pérdida de una parte de mi pasado, de los rescoldos de la juventud que no volverá, la desaparición de los primeros años de madurez, de los sonidos de los guateques, de las audiciones privadas y no tan privadas de música a todo volumen, de los conciertos de Los Secretos en la Plaza Mayor de Madrid, en el 97, o el de la Sala Galileo del 99 (la última vez que le vi en directo).

Su pérdida fue la pérdida del poeta de los fracasos, el trovador de las derrotas, el cantor de las miserias de la vida, el campeón de la tristeza, el rey de la cruda realidad, el señor de los lamentos.

Su desaparición significó que ya nada iba a ser igual, que ya nadie me iba a decir que su ánimo era el mismo que el mío. Nadie volvería a expresar como él que su pena era mi pena. Su pérdida significó, también para mí, que “nunca he sentido igual una derrota…”.

Sé que nunca le pude dar personalmente las gracias por todo lo me ayudó con su música, pero hoy quiero hacerle el homenaje que nunca le hice, y mientras escucho su música siento que su presencia me ayuda a enjugar alguna tristeza de la vida, algunas pérdidas irreparables, algunas personas que vienen y van, que entran y salen… hoy siento que sus derrotas también son mis derrotas.

Estés donde estés, ¡gracias, querido Enrique!

Alfredo Webmaster

 

Quiero beber hasta perder el control

Nunca he sentido igual una derrota
que cuando ella me dijo "se acabó".
Nunca creí tener mi vida rota.
Ahora estoy solo y arrastro mi dolor.

Y mientras en la calle está lloviendo,
una tormenta hay en mi corazón.
Dame otra copa: aún estoy sereno.
Quiero beber hasta perder el control.
 
¡Cuántas noches soñé que te besaba
y en mis brazos llorabas por tu error!
Luego, un ruido del bar me despertaba
y el que lloraba entonces era yo.
 
Y mientras ella está con otro tipo,
mis lágrimas se mezclan con alcohol.
Ella se fue. ¿Por qué no me lo dijo?
Y siento que mi vida fracasó.

En homenaje de agradecimiento a Enrique y a la compañía que me hizo toda mi vida, aún ahora me lo hace, hoy incluyo en la Gramola algunas de sus mejores canciones:

  • Quiero beber hasta perder el control: una de las canciones más bellas de Enrique, en la que deja entrever sus miedos y sus dependencias, su necesidad de amar y ser amado.
  • La calle del olvido: una canción de desengaños y traiciones, de arrepentimientos a destiempo.
  • Ojos de gata: otra balada de más y más derrotas, del reconocimiento de que nada es igual pese a que lo veamos distinto. Joaquín Sabina, gran amigo de Enrique, compuso un tema similar en el que él sí triunfa.
  • Hoy no: otra magnífica canción.
  • Cambio de planes: un tema de siempre.
  • Pero a tu lado: una de las canciones de amor más bonita que se han escrito.
  • Agárrate a mí, María: esta canción, con reminiscencias de ranchera, está dedicada a su hija María; en la letra reconoce la necesidad de su ayuda, de su compañía, de su angustia al ver que se le va la vida. Es, sin lugar a dudas, la mejor herencia que le pudo dejar, una arrebatadora canción de amor.
  • Volver a ser un niño: una hermosa canción de ligera alegría
  • Nada más
  • Bailando en el desván
  • Ya me olvidé de ti
  • Puede que algún día: esta canción estaba dedicada pero ya no lo está.

Enrique y su hija María
Enrique y Maria 1
Enrique y Maria 2
 
 
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Martes, a 30 de Marzo de 2010

 

Mapa de la Luisiana (USA)

Distribución geográfica de los cajunes

Típica banda cajún

Violín cajún

Acordeón diatonico

Tabla de lavar o washboards

Cucharillas cajunes

Los cajunes es un grupo étnico localizado en el estado de Luisiana (USA). Descienden de exiliados de la llamada Arcadia (Acadia -sin r- antiguas colonias de Nueva Francia en las tres provincias marítimas de Canadá: Nueva Escocia, Nuevo Brunswick e Isla del Príncipe Eduardo) que tuvieron que huir durante la segunda mitad del siglo XVIII, tras la incorporación de los territorios franceses de Canadá a la corona británica. Allí, en la Luisiana, se unieron a ellos emigrantes españoles, alemanes y franceses, además de los criollos de origen francés, dando lugar a una lengua propia, el cajún, dialecto proveniente del francés y español.

Actualmente, los cajunes son una parte fundamental del sur del estado de Luisiana, donde han influido notablemente en su cultura. Las ciudades de Lafayette y Lake Charles son enclaves fundamentales de los cajunes.

En 1980, después de muchas batallas legales y políticas, fueron reconocidos oficialmente por el gobierno estadounidense como grupo étnico.

La música cajún, también conocida como la "música de las personas alegres", ha ejercido notable influencia y ha dado lugar a otros subgéneros musicales, como el zydeco, resultado de la mezcla de la música original cajún con el country y los ritmos primitivos del rock and roll o el

swamp, una especie de blues sureño de ritmos lentos y acompasados.

La música cajún tiene como instrumentos reyes al acordeón diatonico y al violín, junto con la washboards (tabla de lavar); los temas hablan de amores, de pérdidas, de la familia o de la muerte, pero, sobre todo, uno de los temas recurrentes es el de "vivir sin amor", algo que para ellos es peor que la misma muerte.

Con todo ese bagaje histórico y cultural detrás, no es extraño que los acadiens (cajunes) tengan sus propias manifestaciones lingüísticas (hablan una mezcla de francés antiguo, palabras micmac, españolas –de hecho, apellidos como Ortega y Romero se tienen entre los más auténticamente cajún-, inglesas y alemanas), gastronómicas (son famosas sus langostas, el etouffee de langostas, boudin, cracklin's, guisado de quingombó o jambalaya) o arquitectónicas.

Entre la música cajún más reconocida, el vals (waltz) es uno de los ritmos más románticos y sensibles, el que más usada para el baile y el enamoramiento. Es, también, la más fácil de escuchar por los que no somos cajunes.

Entre los grupos que podréis oír en la Gramola están los famosísimos BeauSoleil, Balfa Toujours, Jo-El Sonnier o Eddie LeJeune & The Morse Playboys. Os incluyo diez canciones:

1.       Valse de la Riviere Rouge, La (Red River Waltz) - Bruce Daigrepont

2.       Chere Petit Monde - Balfa Toujours

3.       J'Ai Passe Devant Ta Porte - David Doucet

4.       Valse de Kaplan - Trio Cadien

5.       Valse des Chere Bebe, La - Jo-El Sonnier

6.       Big Mamou - Mamou

7.       Tous Les Soirs - D.L. Menard

8.       Valse A Deux Temps, La - File

9.       Valse Criminelle - Eddie LeJeune & The Morse Playboys

10.     Valse du Malchanceux, La – BeauSoleil

También os incluyo unos vídeos con demostraciones de baile tanto de música cajún como de zydeco; además, hay dos vídeos más, el primero con una hermosísima canción de amor (sin letra) y otro con el famosísimo “Dueling banjos” de la excepcional película “Deliverance”, de John Boorman.

Alfredo Webmaster

 

 

Una hermosa canción "cajún waltz"

El famosísimo "Dueling banjos” de la película “Deliverance”, de John Boorman

 

Una demostración de baile zydeco

 


 

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Miércoles, a 2 de Diciembre de 2009

Hace algo más de tres años y medio tuve la suerte de presenciar en directo la actuación de Dayna Kurtz en un lugar mítico: la Sala Clamores de Madrid. Obviamente, me entusiasmó (ver enlace a la reseña de aquella fecha).

Pese a que es una de mis cantantes de cabecera, nunca le había dedicado un espacio en la Gramola. Hoy es el día de su elevación a los altares de tan señero espacio.

Esta cantante norteamericana tiene como costumbre actuar en solitario acompañada exclusivamente por su guitarra acústica, un atril, una botella de agua mineral… y su voz, un instrumento de increíbles matices y de una riqueza aplastante, que lo mismo susurra que atrona, que nos tararea o nos mece; un instrumento del que es dueña y señora, y que hace sonar según su/la oportunidad.

Como novedad y por primera vez en su carrera, en su gira por España del pasado mes de octubre, gira en la que, desgraciadamente. no incluyó Galicia, vino con un grupo telonero de alto nivel: los Blue Mountain, de los que hablaré en otra ocasión.

Dayna no es una recién llegada a la música: lleva diez años circulando profusamente por garitos, pubs y recintos de pequeño tamaño. No es tímida ni apocada, pero su mejor “yo” musical se expande en las distancias cortas, en la cercanía con su público. Es en esos espacios en los que su música puede olerse, saborearse, sentirse.

Su voz tiene el calor y el compás de las viejas divas de la música de jazz y el blues, muy en la línea de una Billie Holiday, Betty Carter, Bessie Smith o Nina Simone. Sus letras tienen el drama y el sabor de un Tom Waits o de la Marianne Faithfull de las mejores épocas, la poesía de una Suzanne Vega o el lirismo de un Leonard Cohen, el ímpetu e intensidad de un Jeff Buckley, la fuerza y el ritmo de un Van Morrison… te podrá recordar a una mezcla de la Patti (Smith), la Laura Nyro o la insigne Joni Mitchell.

Desde siempre contó con el apoyo de dos de los mejores productores de música alternativa: Bob Power y Crzig Street. En el año 1997 fue elegida en los medios alternativos como la mejor compositora del año.

Dayna es un compendio de estilos y de gustos, todos reflejados en un modo de ver la vida y de expresarla con la fuerza de la razón y la creencia: lo que canta lo canta por que lo siente y por que lo vive.

En la Gramola podréis escuchar, entre otras canciones, obras maestras como “Fred Astaire”, con el ritmo de un vals cadencioso y sensual, con el violonchelo sonando como contrapunto a la voz, una preciosa balada de amor, “Love Gets in the Way”, un estremecedor temazo, “Postcards from Downtown”, canción que por si sola ya justificaría un disco, un hermoso blues de ritmo suave y cansino, “Last Good Taste”, una balada de aires clásicos pero con su cuño especial y maravilloso, “Justified”, una canción de batalla, de lucha, de ímpetu, “Music Box”, una composición de estilo jazzístico, aire romántico, y ambiente negro y humoroso, “Love Where Did You Go?”, un “Joy in Repetition”, de Prince, que gana muchísimo enteros con su voz, estilo y fuerza, el famosísimo tema de Gene Raskin “Those Were the Days” que cantaron artistas como la Mary Hopkin, Dalida, Gigliola Cinquetti, Sandie Shaw, The 5th Dimension o Azúcar Moreno, pero que en la voz de Dayna adquiere otra dimensión sentimental, la maravillosa canción de Leonard Cohen “Everybody Knows”, con ese toque especial que sólo ella es capaz de dar, el “Amsterdam Crown” de ritmo vivo y suave (a la vez), lleno del encanto de las canciones de taberna o el inconmensurable chanson Parlez-Moi d'Amour”, una obra maestra de la música que en la voz de Dayna se torna, incluso, más romántica y sensible que la de la gran Edith Piaf o las Juliette Gréco o Marie Laforêt.

Dayna es una joya de música popular, de esa música que se hace sólo para espacios cercanos, sin la parafernalia ni el esplendor de los conciertos de masas. Es, como veréis, el prototipo de la mujer comprometida con su arte, con su forma de ver la vida (artística).

Si tuviera que decir qué artista es para mí el compendio de la mejor música americana de los últimos años, no lo dudaría: Dayna Kurtz. Punto.

Alfredo Webmaster

Dayna Kurtz – “Love Got In The Way

 

 

 

Dayna Kurtz – “Postcards from Downtown

 

 

 

Dayna Kurtz – “Parlez-Moi d'Amour

 


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- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Arias sacras, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Salvador Bacarisse.

 

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Domingo, a 22 de Noviembre de 2009

De los muchos discos que Kathleen Battle y Wynton Marsalis han grabado en su vida, juntos o por separado, éste ocupa un lugar de absoluta referencia: Baroque Duet. Oírles interpretar a Händel, Bach, Scarlatti u otros compositores barrocos, es una experiencia inolvidable, única.

Si tuviéramos que elegir lo mejor de lo mejor de este disco, algo complicado en una obra de esta excelsa calidad, me quedaría con el "Jauchzet Gott in allen Landen" de Bach (corte número 22), el "Let the Bright Seraphim" de Händel (corte número 1) y, sobre todo, el "Eternal Source of Divine Light", la inconmensurable Oda para el cumpleaños de la Reina Ana de Händel (corte número 14), pieza esta en la que podemos apreciar en toda su magnitud, como la voz de la Battle corre impecable sin problemas de coloratura, con unos trinos perfectos y hermosísimo, acompañada por un diálogo perfecto entre esa voz y la trompeta, de un virtuosismo rallando la perfección absoluta.

Wynton Learson Marsalis, más conocido como Wayton Marsalis, nació en Nueva Orleáns el 18 de octubre de 1961, en el seno de una de las más famosas sagas de músicos de jazz de toda la historia: hijo del pianista Ellis Marsalis, hermano menor de Branford Marsalis y mayor de Delfeayo Marsalis y Jason Marsalis.

Excepcional trompetista, uno de los mejores de la historia, magnífico compositor y arreglista, sus interpretaciones han sido siempre una demostración de poderío sonoro e impacto mediático: es el mejor exponente de lo que se ha llamado el neoclasicismo jazzístico, una mezcla de lo mejor de los movimientos históricos del swing unido a lo mejor de la modernidad del bebop.

Además de ser el abanderado del renacer del jazz clásico, también es el adalid del jazz acústico apegado a la tradición, al que incorpora innovaciones y avances significativos en su lectura y replanteo, para actualizar su sonido a los nuevos tiempos.

Su música está muy lejos del jazz vanguardista iniciado, como corriente, a finales de los sesenta, al considerar a este estilo como fuera de los conceptos de improvisación y madurez que debería imperar en el jazz atemporal.

El sonido que expele su trompeta, siendo único y muy personal “un sonido típicamente Marsalis”, no deja de tener una marcada influencia de los clásicos de la trompeta Freddie Hubbard, Louis Armstrong, Duke Ellington y, sobre todo, de la de Miles Davis.

El mimetismo que muchas veces demostró con el dios del instrumento, con el sonido Miles Davis, fue muy criticado por los puristas del jazz por su excesiva dependencia creativa, hasta que en el año 1990 grabó “Tune in Tomorrow”, disco que le consagró como el nuevo rey indiscutible de la trompeta.

Su larga trayectoria musical incluye trabajos y colaboraciones con grupos y figuras del jazz tan conocidas como la New Orleans Civic Orchestra, Art Blakey Big Band, Jazz Messengers, Herbie Hancock, Kenny Kirkland, Charnett Moffett, Jeff "Tain" Watts, Marcus Roberts, Robert Hurst, Wycliffe Gordon, Wes Anderson, Todd Williams, Reginald Veal, Herlin Riley, Eric Reed o la Lincoln Center Jazz Orchestra.

En 1997, Wayton Marsalis organizó la “Marsalis Blood on the Fields”, grabación en directo que se convertiría en la primera obra del jazz que gana un Premio Pulitzer.

Kathleen Battle es, también, un portento de la naturaleza en otro instrumento: su voz. Es una de las mejores sopranos de coloratura de toda la historia.

Nacida en 1948 en Portsmouth, Ohio, obtuvo una beca para la Universidad de Cincinnati College-Conservatorio de Música, beca que además de permitirle estudiar también le dio la oportunidad de impartir clases de educación musical.

Kathleen Battle, que empezó a ser muy apreciada en los círculos culturales de Cincinnati, tuvo un golpe de suerte al ser contratada para el “Festival de Dos Mundos” (1972) de Spoleto, Italia. Con esa actuación obtuvo el éxito más clamoroso, lo que le permitió cantar y ser dirigida por los más grandes directores de orquesta del mundo: Herbert von Karajan, Riccardo Muti, Zubin Mehta, Seiji Ozawa, Claudio Abbado, Georg Solti, Carlo Maria Giulini o James Levine, director musical del Metropolitan Opera de Nueva York.

Tiene, entre otros méritos, haber sido la primera mujer que cantó en un Concierto de Año Nuevo en Viena, gracias a la invitación de Herbert von Barajan (1987).

Además de eso, la Battle fue una de las más famosas sopranos especializada en los roles líricos llamados “ina”: fue la “Pamina” en “La flauta mágica”, la “Despina” en “Cosí fan tutte” o la “Zerlina” en “Don Giovanni” de Mozart, la “Norina” en “Don Pasquale” o la “Adina” en “L'elisir d'amore” de Donizetti y la “Rosina” en “El barbero de Sevilla” de Rossini.

También es famosa por algunas otras cosas bien distintas, pero muy habituales entre las grandes figuras del bel canto: su divismo antropológico le llevó a enfrentamientos antológicos con otras famosas sopranos, como la Kiri Te Kanawa y Carol Vaness, entre otras.

Como podréis comprobar en este disco, su voz portentosa lo mismo le permite interpretar melodías francesas, que lieder alemanes, música sacra, jazz o espirituales negros.

Del arte de dos genios del arte (valga la redundancia), el resultado es una obra maestra: Baroque Duet, por Kathleen Battle y Wynton Marsalis.

Alfredo Webmaster

 

"Jauchzet Gott in allen Landen" de Bach


"Eternal Source of Divine Light" de Händel

 

Listado de canciones

 

#1 Samson, oratorio, HWV 57 Act 3: Let the Bright Seraphim

Composed by George Frideric Händel (1685-1759)

Performed by Orchestra of St. Luke's

with Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#2 Si suoni la tromba, for voice, trumpet & continuo (Arie con tromba sola No. 1)

Composed by Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Performed by Orchestra of St. Luke's

with Marc Goldberg, John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#3 Con Voce Festiva, for voice, trumpet & continuo (Arie con tromba sola No. 3)

Composed by Alessandro Scarlatti

Performed by Orchestra of St. Luke's

with Marc Goldberg, John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#4 Rompe Sprezza Con un Sospir, for voice, trumpet & continuo (Arie con tromba sola No. 4)

Composed by Alessandro Scarlatti

Performed by Orchestra of St. Luke's

with Marc Goldberg, John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#5 Mio Tesoro, per te moro, for voice, trumpet & continuo (Arie con tromba sola No. 6)

Composed by Alessandro Scarlatti

Performed by Orchestra of St. Luke's

with Marc Goldberg, John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#6-13 Su le sponde del Tebro, chamber cantata for soprano, 2 violins, trumpet & continuo

Composed by Alessandro Scarlatti

Performed by Orchestra of St. Luke's

with John T. Kulowitsch, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#14 Ode for the Birthday of Queen Anne (Eternal Source of Light Divine), HWV 74 Eternal Source of Light Divine

Composed by George Frideric Händel

Performed by Orchestra of St. Luke's

with John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#15 Zenobia, opera Pace Una Volta

Composed by Luca Antonio Predieri (1688-1767)

Performed by Orchestra of St. Luke's

with John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#16-19 Il Barcheggio, for 3 voices, trumpet, 2 violins & continuo

Composed by Alessandro Stradella (1644-1682)

Performed by Orchestra of St. Luke's

with John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#20 Cantata No. 21, "Ich hatte viel Bekümmernis," BWV 21 (BC A99) Seufzer Tränen, Kummer Not

Composed by Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)

Performed by Orchestra of St. Luke's

with John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#21 Olinto pastore, Tebro fiume, Gloria (O come chiare e belle), dramatic cantata, HWV 143 Alle Voci Del

Composed by George Frideric Händel

Performed by Orchestra of St. Luke's

with John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#22 Cantata No. 51, "Jauchzet Gott in allen Landen," BWV 51 (BC A134) No 1, (Aria) Jauchzet Gott In Allen Landen

Composed by Johann Sebastian Bach

Performed by Orchestra of St. Luke's

with Krista Bennion Feeney, Eriko Sato, John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson

 

#23 Cantata No. 51, "Jauchzet Gott in allen Landen," BWV 51 (BC A134) No 4, (Chorale) Sei Lob Und Preis Mit Ehren. Allelujah.

Composed by Johann Sebastian Bach

Performed by Orchestra of St. Luke's

with Krista Bennion Feeney, Eriko Sato, John Feeney, Kathleen Battle, Wynton Marsalis, Anthony Newman

Conducted by John Nelson


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Viernes, a 13 de Febrero de 2009

De uno de mis grupos de cabecera, los Cowboy Junkies, hoy incluí seis nuevas canciones a las ya existentes en la Gramola, seis temas pertenecientes a un disco grabado en directo en el año 2006, titulado “Live in Liverpool – Long journey home”.

Los Cowboy Junkies, un grupo de culto entre los intérpretes de los estilos Alternative Pop/ Rock, Alternative Country-Rock, Adult Alternative Pop/ Rock y College Rock, está formado por los hermanos Timmins (Margo, Michael y Peter) y Alan Anton.

Margo es la voz del grupo, una excepcional cantante de timbre inconfundible. Si cierras los ojos y escuchas esa forma tan particular de declamar los textos y hacernos partícipes del sonido, sentirás que no existe una voz que la iguale o con la que asimilarla. Es la de ella: es la de Margo.

Michael es el guitarrista acústico, poseedor de una técnica muy depurada y compositor de la mayoría de las canciones del grupo.

Peter toca la batería y los bongos, además del resto de instrumentos de percusión. También compone alguno de los temas.

Alan es el responsable del bajo, con una peculiar forma de interpretarlo a una o dos manos.

En este disco contaron con la colaboración de Jaro Czerwinec, un excepcional acordeonista de origen canadiense, como el resto del grupo, que se encarga de dar a algunas canciones un toque romántico y con sonido como “a antiguo”; también está Jeff Bird a la mandolina (¡que magnífico sonido!) y a la harmónica.

Suelen interpretar sus propias composiciones pero, cuando es necesario y la ocasión lo requiere, hacen excepcionales versiones de canciones de gentes como Lou Reed, Neil Young, Robert Johnson, George Harrison, Hank Williams, Townes Van Zandt o Ray Agee, entre otros.

El “Sweet Jane” de Lou Reed o el “Helpless” de Neil Young en voz de Margo Timmins, son pequeñas obras maestras que nada tienen que envidiar a los originales.

Hacía tiempo que tenía puestas tres de sus composiciones más emblemáticas, pero no podía dejar de poner alguna canción adicional. Además, tener sólo tres temas era demasiado poco para la calidad del grupo.

Las canciones que hoy incluí, son:

- “Cause cheap is how i feel”, de Michael Timmins

- “He Hill call you baby”, de Michael Timmins

- “The slide”, de Michael Timmins

- “Goog Friday”, de Michael Timmins

- “Helpless”, de Neil Young

- “Misguided Angel”, de Michael Timmins

Ni que decir tiene que os recomiendo encarecidamente que oigáis todos y cada uno de los discos de este grupo, pero muy especialmente este que cito hoy, “Live in Liverpool – Long journey home; viene en una caja en la que tenéis el CD de la grabación además de un DVD con las imágenes de la actuación en directo. Por tanto, un doble placer: visual y sonoro.

Alfredo Webmaster
 

Cowboy Junkies: "Trinity Revisited"

 

Cowboy Junkies: "One"

 

Cowboy Junkies: "Misguided Angel"

 

Cowboy Junkies: "Sweet Jane"

 

Cowboy Junkies: "Shining Moon"

 

Cowboy Junkies: "Lost My Driving Wheel"

 

Cowboy Junkies: "Thunder Road"


¿Cómo funciona la Gramola?

El módulo de la Gramola está situado arriba, en la parte de la derecha de la página. En ese módulo tengo incluidas las canciones de los grupos musicales que deseo que conozcáis.

Podéis escuchar la música más cómodamente con las instrucciones que os doy a continuación:

- Lo primero, pulsad el botón extensible que está a la derecha en la parte alta de la Gramola, en el espacio en donde figuran los nombres de los grupos musicales.

- Al pulsar el botón aparecerá una lista de grupos: Arias de ópera, Cowboys Junkies, Eva Cassidy, Flamenco y jazz, Fabrizio de André… hasta llegar al final, a Salvador Bacarisse.

- Situad el ratón encima del cantante o grupo que deseáis oír; a continuación pulsad encima del nombre elegido.

- Una vez que esté pulsado el nombre, el navegador se actualizará automáticamente y la Gramola irá hasta llegar al cantante o grupo que habréis elegido.

- Y ahora viene lo más importante: pulsad en donde dice “Popup player”. Al hacerlo, se abrirá una pequeña ventana de navegador que os permitirá escuchar la música y al mismo tiempo seguir leyendo el blog de forma independiente.

- Obviamente, yendo de grupo en grupo podréis escuchar toda la música que os he ido seleccionado.

 

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Sábado, a 3 de Enero de 2009

Uno de los temas más manidos de estas fechas es el relacionado con la música navideña, la típica, tópica y torpe música que inunda los centros comerciales y las calles de las ciudades occidentales. La misma de siempre: empalagosa y repetitiva.

Hoy comparto en la Gramola (ver más abajo cómo funciona la gramola) una música navideña distinta, unos sonidos que nada o casi nada tiene que ver con la música tradicional de la navidad que llevamos oyendo desde niños.

En primer lugar, os presento una serie de villancicos y danzas criollos incluidos en el CD “Villancicos y danzas criollas, de la Iberia antigua al Nuevo Mundo 1550-1750, de La Capella Reial de Catalunya, interpretado por el grupo Hespérion XXI, dirigidos por Jordi Savall.

Uno de los rasgos más característicos de la música antigua de mi país es la falta de separación clara entre la música popular y la cortesana (la mal llamada música “culta”) de los siglos XI al XIX. En España, desde la época de los trovadores de los siglos XI y XII hasta mediados del XVIII, las elites locales escuchaban e interpretaban los mismos cantos y músicas que escuchaba el pueblo llano.

En cambio, en las cortes europeas de los siglos XII al Renacimiento en Italia, Francia y Países Bajos, la música buscaba producir un discurso artístico e interpretativo que marcara las claras diferencias que existían entre las distintas capas sociales de esos países. Así, en resto de Europa había una música que era para consumo del populacho y otra muy distinta que sólo escuchaban los nobles o reyes.

Los artistas españoles prestaban una especial atención a la raíces locales y tradicionales, buscando el punto de equilibrio entre el sonido autóctono y el que traían los Tercios de la Casa de los Austria del siglo XV al volver de las batallas por Europa.

Además, desde los tiempos del Imperio Romano y su entrada militar (y cultural) en la Península Ibérica (España y Portugal), las músicas resultantes fueron una impresionante demostración de la interrelación entre los sonidos prerrománicos (celtas y visigóticos) y románicos con las culturas cristianas, hebreas (sefardí) y musulmanas.

La rica mezcla de estilos y formas de ver e interpretar la música, tuvo como premio una sociedad multiétnica, multilingüe y multicultural, algo totalmente desconocido en el resto de la Europa hasta finales del siglo XV.

Desgraciadamente, en esa época tuvimos la desgracia (sic) de que unos reyes, llamados Católicos (Isabel y Fernando), no supieran apreciar el enorme beneficio que representaba la pacífica convivencia de las tres culturas monoteístas: cristianos, judíos y musulmanes.

Así, adoptando unas decisiones que a la larga se demostraron altamente negativas, expulsaron de España violentamente a los judios y musulmanes, montando además el entramado para el nacimiento de la contrarreforma religiosa que luchaba contra las influencias que surgían en la Alemania del siglo XV y XVI.

Una de las válvulas de escape que tuvo una parte de la población española, los más multiétnicos, multilingües y multiculturales, fue la expansión marítima y colonial surgida del Descubrimiento de América en el año 1492. El contacto con ese Nuevo Mundo de nuevos pueblos, con nuevos sonidos, culturas y razas, permitió un renacer de las mezclas y del mestizaje.

Si bien es cierto que la construcción de un Imperio, como lo fue el español de aquella época, conlleva siempre actos de extrema violencia y brutalidad, también es cierto que puede representar el nacimiento de unas nuevas formas de ver la vida y de expresarse.

De esa mezcla de violencia y brutalidad con momentos de mestizaje y interrelación entre los españoles e indígenas americanos, nació un nuevo concepto de cultura que todo lo inundó, tanto a los nativos americanos como a los españoles. De ese intercambio nos queda un concepto cultural, casi filosófico, y diferenciador de las culturas que llevaron el resto de los conquistadores de las américas (ingleses y franceses): la latinidad, lo latino.

Ese orgulloso concepto de mezcla y mestizaje que es la latinidad (lo latino), es el origen de la música que os presento en primer lugar: los “Villancicos y danzas criollas, de la Iberia antigua al Nuevo Mundo 1550-1750. Podréis oír músicas de España, Perú, México y Guatemala.

Oiréis composiciones de Juan Arañés (España), Pedro Guerrero (España), Mateo Flecha (España), Juan Pérez Bocanegra (Lima, Perú), Juan Hidalgo (España), Gaspar Fernandes (Oaxaca, México), Frei Felipe da Madre de Deus (Guatemala), Tomás de Torrejón y Velasco (Cuzco, Perú), Juan Gutiérrez de Padilla (Puebla, México), Melchor Torres y Portugal (Cuzco, Perú), Juan García de Céspedes (México), Joan Crebols (España) y alguna otra de compositor anónimo.

Escuchareis estilos como la folia, el passamezzo antico y moderno, la romanesca, danzas de hacha, chaconas, zarabandas, morescas, jotas, negrillas a 4, mestizos e indios, cachuas, rorros, juguetes, guarachas y villancicos, estilos algunas veces interpretados en solitario y otras veces mezclados entre si.

Estas músicas son una joya de nuestras vivencias latinas e híbridas, y un legado cultural del que deberíamos estar profundamente orgullosos: yo lo estoy.

El segundo CD incluye músicas más clásicas pero no por ello menos maravillosas. Se trata del “Sacred Arias” de Andrea Bocelli, un tenor de impresionante registro tonal al que sólo una pequeña falta de fuerza en su chorro de voz le resta posibilidades para ser considerado el sucesor de Pavarotti.

Escucharéis los Ave María de J.S. Bach y F. Schubert, el Panis Angelicus de C. Franck, el Ave verum Corpus de W.A. Mozart, el Fondi tener… Ombra mai fu de G.F.Handel, el Domine Deus de G. Rossini, el Mille cheruvini in coro de F. Schubert, el villancicos tradicional Adestes fidelis (O come, all ye fairhfull) y el Gloria a te, Cristo Gesú de J.P. Lécot.

Alfredo Webmaster

 


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Domingo, a 5 de Octubre de 2008

Pese a ser un artista con una de las más dilatadas carreras musicales del rock (edito su primer vinilo en el año 1975), John Mellencamp ha tenido que batallar durante años para poder grabar sus discos con su propio nombre: sus compañías discográficas no quería que dejara atrás su etapa como clon de Bruce Springsteen, época en la que se llamaba Johnny Cougar, su nombre artístico de los primeros años.

Poder utilizar su propio nombre tuvo que transformarse como músico, dejando atrás los ritmos más hard-rock y dando paso a estilos más cercanos al folk-rock, country-rock o alternative-country.

Su etapa de más popularidad coincide con éxitos como “Hurts So Good” y “Jack and Diane”, en 1982. Pese a tener varios vinilos entre los más vendidos de aquella época, la crítica del rock seguía sin tomarlo en serio. Para cualquier otro músico esto hubiese sido motivo de desilusión pero John Mellencamp tenía, y tiene, una música con profundas connotaciones sociales, de lucha infatigable, y eso le animó a seguir adelante. En esos años entró a formar parte del Baby Boomers del medio oeste, movimiento que agrupa a aquellas personas nacidas después de la segunda guerra mundial, 1946 – 1964, fuertemente influenciadas por la música, los cambios sociales y eventos como el escándalo del Watergate, la muerte del presidente J.F. Kennedy, de Martin Luther King o la guerra de Vietnam.

La publicación del vinilo “Scarecrow”, en 1985, le permitió empezar a ser tomado muy en serio y consiguió que cada nuevo cada disco fuera bienvenido por la crítica.

También a mediados de los 80 inició su más importante lucha por la defensa de las clases trabajadoras y los agricultores de su país, fundando, en compañía de Neil Young, Willie Nelson y Dave Matthews, el Festival FARM AID, con el que consiguió recaudar más de 90.000.000 de dólares en ayudas a los más desfavorecidos.

Ni que decir tiene que John Mellencamp formó parte del grupo de artistas que más lucharon, en el 2004, en contra la reelección de George Bush, y a favor del candidato demócrata. No ganaron, y así nos va...

Desde el lanzamiento de “Chestnut Street Incident” en 1975, John Mellencamp ha mantenido una presencia constante en las listas de éxito. Además de sus 46 discos de oro, platino, y multi-platino otorgados entre 1982-2008, Mellencamp ha sido nominado para 13 Grammys (en 1982, 1984, 1985, 1986, 1987, 1988, 1991, 1994, 1996, 1997, 2000 y 2002). Además de todos esos premios y éxitos. John Mellencamp ha conseguido 12 Top 10 individuales, 31 Top 40 individual, 9 Top 10 álbumes y 13 Top 40 álbumes.

Como es un artista poco conocido en España y latinoamérica, os recomiendo que escuchéis a John Mellencamp: vale la pena oír y sentir su amor al buen rock, a las letras sinceras y a los sonidos hermosos

Alfredo Webmaster

 


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Martes, a 9 de Septiembre de 2008

Hacía mucho que tenía una deuda impagada con México: ya no podía dejar pasar más tiempo sin cancelarla.

Verónica, la amiga que me ayuda desde allí en la elaboración de este blog en todo lo referente a las cosas de su México natal, hace meses que me envió unos CD’s de música de su país, algunos de ellos de compositores que no conocía. Además de ser un regalo muy valioso en lo económico también lo es en lo sentimental: esas melodías son parte de mi pasado musical.

Las canciones que hoy incluyo en la Gramola son canciones con reminiscencias a antiguo, con sonidos que me retrotraen a épocas mejores (la infancia, la pubertad) y a personas que fueron parte importante de aquellos años de primeros aprendizajes.

Son ritmos que me recuerdan a Milagros y al eterno color negro de su ropa (por la muerte de “su” Farruco), al despertar de las mañanas de los días de colegio, a las vacaciones de verano en Xopazos, a los tazones de la leche que nos traía Francisca, recién hervida, con su nata espesa y amarilla, y las tostadas de mantequilla casera, a la leche cuajada que me preparaba Milagros, a los ladridos de Xiño (el primer Xiño, un precioso braco alemán) persiguiendo gatos, a mi madre y su amenazante zapatilla (que nunca hizo daño), al blanco perfecto del pelo de mi abuela, a mi hermano Alberto y su fobia al vino (¡quién iba a decir entonces que llegaría a ser catador!)… me recuerdan al sonido de las bombonas de butano al chocar una con otra, el olor de los perfumes de la droguería, al cartel de Noritel borreguito” y los Tintes Iberia, “que tiñen que es un primor”, a los negritos del Cola Cao, a Boliche y Chapinete, al Capitán Tan, Locomotoro y Valentina (Los Chiripitiflauticos), a Rin Tin Tin (tan parecido a mi actual Xiño)…

Las canciones que nos regaló Verónica me recuerdan los sonidos de la casi única emisora de radio de entonces, Radio Nacional, y sus permanentes boleros, pasodobles, tangos y mariachis de Pedro Infante y Jorge Negrete.

Son, por tanto, canciones del recuerdo para el recuerdo.

La música que nos regaló Verónica que hoy publico en la Gramola, pertenece a Fernando de la Mora, importante tenor y mariachi mexicano, al Mariachi Vargas de Tecalitlán, el mejor mariachi del mundo, a Óscar Chávez y sus irónicas rancheras políticas y, por último, al Mexicalia Sexteto Vocal, un excelente grupo coral.

Gracias, muchas gracias Verónica.

Alfredo Webmaster

 


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Domingo, a 20 de Julio de 2008

Georg Friedrich Händel compuso “L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato” como acompañamiento de las dos odas de idéntico nombre de John Milton, poeta y ensayista inglés del siglo XVII.

El texto original de Milton,  L'Allegro, il Penseroso” fue arreglado por Charles Jennens, quien también añadió, al parecer por iniciativa del propio Händel, una tercera parte denominada “Il Moderato”, con lo que consiguió dar a esta obra de estilo pastoral un carácter o humor específico.

Se trata de una de las obras más hermosas del barroco, repleta de pasajes recitativos con acompañamiento esplendoroso de la orquesta, pasajes que superan en grandiosidad a las arias de los más grandes compositores.

El colorido de "There, held in holy passion still" constituye, por ejemplo, una lección de expresividad conmovedora. De la elocuente gravedad de "Come rather, goddess, sage and holy" pasamos a la extrema exuberancia y grandilocuencia de "Or let the merry bells ring", donde Händel capta con suprema maestría las esencias de, al mismo tiempo, la alegría y la melancolía.

Para que el resultado final sea lo más parecido a lo que pretendía el compositor, la orquesta, director y solistas tienen que tratar de estar a la altura de Händel.

La versión que estáis escuchando esta pastoral, pese a no ser la Monteverid Choir, con John Eliot Gardiner en la dirección, también está rayando la perfección: La Ensemble Orchestra de Paris, bajo la dirección de John Nelson y las voces de Lynne Dawson y Christine Brandes (sopranos), David Daniels (alto), Ian Bostridg (tenor) y Alastair Miles (bajo), con The Bach Choir, hacen de esta versión del año 2000 una referencia que puede equipararse a la de Gardiner.

Espero que disfrutéis.

Alfredo Webmaster


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Martes, a 1 de Julio de 2008
El pasado 6 de junio, en La Coruña, tendría que haber actuado Marianne Faithfull: no lo hizo, anuló el concierto por problemas médicos.

Según la nota oficial emitida por los organizadores del concierto, "los médicos de Marianne han aconsejado posponer todos los compromisos adquiridos por la cantante para el resto de este año".

Marriane llevó una vida en la que las cicatrices que acumularon su alma la elevaron a la categoría de mito viviente; décadas de historia de la música, y de algunos músicos, quedaron marcadas indelebles en su fuerte personalidad.

Ella, musa de juventud de artistas del rock y de la literatura, es ahora una superviviente de una vida consumida a base de heroína y alcohol, de sexo desenfrenado y de noches locas vagabundeando por el Soho londinense o el West End niuyorquino.

Su última batalla, entablada en el 2006, fue contra un cáncer de mama, que superó con éxito tras el tratamiento pertinente.

Nacida el 29 de diciembre de 1946 en el barrio londinense de Hampstead, tuvo la desgracia (o suerte) de nacer hermosísima, bellísima, atractiva y sensual: era una de las mujeres más deseadas de los barrios londinenses de aquellos años.

Empezó su carrera musical con sólo 18 años, en 1964, interpretando “As Tears Go By”, una canción escrita por Mick Jagger y Keith Richards (The Rolling Stones). Al poco tiempo empezó a salir con Jagger y a grabar una serie de singles con un considerable éxito de crítica pero no de público, como “This Little Bird”, “Summer Night” o “Sister Morphine”.

En la fiesta en que conoció a Mick Jagger, había alguien que verdaderamente le impresionó: Andrew Loog Oldham, manager de Rolling Stones. En cambio, Jagger y Richards le parecieron unos escolares arrogantes pero llenos del atractivo que da la fama y el reconocimiento mundial de enormes figuras de la música.

En esa fiesta, Andrew Loog Oldham acuñó una frase para definir a Marianne que para ella siempre fue una rémora: “Vi en ella a un ángel maravillos con grandes tetas, y lo contraté”. Desgraciadamente, esa fachada de mujer hermosa, bellísima, no dejó entrever la incomensurable cantante que se escondía en aquel cuerpo voluptuoso.

En los discos publicados en aquellos años 60, la Faithfull tenía una voz sensual, sexual, encantadora y perturbadora, con magníficas canciones con formato de pop o folk.

Tras romper de forma tumultuosa la relación que tenía con Mick Jagger, Faithfull sufrió una depresión muy profunda que le llevó a dejó de grabar y le hizo adicta a las drogas.

Gracias a la ayuda de su familia, sobre todo de su hija, regresó al mundo de la música en 1979 con un LP de gran impacto entre los críticos musicales pero escasísima repercusión entre un público que no la entendía: “Broken English”.

Siempre fue una mujer de armas tomar y de rompe y rasga, capaz de cantar baladas de una profundísima carga sentimental y un romanticismo extremo, o pasarse al otro lado y ser la primera mujer que utilizó la pabra fuck (follar, en inglés) en una película del año 1968: “I'll Never Forget What's 'Isname”, de Michael Winner.

Su resurgir de las cenizas de las drogas y el alcohol empezó en el año 2002, con el CD “Kissin’ Time” y en 2004 con “Before de Poison”. A partir de esos dos maravillosos CD’s, una legión de nuevos (y jovencísimos) seguidores empezaron a familiarizarse con una mujer que es una leyenda viva de la música que transitó al borde de un precipicio personal y familiar.

En esas dos joyas musicales, supo rodearse de lo mejor de lo mejora del rock de calidad: Beck, Damon Albarn, Nick Cave, PJ Harvey o Jarvis Cocker han colaborado con ella en los últimos años.

En este renacer a la vida y a la música, Marianne está dispuesta a todo; se siente una mujer nueva, renacida: “A ese público joven no le importa mi pasado. Eso es estupendo para mí. Ya es hora de cortar con el pasado”.

En el año 2006 consigue interpretar tres papeles de éxito en el cine, entre ellos el de la María Teresa en la película de Sofia Coppola “María Antonieta”, y el papel de Maggie aka Irina Palm  en "Irina Palm", sobre una viuda madura que tiene que trabajar en un club de alterne (prostitución) para pagar un tratamiento médico a su nieto.

Ahora, ya en plena madurez personal y con 61 años a sus espaldas, Marianne Faithfull es una artista con mucha leyenda detrás y poco dinero en el banco: todavía no ha conseguido ahorrar nada ni terminar de pagar sus deudas, y no tiene ni casa propia.

Alfredo Webmaster

Canciones incluidas en la Gramola

Poseedora de una enorme discografía, para la selección de alguna de las canciones de Marianne Faithfull que quiero compartir con vosotros he tenido que recurrir a ir de CD en CD, buscando las canciones que, por algún que otro motivo, me impactaron en distintos momentos de mi vida.

Entre los cientos de canciones que interpretó la Marianne podréis deleitaros escuchando, entre otras, “Sad Lisa”, “The Mystery of Love”, “It's All over Now”, “Baby Blue”, “Working Class Hero”, “Visions of Johanna”, “Corrine, Corrina” o la maravillosa “The Ballad of Lucy Jordan” de la maravillosa (valga la redundancia) banda sonora de la película de “Thelma & Louise”, de Ridley Scout (1991).

Disfrutadla, es un placer para la mente y el espíritu.

Fotos de Marianne Faithfull

De sus primeras épocas: una belleza

De su etapa con Mick Jagger

 

Fotos actuales: una belleza madura

 

Otra foto actual

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