Música y Vino

Puedo intentar ser sincero pero nunca seré imparcial…
Domingo, a 25 de Octubre de 2009

 

Hace no mucho tiempo vi el ultimo capitulo de la cuarta temporada de Boston Legal. Fue una temporada más corta de lo habitual, con sólo de 13 episodios.

La despedida se hizo a lo grande, con la proyección de un capitulo de doble duración y una buena audiencia: diez millones de espectadores en USA y más de setecientos mil en España.

Es curioso, pero no se habla mucho de esta serie en las Web’s, ni tiene fervientes seguidores que la recomienden… y eso es algo imperdonable.

No se trata de una serie de abogados al uso, ni los letrados que componen la plantilla de este bufete les veremos pululando por esos despachos tan pulcros y saneados del resto de las series del estilo. Los “chicos” y “chicas” de Boston Legal son especiales, únicos, irrepetibles… maravillosos.

Boston Legal nació como spin-off de otra serie de abogados, también poco habituales; la serie anterior se llamaba “The Practice” (El Abogado en España y Los Practicantes en Latinoamérica) y de ese bufete, Young, Frutt & Berluti, se fue, por desavenencias, el protagonista principal de la serie que os recomiendo: Alan Shore (James Spader).

Alan, un excelente abogado y excepcional ser humano, fichó por otro bufete, Crane, Poole & Schmidt, en el que trabaja como responsable legal en los más estrafalarios, increíbles (creíbles) y complicados pleitos judiciales. Aquí, en este nuevo destino, será donde veremos el lado más arrebatador y brillante, a la vez que sencillo, de una de las grandes figuras del derecho penal norteamericano… pero la veremos desde una vertiente tan avanzada socialmente, tan poco complaciente como la cultura típica y tópica yanqui, que muchas veces nos preguntaremos cómo es posible derramar tanto vitriolo político en una serie de televisión, en un país como EEUU.

El peso de la serie recae en dos personajes magistrales, en un James Spader (como Alan Shore) que borda el papel y hace las mejores interpretaciones de su carrera profesional, como el abogado de mente abierta y liberal, representante del ala más radical del Partido Demócrata yanqui, y en William Shatner (Denny Crane), que interpreta al abogado mayor, una vieja gloria de la abogacía que habla de sí mismo en tercera persona y repite el "Yo soy Denny Crane" unas veinte veces por episodio, un cínico, un mujeriego compulsivo, egocéntrico, senil, vanidoso, millonario y totalmente reaccionario, como buen representante del ala más reaccionaria del Partido Republicado.

Pese a que son diferentes en todo, absolutamente en todo, entre Alan Shore y Denny Crane existe una relación de amistad, cariño y admiración, como pocas veces se ha visto en la televisión. Sus radicales diferencias no son motivo suficiente como para no amarse como personas y no sentir admiración por el ser humano que esconde cada uno de los personajes: son como son, se aceptan así y disfrutan con sus diferencias.

Las charlas entre Alan y Denny al final de las jornadas de trabajo, con ambos sentados en el balcón del bufete, mirando al horizonte de su amado Massachussets, con un habano en una mano y una copa de güisqui en la otra, mientras reflexionan sobre lo sucedido en el día, sobre la salud y la muerte, la amistad y el amor (no carnal) entre ambos, además de ser un tratado doctoral sobre el significado de la vida, es la constatación de que las diferencias de criterio nos hacen más iguales: la educación y el respeto nos une en la diversidad.

La serie ha tenido momentos sublimes, con guiones de increíble riqueza descriptiva y escenas tan inolvidables que me encantaría poderlas grabar para siempre en mi memoria. Las deposiciones finales de Alan Shore ante los jurados, con unas poses tan “suyas”, tan de su cosecha, con la mano derecha metida en la chaqueta cruzada del impecable terno, son de una profundidad y solvencia humana (mucho más que jurídica) que deberían ser de obligado estudio en las facultades de derecho.

El más preclaro ejemplo de lo que digo lo podéis admirar en la deposición final ante la Corte Suprema de los Estados Unidos de América, ante los miembros vitalicios del más alto tribunal de ese país, con una defensa primorosa y brutalmente bella, apasionada, solvente y moral en pro de los derechos de un preso condenado a la muerte. Sus palabras, sus argumentaciones, su defensa visceral de la vida y el derecho a no ser asesinado por una justicia injusta, os pondrá los pelos de punta, y os conmoverá.

Después de oírle en su deposición, sintiendo como propias cada una de sus palabras, nadie en su sano juicio, con corazón, dignidad y humanidad, nadie, repito, podría apoyar la pena de muerte.

En cuanto al resto de los protagonistas de las serie, satélites de las dos estrellas principales, Alan y Denny, recordamos a Candice Bergen, John Larroquette, Tara Summers, Julie Bowen, Mark Valley, Rene Auberjonois, Constance Zimmer, Lake Bell, Rhona Mitra, Ryan Michelle Bathe, Betty White, Justin Mentell, Craig Bierko, Gary Anthony Williams o Taraji P. Henson.

¿Mi recomendación? Se acaba de iniciar la emisión de la quinta temporada, sería la mejor oportunidad para visionar los nuevos capítulos de Bostón Legal, el momento perfecto para disfrutar y apasionaros con ella; y si está en vuestra mano, comprad la serie completa: vale la pena.

Alfredo Webmaster

 

Viernes, a 23 de Octubre de 2009

 

Título: Ágora

Dirección: Alejandro Amenábar

País: Estados Unidos, España

Año: 2009

Duración: 126 min.

Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil

Reparto: Rachel Weisz (Hipatia), Max Minghella (Davo), Oscar Isaac (Orestes), Ashraf Barhom (Armonio), Michael Lonsdale (Teón), Rupert Evans (Silesio), Richard Durden (Olimpio), Sami Samir (Cirilo), Manuel Cauchi (Teófilo), Homayoun Ershadi (Aspasio), Oshri Cohen (Medoro), Harry Borg, Charles Thake, Amber Rose Revah, Christopher Dingli, Clint Dyer, Jordan Kiziuk, Alan Paris, Charles Sammut, Andre Agius, Reuben Fenech, Juan Serrano, Wesley Ellul, Angele Galea, Paul Barnes, Samuel Montague, Christopher Raikes

Web: www.agoralapelicula.com

Distribuidora: 20th Century Fox

Presupuesto: 73.000.000,00 $ (50.000.000 €)

Dirección artística: Dominique Arcadio, Frank Walsh, Jason Knox-Johnston, Matthew Gray, Stuart Kearns

Diseño de producción: Guy Dyas

Fotografía: Xavi Jiménez

Música: Alejandro Amenábar y Dario Marianelli

 

Sabía quién era y cómo terminaría su vida, pero hasta que visioné Ágora, la última película de Alejandro Amenábar, no conocía los detalles más importantes de su existencia y el escabroso final de su vida.

Hipatia (Rachel Weisz), la hija de Teón (el gran Michael Lonsdale), el último director de la Biblioteca de Alejandría (siglo IV D.C.), el centro de sabiduría y cultura más importante de toda la historia de la humanidad hasta finales del siglo XIX, era una astrónoma y filósofa neo-platónica atea, que tenía un solo dios en su vida, la ciencia, y una sola fe, la filosofía.

Educada en la inmejorable compañía de los más célebres astrónomos de la época, de los mejores filósofos y bajo el paraguas de la racionalidad pura, Hipatia dudaba de todo lo establecido e irrefutable, renegaba de todos los dogmas y dioses, y era, por ese motivo, el epicentro de los terremotos de los odios de los religiosos y popes monoteístas, ya fueran judíos o cristianos: todos eran (con iguales) iguales y todos henchidos de ansias de poder y dominación.

Su historia, ocultada durante años por los fundamentalistas y detractores del libre pensamiento, fue un ejemplo de hasta que punto puede ser de nefasto y retrógrado dejar que las creencias y la barbarie integrista rijan nuestras vidas o manejen la política de un estado.

La estética y puesta en escena de la película es prodigiosa: la reproducción de la Alejandría del siglo IV es modélica en la réplica de toda una ciudad, de su estilo de vida, de sus costumbres.

Lo que va desgranando las imágenes no deja de ser la crónica de una muerte anunciada, un relato casi documental del final de una época dorada de cultura y librepensamiento: nada ni nadie puede vencer a la barbarie intransigente del que se cree poseedor de la verdad absoluta; nada ni nadie puede luchar contra el que se arroga del derecho a poseer la iluminación divina; nada ni nadie puede evitar fenecer ante el poder del que se nombra a si mismo representante de un dios en la tierra (el dios que sea).

En la lucha en pos de la razón como motor de la vida, ni pudo Hipatia ni seguramente podrá nadie de nosotros: así nos va, sobreviviendo a siglos de luchas y odios religiosos.

Si al salir del cine, mientras pervive en tu retina la brutalidad de las piedras rompiendo el cuerpo de Hipatia, no reniegas de la irracionalidad de creer en lo increíble, significará que no has entendido el mensaje de Ágora: una pena.

Alfredo Webmaster

 

¡No lo creas Cirilo! Viven en mi corazón,

no como los ves, vestidos de formas perecederas;

sujetos hasta en el cielo a las pasiones humanas,

adorados por el vulgo y dignos de desdén,

sino como los han visto espíritus sublimes:

en el espacio estrellado que carece de moradas,

fuerzas del universo, virtudes interiores,

unión armoniosa de la tierra y el cielo

que encanta al pensamiento, el oído y los ojos,

y que ofrece su ideal accesible a los sabios,

y a la belleza del alma esplendor visible.

¡Tales son mis dioses!

 

"Hipatia y Cirilo", de Laconte de Lisle (1857)

 

 

 

 

Jueves, a 10 de Septiembre de 2009

La Sexta está emitiendo los nuevos capítulos de Bones, una excelente serie que tiene como base argumental la historia real de la doctora antropóloga forense y escritora, Kathy Reichs, y sus relaciones personales con su equipo de trabajo

En los papeles principales, como doctora Temperance Brennan, está Emily Deschanel, y en el del Agente Especial del FBI, Seeley Booth, aparece David Boreanaz.

No quieren aceptarlo, sobre todo la doctora Brennan, también conocida como “Huesos”, pero existe una química especial que les une de forma permanente, sin poder evitar necesitarse a cualquier hora del día o de la noche; cualquier trabajo, cualquier investigación, cualquier rutina diaria, les sirve de disculpa para compartir tiempos y espacios: no lo saben aún, pero no pueden vivir el uno sin el otro.

En el capítulo de hoy apareció el padre de la doctora Temperance Brennan, un delincuente de gran corazón, un asesino que sólo mata a asesinos. En un momento del reencuentro, el padre le tararea a su hija una vieja canción, "Keep On Tryin'", de Poco, que le gustaba cantarle cuando era niña.

En ese momento recordé el tema que escuchaba cuando era joven en la voz de los fundadores de Poco, Richie Furay y Jim Messina, precursores del American country rock.

Igual que hizo el padre de Brennan con su hija, también yo quiero compartir esta pequeña joya con vosotros, incluyendo su letra original, para que la tarearemos juntos mientras disfrutamos con algunas escenas de la serie Bones.

Después, podréis oír otra canción de Poco, “Rose of Cimarrón”, en las voces e instrumentos de sus compositores originares. Es un tema hermosísimo, maravillosamente alegra y dulce.

Alfredo Webmaster

 

Poco - "Keep On Tryin'"

Letra de "Keep On Tryin'"

I’ve been thinkin’ ’bout

All the times you told me

You’re so ful of doubt

You just can’t let it be

But I know

If you keep comin’ back for more

Then I’ll keep on tryin’

Keep on tryin’

 

And I’ve been drinkin’ now

Just a little too much

And I don’t know how

I can get in touch with you

Now there’s only one thing

For me to do, that’s to

To get home to you

 

And I feel so satiesfied when

I can see you smile

I want to confide in

All that is true, so i’ll

Keep on tryin’ i’m

Through with lyin’

Just like the sun above

I’ll come shinin, trough

Oh yes i’ll

Keep on tryin’, i’m

Tired of cryin’

I got to find a way

To get on home to you

 

I’ve been thingin’ ’bout

All the times you held me

I never heard you shout

The flow of energy was so fine

Now I think I’ll lay it on the line

And keep on tryin’

To get home to you

 

And I feel so satiesfied when

I can see you smile

I want to confide in

All that is true, so i’ll

Keep on tryin’ i’m

Through with lyin’

Just like the sun above

I’ll come shinin, trough

Yes I will

Oh yes i’ll

Keep on tryin’, i’m

Tired of cryin’

I got to find a way

To get on home to you

 

Poco - "Rose Of Cimarron"

 Letra de “Rose of Cimarron

Roll along, roll on

Rose of Cimarron

Dusty days are gone

Rose of Cimarron

Shadows touch the sand and look to see who's standin'

Waitin' at your window, watchin' will they ever show?

Can you hear them calling? You know they have fallen on

Campfires cold and dark that never see a spark burn bright

Roll along, roll on

Rose of Cimarron

Dusty days are gone

Rose of Cimarron

Trails that brought them home echo names the've known

Four days high and lonely comin' to you only

You're the one they'd turn to, the only one they knew who'd do

All her best to be around when the chips were down

Hearts like yours belong

Following the dawn

Wrapped up in a song

Rose of Cimarron

 

Sábado, a 5 de Septiembre de 2009

 

Para cuando muera, espero que sea dentro de muchos años, tengo fijado en mi testamento legal, y en el vital, que no habrá ningún tipo de acto religioso de despedida (soy ateo), ni velatorio (me horrorizan) o cualquier otro evento típico en unas exequias.

En mi caso, es mi decisión, cuando llegue el momento final pasaré directamente al crematorio, sin dar tiempo a que se produzcan algunas escenas públicas de dolor sentido, de lloros y llantos, y otras escenas similares pero fingidas.

Así, de esa forma, al que le duela mi pérdida le daré la oportunidad de sentirlo en silencio, y al que no le duela, no le daré la oportunidad de engañar o aparentar. Aplicaré el dicho de: “Al amigo, hasta el culo; al enemigo, por el culo… y al indiferente, la legislación vigente”.

Un caso distinto fue el de Graham Chapman, uno de los miembros fundadores de los Monty Python, el mítico grupo humorístico y sarcástico creador de joyas como “La vida de Brian”, “Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores”, “El sentido de la vida”, “Brazil”, “Criaturas feroces”, “Las aventuras del Barón Munchausen” o “Un pez llamado Wanda”.

En su funeral, octubre de 1989, sus compañeros de aventuras humorísticas y sarcásticas le hicieron una despedida distinta, totalmente distinta a lo habitual. Su funeral fue la mejor demostración que la muerte sólo es un acto más de la vida y desaparecer no es algo inhabitual o extraño. Es más, todos deberíamos tener presente que, “al fin y al cabo, no vamos a salir vivos de aquí”.

La traducción al español de las palabras de su amigo John Cleese son el reflejo del mejor homenaje que se le puede dar a un humorista: despedirlo con una sonrisa, a poder ser inteligente.

John Cleese dijo:

Graham Chapman, coautor del Sketch de “El Loro Muerto”, ya no existe.

Ha dejado de ser, a pasado a mejor vida, descansa en paz, la ha palmado, se ha ido al más allá, ha mordido el polvo, la ha diñado, ha exhalado su último aliento, ha ido a encontrarse con el Gran Jefe del Entretenimiento Ligero en los cielos.

Y supongo que todos pensamos lo triste que es que un hombre de tal talento, tal capacidad y amabilidad, de tal inteligencia, se haya desvanecido tan de repente a la edad de tan sólo cuarenta y ocho años, antes de que pudiese alcanzar muchas de las cosas de las que era capaz, y antes de que se hubiese divertido lo suficiente.

Bueno, creo que debería decir: “Chorradas. Que tenga buen viaje, el cabrón aprovechado este. Espero que se fría”. Y la razón por la que pienso que debería decir esto es que el nunca me perdonaría si no lo hiciese, si dejase pasar esta maravillosa oportunidad de tomaros el pelo en su honor.

Lo tenía todo salvo el buen gusto constante. Pude oírle ayer por la noche, mientras escribía estas palabras, susurrándome al oído: “Vale, Cleese, estás muy orgulloso de ser la primera persona que dijo “mierda” en la televisión británica. Si este acto es para mí, para empezar, quiero que seas la primera persona que diga ¡Joder!” en un funeral británico”.

El funeral terminó con todos cantando una canción, una hermosa canción de esperanza y alegría, bajo la dirección de Eric Idle: el Always look on the bright side of life” de La vida de Brian.

Alfredo webmaster

 

Martes, a 1 de Septiembre de 2009

Que somos descendientes del mono no es nada nuevo: aún recuerdo al tío de un amigo mío, un “ente corpóreo” más parecido a un simio antropomorfo que a un homo sapiens, pero no podía imaginar hasta qué punto de inteligencia avanzada podía llegar un simio cuando quiere obtener algo... Para comprobarlo, sólo necesitais ver este vídeo, un excelente comercial de VISA.

Alfredo Webmaster

 

 

Sábado, a 29 de Agosto de 2009

Por Ramón Muñoz para elpais.com, 26/08/2009

Este verano se estrenó, por fin, Pagafantas. Digo por fin, no por la calidad de la película, sino porque ya era hora de que el cine prestara atención a este personaje clave en la sociología moderna. El pagafantas se podría definir como el compañero fraternal de toda chica, ese "nada más que un amigo" que nunca se comerá una rosca aunque se pase el día atendiéndola y ofreciéndole consuelo afectivo. Casi todos hemos sido pagafantas alguna vez. Es más, hay millones que no han sido otra cosa hasta que se resignan y se consagran a la soltería o al casorio convencional, con esa a la que nunca le pagaron ni una bolsa de pipas, porque la pobre estaba tan descolgada como ellos y encima les quería.

Los pagafantas no salen en las estadísticas. A nadie le gusta reconocer que es un paria del sexo, literalmente un intocable. Las chicas los ven únicamente como lacayos receptivos, alguien a quien contar sus penas, las que les causa otro, por supuesto, un canalla sin corazón que las hace sufrir a lo Cumbres borrascosas. No como el pagafantas, que es todo corazón, pero un corazón eunuco, un mero escuchador sin derecho a roce ni a piquito, que debe conformarse a lo sumo con una caricia tipo perrillo faldero o a un beso casto y de soslayo como el que se da en un funeral a una tía solterona.

Quiero dejar bien claro que no siento pena alguna por ellos. El pagafantas no es sólo un memo y un pringao. Es un indigno de género, un sujeto que avergüenza y desprestigia a toda la masculinidad al difundir con su mal ejemplo que siempre habrá hombres que por una mujer están dispuestos a todo por nada, a escuchar, a invitar y a dejarse manipular como una palanca, con tal de alimentar su quimera romántica.

De hecho, el pagafantas no es un hombre sino un hombro, un apéndice dócil en el que se apoya la amiga, un confesionario ambulante para purgar las penitencias que les causan siempre otros, los guapos, los gallitos, los que sí tienen falo. Y además es irredento. Siendo adolescente paga fantas y espera el milagro. Luego envejece y se convierte en pagaMahous y, más tarde, en pagaJB, y sigue esperando.

Hace tiempo, un cínico seductor amigo, alarmado por mi pagafantismo rampante, me aconsejó que no me anduviera con rodeos, y que si la fémina me negaba la pasión amorosa al principio, respondiera con la burla en lugar de insistir con el vasallaje. "En la primera cita con una mujer, o le metes o le sacas la lengua", resumía.

Tomen nota los ilusos o háganse devotos de Onán.

Sábado, a 8 de Agosto de 2009

Curioseando por la red, a veces se encuentran vídeos o noticias que impactan. Y este vídeo impacta.

Grabado en HD720p (Alta definición) por Jon Rawlison, en los cuatro minutos y treinta y cuatro segundos de filmación te quedarás absorto observando como los tiburones ballena y las mantas raya nadan, se desplazan y conviven en el segundo tanque de acuario más grande del mundo.

El Okinawa Churaumi Aquarium (Japón) tiene un depósito de 7.500 metros cúbicos de agua de mar y un vidrio de observación de 22,5 metros de largo por 8,5 metros de alto.

Para completar la belleza estética de este trabajo de Jon Rawlison, la belleza sonora corresponde a la canción de “Please don’t go” de la banda estadounidense Barcelona.

Una recomendación importante: poned el vídeo en pantalla grande y la música con el volumen alto… el resultado será impactante.

Alfredo Webmaster

Sábado, a 8 de Agosto de 2009

De los creativos de Pantene Pro-V es esta pequeña joya de la publicidad, un anuncio que se aproxima más al concepto cortometraje que a cualquier otra cosa. Brillante, hermoso, sensible… espléndido.

Alfredo Webmaster
 
Nota: la música que sirve de argumento sonoro a este spot es el famosísimo “Canon y Giga en re mayor para tres violines y bajo continuo” (título original en alemán “Kanon und Gigue in D-Dur für drei Violinen und Basso continuo”), la obra cumbre del barroco de Johann Pachelbel. Ver más información en Comentarios.
Domingo, a 2 de Agosto de 2009

Que a Michael Moore la América profunda, blanca y reaccionaria, le pone enfermo, en sentido literal y figurado, era algo sobradamente conocido: lo sabíamos desde que vimos su genial documental “Bowling for Columbine”.

Que Michael Moore que no se cansa de sacarle los colores a una sociedad y cultura atormentada por un pasado excesivamente individualista, una mentalidad ultraliberal (en el peor sentido de la palabra) y las mentiras de una derecha imperialista, también era conocido: “Fahrenheit 9/11” nos enseñó las realidades ocultas de la invasión de Irak.

Lo que no sabíamos era que su nueva película iba a comparar las situaciones estrambóticas vividas en un día normal de un país rico y poderoso (EE.UU.), comparado con lo que sucede en el día a día de la lucha por la supervivencia en un país caribeño (Cuba).

Eso es “Sicko”, la última película de Michael Moore. Un filme en el que se dirimen las bondades y los desastres de uno de los logros sociales del siglo XX (y XXI), en una batalla desigual: sanidad pública vs sanidad privada.

En este filme, Moore retrata la situación de paupérrimas carencias que tiene el sistema sanitario yanqui, sobre todo el sistema público, el que se dirige, controla y financia con fondos estatales. Aquí, en el reflejo de la realidad diaria, es donde Moore vuelve por sus fueros de propagandista cáustico, cínico, mordaz, en algunas ocasiones manipulador, aportando datos, cifras y testimonios que ayudan a redondear la crítica sistemática de un sistema político en el que conviven el capitalismo más atroz, al lado de la supuesta “tierra de oportunidades”, en la que sus habitantes, con esfuerzo y voluntad, consiguen llegar a ser “alguien” en una sociedad de valores eminentemente materialistas.

El guión de este documental sigue una senda preconcebida; se plantea una hipótesis, se aportan un sinfín de argumentaciones en que sustentarla, y se aporta el resultado con una simpleza apabullante: la escena de la señora yanqui llorando al recibir unos medicamentos cubanos a un coste insignificante, es demoledora (y un pelín manipuladora).

En la película se pone de manifiesto el grado de corrupción y siniestra manipulación en la que está basado el sistema sanitario privado yanqui, en una concatenación de abusos, lobbys farmacéuticos explotadores e inhumanos, y aseguradoras que tienen como práctica habitual premiar a los médicos que deniegan más veces coberturas sanitarias básicas.

Para explicar mejor los sinsentidos de la situación kafkiana a la que llegó un sistema sanitario inoperante como el norteamericano, Moore traslada la acción a la Vieja Europa (nombre con la que los neocons llaman a la Europa más social) y presenta los logros sociales y sanitarios de la seguridad social de Francia, Reino Unido y Cuba; desgraciadamente, no habló de la sanidad española, modélica en cuanto a prestaciones y servicios.

El resultado de esa comparación es obviamente apabullante: con menos dinero por paciente y con menos recursos financieros totales, los sistemas públicos de salud de la Vieja Europa, o incluso Cuba, son infinitamente mejores que los yanquis.

Lo curioso de todo esto es que las aseguradoras sanitarias, las farmacéuticas y los gobiernos republicanos de Norteamérica, han conseguido convencer a sus conciudadanos que la seguridad social pública es un embuste, una amenaza y una “supuesta” ventaja típica de las sociedades comunistas

Conseguir algo así no es difícil: los yanquis arrastran una especie de paranoia anticomunista desde la Guerra Fría y viven en un país donde la libertad más preciada es poder tener y usar armas de fuego, sean del calibre que sean, como un derecho constitucional básico.

Resumiendo: un gran documental.

Alfredo Webmaster

"Sicko", de Michael Moore - trailer en español -

 

Domingo, a 2 de Agosto de 2009

Wakker Dier, (en español, Animales Despiertos), es una ONG holandesa que lucha contra la explotación animal y la utilización de animales, sobre todo simios, como conejillos de indias en experimentaciones científicas (y cosméticas), además de preconizar la cultura vegetariana como alternativa a las dietas alimenticias basadas en el sacrificio de seres vivos, presentó un spot publicitario que es, como mínimo, impactante y uno de los nuevos anuncios que más está conmocionando Internet.

El anuncio se llama “Stripping Alive”, una expresión que tiene el doble significado de “desnudarse en directo” o “hacer un strip tease en directo”, pero que también se podría traducir por “desollar en vivo”, en clara alusión a una practica de pescadores holandeses que cada día desollan miles de pescados a los que abren en canal y sacan sus vísceras cuando aún se agitan, vivos.

Ancilla Tilia, una famosa actriz holandesa de 27 años, playmate (modelo de la revista Playboy), fetish doll (adicta al latex y a los tacones XXL) y “The Most Sexy Vegetarian 2008, sirvió de modelo de referencia para demostrar que con un buen plato de espinacas rehogadas, algunas alubias, un tomate recién cortado y un poco de perejil, nadie debería sentir necesidad de comer animales que en algún momento estuvieron vivos. ¿La mejor forma de demostrarlo?: despelotándose. Eso sí, haciéndolo como si fuera una obra de arte.

Si una mujer como la Ancilla Tilia es capaz de estar así de bien siendo vegetariana, algunos de nosotros no deberíamos pensarlo más de dos veces y deberíamos abandonar de una vez por todas tantos chuletones como nos comemos, tantos jarretes guisados, tanto pescado a la plancha o a la gallega y tanto yogur griego con cereales. Con algunas frutas, verduras y un nabo (de huerta), nos debería llegar para vivir felices y estar rebuenos (algunos más que otros, claro).

El vídeo es un trabajo creativo de Revolver Media, una compañía de publicidad que tiene su propio minisite en Flickr, con una muy lograda galería de imágenes.

Espero que con la visualización del spot de Wakker Dier - Animals Awake, algunos de nosotros se solidarice con esta ONG y deje de alimentarse con seres vivos (muertos).

Alfredo Webmaster

Domingo, a 2 de Agosto de 2009

Si hay un director del cine actual del que me considero ferviente admirador por su inmensa creatividad y capacidad para sorprender, ese es Tim Burton. Y claro, como también sé que va a contar con Johnny Depp como actor principal en sus películas (llevan siete trabajos juntos), pues más motivos aún para admirarle.

Por esos dos razones estoy encantado de hablaros de la próxima película de Tim Burton, su particular y personal versión fílmica del “Alicia en el país de las maravillas”, de Lewis Carroll.

Un detalle importante: la película no es simplemente una adaptación de la novela de Lewis Carroll, sino que nos relatará el segundo viaje de “Alicia” al “País de las Maravillas”. El film nos presenta a una Alicia transformada en una joven de 17 años, una Alicia que no recuerda nada de su primera estancia en el “País de las Maravillas” (“Wonderland“) y a la que, las criaturas que pueblan esa extraña tierra, harán todo lo posible para que recupere la memoria.

Para los papeles principales de la película, Tim Burton cuenta con Mia Wasikowska, una jovencísima actriz de 19 años que hará de “Alicia”, un papelazo que estoy seguro la consagrará como una gran estrella a nivel mundial, a Johnny Depp como el “Sombrero Loco”, a Helena Bonham Carter como la “Reina de Corazones” y a Anne Hathaway como la “Reina Blanca”. Además, algunas de las imágenes más impresionantes serán animaciones realizadas en 3D, único medio válido para recrear el “País de las Maravillas” de forma más fantástica y fantasiosa.

El papel que el “Sombrerero Loco” tiene en el libro de Lewis Carroll parece haber sido pensado para que algún día lo interpretara Depp. El actor adopta una extravagante personalidad, tan propia de sus personajes, caracterizado con una peluca roja, maquillaje de fantasía, pestañas y cejas postizas, así como lentes de contacto amarillas. Pese a que en algunas ocasiones y medios se le achacaron ciertos encasillamientos en papeles fantásticos, ¿Se puede llamar “encasillado” a que un actor primoroso acostumbre a representar papeles fuera de lo común, todos enormemente diferentes entre sí, pero con un resultado interpretativo sublime? Yo creo que no; creo que con Johnny Depp estamos ante uno de los mejores actores vivos actuales, sino el mejor, un actor que no se aviene a participar de las locuras hollibudenses de algunos divos del 7º Arte, y que se permite el lujo (y placer) de vivir fuera de USA para no sentir la presión agobiante del mundo ficticio del cine.

La excelente actriz británica Helena Bonham Carter, pareja sentimental de Burton en la vida real, que encarna a la malvada “Reina de Corazones”, tiene a sus favor la especial química artística que le una a Depp, con el que colaboró en películas como “Sweeney Todd: el Barbero demoníaco de la calle Fleet”, “El cadáver de la novia” o el “Gran Pez”, entre otras. Por tanto, se pueden esperar momentos excepcionales en las interpretaciones, juntos, de Depp y la Bonham Carter.

A los dos protagonistas anteriores se une Anne Hathaway, brillante diva del cine actual, desgraciadamente poco conocida a nivel popular, que seguro será la perfecta “Reina Blanca” y la australiana Mia Wasikowska, de 19 años, una hermosísima mujer que asumirá el protagonismo principal de la película, a ser la “Alicia” que entra en un mundo extraordinario persiguiendo a un conejo blanco.

Si con estos cuatro actores ya tenemos garantizada una gran película, Tim Burton se esmeró también muchísimo en la elección de los que harán las voces y serán la base de los personajes de animación.

Por ejemplo, detrás de “Jabberwock” estará la figura de Sir Christopher Lee, una leyenda del cine mundial que hace unas semanas ingresó en la Orden del Imperio Británico.

La voz del personaje de la “Oruga” será la de Alan Rickman; si a estas alturas de su carrera profesional alguien no sabe (un fallo imperdonable para cualquiera que ame el 7º Arte) quién es Rickman, fue el personaje de “Metatrón” en las películas de la seria X-Man “Dogma” o el “Profesor Severus Snape” en cualquiera de las películas de la saga “Harry Potter”: desgraciadamente, algunos monstruos de la historia del cine (y del arte) tienen que hacer trabajos así para poder sobrevivir…

En el papel del “Gato de Cheshire”,  otro genio: Stephen Fry, alguien con la capacidad de narrar “Pocoyó” en inglés o “Little Big Planet”, y al que muchos de nosotros recordaremos siempre por el papel del Inspector Thompson en “Gosford Park” o por protagonizar “Los amigos de Peter”.

Sólo de imaginarme cuál podrá ser el resultado final de la unión de un relato maravilloso, unos maravillosos actores y la maravillosa dirección de un director maravilloso (valgan tantas redundancias), se me hace la boca agua y sueñe con que llegue cuanto antes el 5 de marzo de 2010, día del estreno mundial de la película.

Alfredo Webmaster

 

Alicia en el País de las Maravillas, de Tim Burton - trailer -

 

 

Domingo, a 26 de Julio de 2009

Viviendo como vivimos en un planeta rico en recursos y que tiene capacidades sobradas para poder abastecer a todos sus habitantes, es inconcebible que más de 1.020.000.000 personas estén desnutridas.

La Organización de las Naciones Unidas para la agricultura y la alimentación (FAO) lo advierte nuevamente: es insostenible, injusto e irracional que se mantengan, o incluso incrementen, las diferencias sociales generadas por los enormes desequilibrios entre continentes y países; incluso, esta situación está agravándose cada vez más entre los distintos extractos de una misma sociedad, lo que está abocando a que más de la sexta parte de la población mundial subsista con menos de un dólar (60 céntimos de euro) al día.

Que entre dos seres humanos iguales (como tu que lees esto, o yo), que tenemos el mismo número de pies, brazos, pulmones, hígados, corazones o cromosomas, se den las escandalosas diferencias económicas que existen entre los muy ricos y los muy pobres, debería llevarnos a exigir cambios drásticos en las políticas sociales internacionales, cambios que sirvieran para realizar las transformaciones necesarias en los códigos y pautas de comportamiento de todos nosotros como seres humanos (racionales).

La lucha contra el hambre ahora, y durante muchos años, debería ser la más clamorosa de nuestras demandas sociales, la única bandera realista a la que deberíamos unirnos, todos.

Según la Conferencia de Naciones Unidas sobre Comercio y Desarrollo (UNCTAD), la crisis económica que está sacudiendo el mundo de manera global, no está golpeando con igual dureza a todos: hay países mucho más desfavorecidos que otros y las medidas para atajar los problemas económicos dejan al descubierto las nefastas estructuras industriales de los 49 países más pobres del planeta, demostrando su incapacidad de lograr un crecimiento y una reducción de la pobreza de carácter duradero.

Los 49 países más pobres, distribuidos en cuatro regiones, forma el conjunto de los PMA (países menos adelantados): 33 naciones se encuentran en África, 10 en Asia, 5 en el Pacífico y 1 en el Caribe.

Para mayor desgracia, el calentamiento global azotará de forma más significativa a los países del Tercer Mundo, que ya están sufriendo los efectos de un clima cambiante y están viendo aumentar sus dificultades para acceder al agua, la comida y la sanidad.

Como complemento a estos datos de apabullante dureza, os propongo que veáis el cortometraje “Chicken a la Carte” (Pollo a la carta) obra de Ferdinand Limadura, unos de los triunfadores del 56º Festival Internacional de Cine de Berlín, una obra en la que el consumismo, el poder, el derroche y la insensatez de unos, contrasta con la miseria, la necesidad y las carencias de otros. Son las dos caras de una misma moneda.

Y la moneda se llama injusticia.

Alfredo Webmaster

 

"Chicken a la Carte" (Pollo a la carta) por Ferdinand Dimadura

 

 

 

 

 

 

 

Domingo, a 12 de Julio de 2009

Raquel Weisz, Kate Winslet y Emma Thompson reivindican la naturalidad como arma para sus interpretaciones frente a compañeras como Nicole Kidman, por Barbara Celis (Nueva York) para elpais.com, 12/07/2009

Botox. Entró en la epidermis del siglo XXI con la fuerza de una locomotora: la palabra mágica podía borrar el tiempo de los rostros más arrugados y en Hollywood se convirtió en un producto tan común como el tinte de pelo rubio o el pintalabios rojo. Pero no todas las actrices reverencian al gran dios antiarrugas: la última en unirse al coro de las rebeldes ha sido Raquel Weisz. "El botox debería estar prohibido para los actores igual que los esteroides lo están para los deportistas". Así de rotunda es la británica en el próximo número de Harper's Bazaar UK. "Actuar consiste en ser expresivo. ¿Por qué borrar las arrugas de la expresión?" se pregunta Weisz, de 38 años, en una extensa entrevista.

Aunque la mayoría de las actrices pertenezcan al bando de Nicole Kidman, cuyo rostro angelical resplandece a costa de estar prácticamente paralizado por el botox, hay unas cuantas mujeres valientes que se han pronunciado antes que Weisz en contra de estas inyecciones de falsa juventud. Curiosamente, varias de ellas son británicas. La oscarizada Kate Winslet, lo ha dicho en numerosas entrevistas: "Quiero ser capaz de expresarme con mi rostro". Y Emma Thompson ha sido más que clara: "El botox sería una terrible traición hacia todo en lo que creo. No le veo ningún sentido. Tengo 50 años y pienso ¿por qué no puedo tener 50 años?, ¿qué tiene de malo? Me encantaría poder lavarle el cerebro a todas las mujeres del mundo y explicarles que no importa su aspecto. Es una obsesión insana", declaró el mes pasado en la web Bangshowbiz.

También hay mujeres made in Hollywood que tienen carné antibotox. Tanto Cate Blanchett, de 39 años, protagonista de El aviador como la reina de Sexo en Nueva York, Sarah Jessica Parker, de 43, son acérrimas enemigas del botox por principio. Y entre quienes no se han pronunciado hasta haber recibido el primer pinchazo está Jennifer Aniston... "Lo probé una vez y odié sus efectos. Era como llevar peluca", declaró este invierno en la revista People la protagonista de la serie Friends, de 41 años.

Pero desde que envejecer y que se note se ha convertido en pecado capital las voces que defienden la belleza de la arruga natural también hacen ruido. "Cuando tenga 80 años quiero mirarme al espejo y ver a una mujer de 80 años. Mis abuelas tenían muchas arrugas y cada una contaba una historia". Esta frase es de Penélope Cruz, de 35 años, quien no se opone a la cirugía "leve" pero no parece tener intención de utilizarla. La obsesión por mantenerse eternamente joven creció exponencialmente a lo largo del siglo XX y se disparó en el XXI ayudada por una industria antienvejecimiento que incita a hombres y mujeres a gastarse millones en seguir pareciendo adolescentes. Muchos de quienes viven de su aspecto físico ni lo dudan, puesto que prolongar la juventud es una forma de mantener sus ingresos bien altos, como en el caso de la modelo Linda Evangelista, que a sus 43 años dice sin rodeos: "Utilizo botox porque las modelos no somos sobrehumanas. Envejecemos".

El problema, sobre todo en el cine, es que el exceso de botox está convirtiendo las películas en un desfile de maniquíes incapaces de comunicar y quizás por eso, en los últimos años, muchas de las mujeres que se han llevado el Oscar han sido precisamente las antibotox: Penélope Cruz, Kate Winslet, Rachel Weisz, Tilda Swinton, Helen Mirren o Marion Cotillard, capaces de provocar un escalofrío simplemente con un movimiento de ceja. Como decía Alfred Hitchcock "no hay mejor efecto especial que un primer plano de un rostro humano". El botox está borrando este axioma del cine, pero quizás la defensa de la naturalidad gane la batalla.

 

Jueves, a 18 de Junio de 2009

Título original de la película: Gome baby, gome

Dirección: Ben Affleck

País: USA

Año: 2007

Duración: 114 min

Género: Drama, thriller

Interpretación: Casey Affleck (Patrick Kenzie), Michelle Monaghan (Angie Gennaro), Morgan Freeman (Jack Doyle), Ed Harris (Remy Bressant), John Ashton (Nick Poole), Amy Ryan (Helene McCready), Amy Madigan (Bea McCready), Titus Welliver (Lionel McCready), Michael Kenneth Williams (Devin), Mark Margolis (Leon Trett).

Guión: Ben Affleck y Aaron Stockard; basado en la novela de Dennis Lehane

Producción: Alan Ladd Jr., Dan Rissmer y Sean Bailey

Fotografía: John Toll

Montaje: William Goldenberg.

Diseño de producción: Sharon Seymour

Vestuario: Alix Friedberg

Estreno en USA: 19 Octubre 2007

Estreno en España: 31 Octubre 2007

Web oficial: http://www.gonebabygone-themovie.com/

Sinopsis

La historia empieza en Dorchester, un barrio obrero de Boston, en el que las sucias calles están pobladas de familias destrozadas y sueños rotos. Aquí es donde la pequeña Amanda McCready de 4 años ha desaparecido sin dejar huella. La policía no ha conseguido ni una sola pista, así que los desesperados tíos de Amanda suplican a los investigadores privados Patrick Kenzie y Angie Genarro que acepten el caso.

Aunque tienen serias dudas sobre si deben asumir o no el caso, Patrick y Angie conocen el barrio y también conocen la verdad sobre la madre drogadicta de Amanda, Helene. A medida que van avanzando en sus investigaciones, siguen pistas que les llevan al oscuro centro de Dorchester y a una serie de camellos, ex-presidiarios y corruptores de menores. Sin embargo esto no les acerca a Amanda. Aprovechando la atención que les prestan los medios, unen sus fuerzas a las del implacable detective Remy Bressant y al capitán de policía Jack Doyle. Pero justo cuando parece que este terrible caso está a punto de resolverse, el triste destino de Amanda se desvela en un segundo.

Todo el mundo intenta pasar página y seguir adelante, pero un atormentado Patrick es incapaz de olvidar lo que ha ocurrido. Cuando intenta dar marcha atrás siguiendo las pistas, se ve inmerso en una intensa telaraña de mentiras y violencia inexplicable, en el asombroso secreto que esconde la verdad y tendrá que enfrentarse a un dilema moral que hará que tanto él como el público se pregunten qué es lo correcto.


De Ben Affleck sabía pocas cosas: que era actor, que había participado en más de 30 películas, que había ganado un Óscar y un Globo de Oro al mejor guión original por “Good Will Hunting”, que tenía varios premios más del Sindicato de Actores, del Festival Internacional de Cine de Venecia y el Golden Raspberry… y que había sido novio y esposo de Gwyneth Paltrow y Jennifer López. Y nada más.

Documentándome, descubrí que detrás de esa fachada de actor guaperas hay una persona con una enorme apetencia por todo lo que tenga que ver con el cine y el arte, un hombre culto y educado, con interés por la política y militante del ala más izquierdista del Partido Demócrata.

Supe, también, que había dirigido un cortometraje cómico al que tituló de una forma complicadísima: “I Killed My Lesbian Wife, Hung Her on a Meat Hook, and Now I Have a Three-Picture Deal at Disney “ (algo así como “Mate a mi esposa lesbiana, la colgué de un gancho de carne y me acaban de ofrecer un contrato de tres películas con Disney”).

Para su primera película “seria”, Ben Affleck se rodeó de actores de contrastada experiencia, como la atractiva Michelle Monaghan, el magnífico y siempre espléndido Morgan Freeman, con otro de los mejores de los mejores, Ed Harris, y los siempre fiables Amy Madigan y el veterano John Ashton. Además, para el papel principal de la película, eligió a alguien de la familia, a su hermano Casey Affleck, que da vida al detective Patrick Kenzie.

El guión de “Gone baby, gone” está basado en una de las novelas detectivescas de Dennis Lehane, un maestro en la mezcla de personajes escabrosos extraídos de los barrios bajos en los que impera el crimen. Lehane sabe sumergirse en los recovecos del corazón y los deseos humanos más primitivos, allí donde se cruzan los amores y los odios, las fidelidades y las traiciones. El libro original trata sobre unos detectives del sur de Boston, la pareja formada por Patrick Kenzie (Casey Affleck) y Angie Genarro (Michelle Monaghan), una versión proletaria de los "Nick y Nora", los personajes de “El hombre delgado” de la novela de Dashiell Hammett

De Dennis Lehane es también la novela que le sirvió a Clint Eastwood para dirigir su escarizada “Mystic River”.

Es muy importante que tengáis puestos los cinco sentidos en el inicio de la película; los primeros minutos son las que definen el resto de la historia y dejan entrever los “intríngulis” del filme. Es el personaje de Patrick Kenzie quién dice, al inicio, todo aquello que necesitas saber acerca de cómo tiene estructurada su mente y de las decisiones que tomará a lo largo de la película: “Siempre creí que las cosas que uno no elige te convierten en lo que eres”.

En la película, Ben Affleck demuestra que sabe lo que se trae entre manos y que su obra no es el capricho caro de una estrella rutilante de Hollywood. Su maestría en la dirección de los actores es muy reseñable. Incluso su hermano, poco dado al histrionismo, borda el papel y hace muy creíble al personaje de un detective atormentado por las dudas y la fidelidad a unos principios morales que quiere mantener en todo momento, incluso cuando sabe que perderá lo más querido.

La película es vibrante, con momentos absolutamente perfectos, sobre todo al principio y el final; en la mitad del metraje se produce aparentemente un pequeño bajón que, cuando llegamos al desenlace, entenderemos por qué era necesario: a veces, antes de llegar a la tempestad pasamos por la calma.

Como curiosidad, el estreno de la película en Gran Bretaña fue retrasado debido a las similitudes que existían entre la temática del film y el caso de una niña desaparecida en Portugal, Madeleine McCann.

A pesar de esos parecidos, el film nada tiene que ver con lo sucedido. Además, fue rodado con anterioridad a ese secuestro.

Alfredo Webmaster

Casey Affleck (Patrick Kenzie) y

Michelle Monaghan (Angie Genarro)

Morgan Freeman (Jack Doyle) y

Ben Affleck (Director)

John Ashton (Nick Poole) y Ed Harris (Remy Bressant)

 

Otras películas en las que intervienen los actores del reparto:

- Casey Affleck: "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", "Ocean's thirteen", "The last kiss", "Ocean's twelve", "Gerry", "Ocean's eleven", "Escapando de la oscuridad", "American pie 2", "Hamlet", "Todos la querían... ¡muerta!", "200 cigarettes", "El indomable Will Hunting".

- Michelle Monaghan: "Matrimonio compulsivo", "Misión: Imposible III", "En tierra de hombres [North country]", "Sr. y Sra. Smith", "Kiss kiss bang bang", "El mito de Bourne", "Cosas de familia", "Infiel".

- Morgan Freeman: "El juego del amor", "Sigo como Dios", "Dame 10 razones", "El caso Slevin", "Ciudad sin ley [Edison]", "Una vida por delante", "Batman begins", "Danny the Dog", "Million dollar baby", "The big bounce", "Como Dios", "El cazador de sueños", "Pánico nuclear", "Toda la verdad", "La hora de la araña", "Bajo sospecha".

- Ed Harris: "Cleaner", "Copying Beethoven", "Una historia de violencia", "Me llaman Radio", "La mancha humana", "Las horas", "Una mente maravillosa", "Buffalo soldiers", "Enemigo a las puertas", "Pollock", "Estafadores".

 

Miércoles, a 17 de Junio de 2009

Como sabéis, siento devoción por la publicidad argentina. Me entusiasma la creatividad que derrochan y su mordaz crítica sobre la vida real, sobre las cosas más variadas del día a día.

Hoy os presento otro ejemplo, un anuncio realizado para el refresco Sprite, un spot titulado  ¡Tu amigo te tiene ganas!

La voz en off es de Jorge Lanata, un excepcional periodista argentino, colaborador habitual en la Tertulia Latinoamericana del programa que Gemma Nierga tiene en la Cadena SER.

Y tu… ¡Sí, tú… la chica que está leyendo esto!, ¿Sabías que tu amigo te tiene ganas?

Alfredo Webmaster

 

Domingo, a 7 de Junio de 2009

La importancia de tener "todo" en su sitio...

Tres magníficos anuncios de IKEA

Domingo, a 31 de Mayo de 2009

Fotos tomadas en el concierto del 5 de mayo de 2009

No sé si son o no el mejor grupo vocal del mundo, pero Angelite - El Misterio de las Voces Búlgaras es la demostración más palpable de lo que puede llegar a generar en el alma el sonido armonioso de unas voces prodigiosas.

El concierto que dieron el pasado 5 de mayo tenía mucha importancia para mí: era la tercera vez que las veía en directo (La Coruña y Vigo, hace 4 y 5 años), tenía la posibilidad de disfrutarlas al lado de casa, sin tener que desplazarme ex profeso, y suponía que el público pontevedrés vibraría con ellas: sólo me falló el público.

Estar ante ellas, que son un monumento sonoro de prestigio mundial y de una calidez humana apabullante, y comprobar como el Auditorio no tenía ocupadas ni el veinticinco por ciento de sus butacas, fue una tremenda desilusión. No sé si falló la publicidad del concierto o si lo que falló fue el nivel cultural de la ciudad. En todo caso, algo falló. Y es triste.

Angelite – El Misterio de las Voces Búlgaras, es un coro femenino que saltó a la fama gracias a un suizo: Marcel Cellier.

Marcel viajó por primera vez a Bulgaria en el año 1950, en las épocas más duras de Bulgaria comunista recién acabada a II Guerra Mundial. Encontró un país empobrecido y absolutamente destrozado por la maquinaria militar nazi.

Pero allí, en medio de la destrucción, también descubre a unas campesinas, en Sapareva Bania, que le asombraron con sus juegos vocales y su capacidad armónica cantando a capella.

En 1975 Marcel publica el primer disco de vinilo con un conjunto de canciones populares que interpreta el Coro de Canciones Populares de la Radio y TV de Bulgaria. Para que el disco tuviera mejor acogida en el extranjero, le cambio el nombre al coro y pasó a llamarlo “El Misterio de las Voces Búlgaras”, nombre con el que empezaron a ser reconocidas en algunos países europeos.

Las primeras críticas musicales confirman lo que Marcel intuía: eran las mejores voces del mundo y sus canciones populares, que interpretan vestidas con los ropajes tradicionales del país, tenían la capacidad de trasladar al oyente a un espacio sonoro nuevo, distinto, sumamente atrayente, con reminiscencias lejanas pero próximas para casi todos nosotros. A mi como español, me recuerdan a los sonidos gitanos, zíngaros. 

En el año 1987 el grupo sale por primera vez a cantar al extranjero, a Alemania. Dan 14 conciertos y su nombre empieza a sonar entre los más influyentes musicólogos. La Televisión Nacional de Bulgaria aprovecha la gira para rodar un documental titulado “El enigma de las voces búlgaras”.

Hasta el año 1990 no vuelven a salir de gira, en este caso a EE.UU. A raíz de este viaje de promoción, la fama se fue extendiendo por todo el mundo y también el número de sus actuaciones: sólo les falta por visitar Nueva Zelanda y Australia.

"En un comienzo, el coro se formó para preservar las tradiciones y dar conciertos por la televisión y la radio. No sé por qué las mujeres de Bulgaria cantan de este modo tan prodigioso, pero cuando queda un lugar vacante en el coro siempre surge una nueva maravillosa voz para reemplazarla", dice el manager del grupo, Vladimir Barov.

¿Qué tiene Angelite – El Misterio de las Voces Búlgaras para que sean admiradas, casi fanáticamente, por gentes de la música tan significativos como Peter Gabriel, George Harrison, Mercedes Sosa, Linda Ronstadt, Paul Simon, Charly García, Lito Vitale, Enrique Morente o Boby McFerrin?

Quizá lo que sucede es que cantan como viven; cantan canciones que hablan de los trabajos cotidianos y la vida de mujeres jóvenes y maduras, de madres y novias, de campesinas y montañesas. Las letras de sus canciones populares son la excusa para hablar de sus aventuras y desventuras, de recrear sus vivencias: "Puede ser que nuestras canciones sean extrañas para occidente, pero sucede que en Bulgaria hay voces que no son humanas y hablan sobre nuestra tradición. Como el viento", dice Vladimir Barov. "Hay cantantes que tienen sesenta años y que entraron al coro a través de competencias que se hacían en el interior de Bulgaria. Llegaban sin otra formación musical que los cantos que interpretaban habitualmente en sus pueblos. Hoy, en cambio, las chicas más jóvenes, que tienen diecinueve años, fueron postuladas por sus escuelas de canto. Llegan con otra preparación, pero el sentimiento es excluyente. Debe seguir siendo el mismo. Si bien el coro funciona en la capital de Bulgaria, en Sofía, la competencia para ocupar una vacante es un evento nacional", añade Barov.

Quizá ahí radica el éxito prodigioso de sus voces: son la memoria visible de un país que canta.

Hoy en día, y más en esta sociedad globalizada que tiende a la asimilación de culturas, será muy difícil encontrar ejemplos de autenticidad como el que representa Angelite – El Misterio de las Voces Búlgaras.

Una recomendación final: no dejéis de acudir a sus conciertos o, si no existe esa posibilidad, comprad alguno de sus discos y escucharlo en silencio, con las luces apagadas; mejor aún, con la luz parpadeante de una vela…

Alfredo Webmaster

 

Vídeo grabado por mí en el concierto del 5 de mayo de 2009

 

Video con la maravillosa canción “Zaidi, Zaidi Iasno Slantze” de Angelite – El Misterio de las Voces Búlgaras, usado para la banda sonora de la película “300”, del director Zack Zinder

 

Video de la primera actuación en EE.UU. en 1990, en la época de los vinilos

Jueves, a 21 de Mayo de 2009

 

El “coco de mer es el nombre con el que habitualmente se conoce al coco de mar (lodoicea maldivica), la semilla de una palmera de la familia de las arecacias originaria de las Islas Seychelles y Maldivas. También se las puede observar en estado salvaje en las islas de Praslin y Curieuse. Las semillas de esta palmera pueden llegar a pesar 20 kilos.

 

Pese a que no se le conocen propiedades farmacológicas, las formar redondeadas y extremadamente voluptuosas de las semillas han valido para que se las considerara afrodisíacas. Es innegable que sus redondeces y su canal transversal pueden hacer que la imaginación vuele y vuele… y vuelva a volar.

 

Coco de Mer es también el nombre de la más famosa marca de lencería que vende en Internet. La marca pertenece a Sam Roddick, hija de Anita Roddick, fundadora de la conocida marca de cosmética natural Body Shop.

 

Sus diseños de ropas vaporosas y sensuales, llenas de sexualidad (y buen gusto) le han dado una merecida fama; además, la presentación de sus nuevos productos vienen acompañados de campañas publicitarias de enorme calidad y excelente guión.

 

La clientela de la marca también puede encontrar consoladores de jade o de cristal con empuñadura de plata, mordazas de porcelana que imitan la boca de una geisha, vibradores anatómicos obra de conocidos diseñadores y artistas, látigos y grilletes de cuero de alta calidad y una amplia gama de afrodisíacos que tienen, desgraciadamente, un elevado precio.

 

La marca está dentro de lo que podríamos llamar, “alta costura” de la sensualidad.

 

Martin Aamund, un reputado publicista en colaboración con Johnson Film Barcelona, acaba de presentar para Coco de Mer el fantástico spot “Whatever Tickles Your Nancy”, un dechado de elegancia y divertida sutileza, con efectivísimos golpes de efecto, pero sin llegar a utilizar sexo explícito.

 

La canción que sirve de base sonora para el spot, “Love you”, es del grupo Free Design.

 

Espero que lo disfrutéis.

 

Alfredo Webmaster

 

Miércoles, a 22 de Abril de 2009

Susan Boyle en el casting de “Britain's Got Talent

Patos y cisnes, por Rosa Montero para elpais.com, 21/04/2009

Hay algo perverso en la historia de Susan Boyle, la escocesa un poco estrafalaria que triunfó cantando en uno de esos repugnantes programas de televisión que, con la excusa de buscar nuevos talentos, se dedican a burlarse de la gente. Y es que el asunto suena a falso: es imposible creer que los jueces que ponían esas confitadas caritas de embelesada sorpresa no supieran de antemano que la mujer no cantaba mal. O que la audiencia arrancara por sí sola en una rendida ovación en cuanto abrió la boca y sin apenas oírla, porque para ser aficionada lo hace bien pero no es un portento: tuvo que haber un regidor pidiendo aplausos, o una eficiente claque.

Pero la mentira mayor es la venta a granel del cuento del patito feo. Porque Susan es un patito feo de verdad. Es uno de esos seres puros y distintos, una inocente. Una mujer nunca besada por un hombre a sus 47 años, la típica hija eterna que cuidó de sus padres hasta que murieron. Bastaba verla con su aspecto chirriante y esos disparatados zapatos blancos de tacón sobre los que no sabía caminar para intuir que ha debido de ser objeto de chanzas toda su vida. Y ahora unos avispados vendedores de humo nos quieren hacer creer que los cuentos existen; que Susan se ha transmutado en cisne y que será feliz para siempre jamás. Cuando la verdad es que siempre va a ser un dulce pato; y da miedo pensar lo que puede hacerle la trituradora mediática a una criatura tan limpia e indefensa. Aunque, por otra parte, hay algo fascinante en este fenómeno de masas (su vídeo en YouTube ha batido todos los récords), y es la autenticidad de la propia Boyle. Y su complejidad: porque también los seres supuestamente simples poseen el don de la belleza, también les tiembla la enormidad del mundo en el corazón. Es una hermosa lección que nos da Susan, aunque quizá le salga demasiado cara.



 

Porno duro, por Nacho Gay para elconfidencial.com, 22/04/09

La historia se repite. Siempre se repite.

Con el cadáver de Jade Goody aún caliente, les cae del cielo a los británicos una nueva diosa pagana y efímera a la que adorar. Ella es Susan Boyle, una tipa extraña y contrahecha, que canta como los ángeles y que se declara virgen a los cuarenta y tantos. Comprenderán que, gracias a estas “peculiaridades”, Boyle es una pieza de orfebrería catódica; una mujer eminentemente telegénica.

Sólo por hacer espectáculo de su naturaleza anómala, le ofrecerán becerros de oro a esta señora escocesa aquellos a los que les canta canciones de “Los miserables”. Acertadísima elección la suya en el casting que le lanzó a la fama, por cierto.

Mojarán las bragas todas las entrevistadoras negras y pudientes de Norteamérica por tener a esta “pieza” en su coto de caza. A tiro. Babearán todos los periódicos pornógrafos de la Gran Bretaña por honrar con ella la filosofía de Hearts. William Randolph Hearts.

La historia se repite. Siempre se repite.

Lo último que se ha sabido es que una productora americana con necesidad de publicidad gratuita le ha ofrecido a esta afable ama de casa realizar una película porno, como si en realidad no la llevase protagonizando ya varios días. Le piden que se desnude y se deje reventar el “virgo” a cambio de un millón de dólares. Qué originales. Pero para porno duro lo que están haciendo los medios con esta buena señora. La antropofagia de la prensa le devorará hasta dejarle el ADN completamente descalcificado.

Sin embargo, Susan Boyle está a todas luces viviendo un sueño. Y nosotros con ella. El sueño de la fea que jamás fue besada por un hombre, a la que ahora le ofrecen cantidades indecentes de dinero por tocarle los pechos.

Ser más famoso que Obama, lograr cien millones de vistas en Youtube o que te paguen por tocarte los pechos. Imposible is nothing. Lo dicen los spots, las canciones de Disney y lo repiten con insistencia los talent shows que han venido a redimirnos. A todos los feos sin padrino. A todos los monstruos de esta parada.

Entre chupasangres y chupatintas con devoción por el marketing viral, empresarios del “cátodo” con cuentas en Suiza y espectadores con hambre de fetiches y amuletos (qué poco nos separa aún de la Alemania hitleriana) asoman la cabeza dos verdades incontestables. La primera, que la democratización del éxito es la mayor farsa del siglo XXI. Y, la segunda, que la historia, esta historia, siempre se repite.

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