Música y Vino

Puedo intentar ser sincero pero nunca seré imparcial…
Miércoles, a 22 de Febrero de 2012

Eduardo Cicchetti (Roma, 13 de septiembre de 1973) es uno de los más grandes fotógrafos de Italia.

En el año 2003, durante la celebración del 60 aniversario del Festival de Cine de Venecia, tuvo el honor de que una de sus obras, "Oriental Italiana Sur", fue la película que inauguró el festival. En el 2006 se hizo cargo de la dirección del estudio fotográfico vanguardista “Time Lapse”.

En 2010 expone su obra en el Miami Art Basel. También en ese año fue galardonado como mejor director de fotografía del mundo por los anuncios del grupo Unipol UGF, usando la técnica de Tilt Shift.

Tiene obras pictóricas, fotográficas y videográficas expuestas en algunos de los mejores museos italianos: Museo Pecci o Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo; es uno de los artistas más solicitados por las más importantes galerías de arte de su país.

En su trayectoria profesional como responsable de Timelapse.it obtuvo más de 50 galardones en festivales italianos e internacionales por documentales como el que hoy cuelgo en mi página.

Se trata de dos vídeos de pocos minutos realizados con la técnica HDR. El resultado son dos obras de una gran riqueza plástica y rara belleza; además, la música que acompaña el metraje demuestra el cuidado que pone Eduardo Cicchetti en la selección de todo lo que interviene en sus trabajos.

Espero que los disfrutéis.

Alfredo Webmaster

 

M I A M I  jazz - Time Lapse Photography

Photography: Edoardo Cicchetti - Timelapse.it

Production: Alessandro Cecconi

Music: My Funny Valentine, de Chet Baker

 

C A T H E D R A L - Miami in HDR

Photography: Edoardo Cicchetti - Timelapse.it

Production: Alessandro Cecconi - Vino e Olio - Miami

Music: Fortune Plango Vulnera, de Carmina Burana (Carl Orff)

 

Categorías:
Lunes, a 9 de Mayo de 2011

Decir de él que es uno de los más grandes fotógrafos del último cuarto de siglo, es decir poco. Decir de él que es bizarro, grotesco, excesivo, impactante, perverso, sensacionalista, glamoroso, vanidoso o lujurioso, es limitarlo.

Realmente, David LaChapelle (Connecticut, 1969) es mucho más que todos esos calificativos por separado, y es mucho más que todos ellos a la vez: es uno de los privilegiados que ha logrado hacer que las superestrellas se sometan a sus objetivos (fotográficos y artísticos) y a su fantástica imaginación.

Es, posiblemente, el fotógrafo que mejor ha retratado a las “celebrityshollybudenses y del showbusiness, pilladas (sin improvisaciones, sin dejar nada al azar) en una pose que mezcla el virtuosismo de sus cámaras con su enorme capacidad de comunicación.

Su prestigio como artista gráfico siempre estuvo a la misma altura, si no más, que el de sus modelos fotografiados, fueran quienes fueran los personajes retratados.

Inició su trabajo hace 25 años de la mano de Andy Warhol, cuando le encargó la realización de varios reportajes para la revista Interview. Después de estos trabajos, nunca dejó de ser el fotógrafo más reclamado por las principales revistas del mundo de la moda, del diseño, del corazón o de las variedades.

Sus fotos (auténticas obras de arte) siempre reflejan el lado más reflexivo del personaje retratado: el culto desmedido a la personalidad, la degradación y perversión de las culturas populares modernas, los excesos de la vanidad, la lujuria o la explosión desmedida de la gula rápida (su obra “Muerte por hamburguesa” es un icono del movimiento slow food: una modelo aplastada por un bocadillo de carne).

Sus trabajos de la serie “Eveils” (Museum, Statue, Cathedral) sobre el diluvio universal o “Deluge” inspirados en las obras de Miguel Angel en la Capilla Sixtina, son la quinta esencia del arte fotográfico, el sumum de un provocador nato.

Como dice Gianni Mercurio, crítico especializado en su obra, “sus fotos gritan” y su arte es un mensaje gráfico sobre “una sociedad dominada por la publicidad y por el comportamiento consumista, en donde la verdad sucumbe a la simulación”.

Hace pocos días, en una visita que hizo a México LaChapelle exclamó: "Ya no tengo nada nuevo que decir de esta gente, del pop y de la sociedad de consumo". Una declaración tan impactante, viniendo de quien viene y estando donde estuvo, supone una profunda cargada de reproches hacía las veleidades del famoseo y en contra de la fanfarria que rodea el mundo ficticio en el que viven estos personajes; y pone punto y final a una de las trayectorias artísticas más impactantes de los últimos años.

¿Con qué nos sorprenderá LaChapelle en el futuro? Estaremos atentos…

Alfredo Webmaster

Nota: en las fotos que incluyo aparecen retratados personajes muy conocidos de la música, del cine, de los deportes, de la moda…

 

 

 

Categorías:
Lunes, a 25 de Abril de 2011

Por Sergio Darío (Cantabria, España)

Este óleo es probablemente el más proscrito de la historia de la pintura. Es una obra de arte, nadie lo pone en duda. Su autor, Gustave Courbet, es una figura innegable de la pintura mundial. Está expuesta en el Museo de Orsay de Paris, también conocido como el Museo de los Impresionistas… pero Facebook no lo quiere ni en pintura en su web.

Un internata francés presentó una denuncia contra la red social Facebook por haber cerrado su cuenta, en la que tenía una foto de El origen del mundo, el cuadro del pintor Gustave Courbet que representa a una mujer mostrando su sexo

Esta es la noticia, publicada en un diario francés. Pero no es la primera vez. Hace unos años canceló la cuenta de otro usuario por idéntico motivo.

No me importa admitir que su presencia me impactó cuando lo vi por primera vez, colgado entre otras obras maestras de autores impresionistas, en su Museo de la antigua estación de ferrocarril de Orsay, en una sala contigua a la de Van Gogh.

No conocía su existencia. No me lo esperaba “allí”. Pero es perfecto, es lógico, ese es su lugar. Su contundencia transgresora ayuda a reubicarte: aquello no es el Louvre.

Los impresionistas surgen del rechazo de los academicistas. Sería acertado decir que toman impulso de aquel rechazo y se levantan sobre él, como una ola rebasando un dique.  El propio término “impresionistas” es un calificativo despectivo de un crítico oficialista de la época. Los impresionistas fueron, en sus orígenes, rebeldes, contestatarios, inconformistas, transgresores, eclécticos, innovadores… y cotidianos.

El Salón de los Rechazados expuso, entre otros, Almuerzo sobre la Hierba de Manet, en donde una mujer totalmente desnuda departía, sosegadamente, con dos caballeros impecablemente vestidos, todos apaciblemente sentados sobre la hierba de un paraje boscoso. Tres años más tarde, Olympia, también de Manet, escandalizó una vez más porque su maravilloso desnudo no era el de una diosa del etéreo universo mitológico grecorromano. Es una prostituta de un burdel de Paris. Como las que él y sus irritados detractores conocían bien. Tanto la modelo de Almuerzo sobre la Hierba como la Olympia miran al espectador, nos miran, directamente a los ojos. Ellas están serenas… nos invitan a sentarnos a su lado, nos interrogan, nos desafían.

Costo décadas romper el rechazo que aquellas imágenes causaban en un público que daba por hecho que la pintura tenía, como principal objetivo, el ornato y el exhibicionismo técnico.

Coubert representó, en muchas ocasiones, el cuerpo desnudo con gran maestría y también con gran sensualidad: El Sueño, Mujer en las Olas… pero con El Origen del Mundo (1866) Coubert dio un paso más allá. Este pequeño lienzo de 46x55 nunca ha sido aceptado con, digamos, naturalidad.

Probablemente no es ni siquiera el motivo en si, sino por la forma en que nos lo presenta, con los miembros y la cabeza cercenados o fuera del encuadre, y sin otra referencia “humanizante” que la de los pechos al fondo.

La obra rodó de mano en mano, pero siempre en ámbitos privados, secretos e íntimos, como un objeto vergonzante. Desde su subasta en 1868 hasta su exhibición definitiva en Orsay en 1995, la obra nunca estuvo expuesta abiertamente al público. Ni siquiera conocemos el título original. Sus sucesivos propietarios la admiraban tanto como les ruborizaba que se supiera que estaba en su poder, por lo que la obra siempre estuvo oculta de una u otra forma, incluso detrás de otros cuadros. Hay incluso un largo periodo de tiempo en el que se desconoce su dueño y paradero.

En el ya muy moderno Paris de 1977 esta obra no se incluyó en una retrospectiva de Coubert. Para evitar males mayores…

El argumento que Facebook utiliza para defender la retirada de la cuenta del usuario “exhibicionista” es este: Facebook pretende así convertirse en un lugar virtual seguro para los visitantes, incluidos los numerosos niños que lo utilizan"… si, está bien escrito: SEGURO, un lugar “seguro” (sin coños), especialmente “para los niños”…

Bien mirado, y teniendo en cuenta que el parto, según muchos especialistas, es un episodio traumático para el recién nacido, es posible que los censores de Facebook estén tratando de evitar que afloren dolorosos recuerdos del subconsciente de los niños, que lo tienen más reciente. Eso o es que son unos mojigatos.

De cualquier manera, es evidente que en el siglo XXI el coño sigue siendo un elemento de poder, y así, libre y sin dueña, un peligro.

 

Categorías:
Sábado, a 5 de Marzo de 2011

The Lady of Shalott” (1888)

Dentro de las ‘bellas artes’ clásicas, arquitectura, escultura, pintura, literatura, danza y música, cada uno de nosotros tiene sus particulares preferencias por las distintas formas de expresar belleza: lo que para mi puede ser hermoso o estético, para otro puede no serlo tanto.

En lo que todos deberíamos estar de acuerdo es en que, básicamente, para que una obra sea una expresión de las ‘bellas artes’, debería venir acompañada de armonía en las formas y en el fondo. Y de trabajo.

De igual manera que no es lo mismo escribir, por ejemplo, este texto, teniendo como música de fondo el “Concierto para clarinete y orquesta en La Mayor” de Mozart, que tener que soportar el ruido ‘doom metalero’ de los Kotiteollisuus o Paradise Lost, tampoco es lo mismo admirar la belleza onírica de un cuadro de John William Waterhouse que los garabatos desnortados del cuadro “trampa” que se expuso en ARCO 2011 (ver enlace).

Aprovechando que cite a John William Waterhouse como referencia, me gustaría hablar de él y de su arte, injustamente olvidado durante años.

Pese a ser de ascendencia británica, John William Waterhouse nació en Roma en el año 1849, en una casa en la que convivían dos artistas de la pintura: sus padres.

Gracias a ellos el arte entró en su vida y fue parte de ella: Nino, diminutivo del nombre Giovannino, como era conocido en su casa, ingresó a los 15 años en la Royal Academy Schools de Londres, una escuela reservada a los hijos de la nobleza que tuvieran una marcada personalidad artística, como era el caso del joven John William.

Sus primeros trabajos, de temáticas clásicas, se exhibieron en la propia Royal Academy Schools, en la Sociedad de Artistas Británicos y en la Dudley Gallery.

Sus obras recorrieron y coquetearon con varios estilos distintos: neoclásico en sus inicios, más adelante prerrafaelita, influido por los impresionistas hacia 1900 y, finalmente, simbolista. La temática de sus cuadros incluía temáticas clásicas de marcada influencia literaria y mitológica.

Su cuadro más conocido, “The Lady of Shalott” (1888), que se puede admirar en la Tate Britain de Londres, presenta como fondo, en un todo, un paisaje inglés con trazos de color apagado, y juncos, en primer plano, ejecutados con sutiles pinceladas demostrativas de su calidad. En toda la obra impera una riqueza de color que ayudan a enfatizar la figura central de Elena, “The Lady of Shalott”, señora que, según la leyenda, había sido encerrada en una torre donde tejía noche y día, mientras un susurro le anunciaba una horrible maldición si miraba en dirección a Camelot (el castillo de los Caballeros de la Tabla Redonda).

La atmósfera que se respira en todo el cuadro está envuelta en una luz cenital que inunda toda la escena y que se aviva en el fondo del paisaje, dado al trabajo un aire medievalista fantástico.

Con esta misma temática, Waterhouse pinto dos obra más: "Lady of Shalott. Looking for Lancelot" (1894), y "I am half sick of shadows, said the Lady of Shalott" (1915).

La riqueza de matices y profusión de detalles que tienen todas las obras de John William Waterhouse, han servido de guías y modelos para la realización de muchísimas películas. Por ejemplo, en la trilogía de “El Señor de los Anillos”, dirigida por Peter Jackson, “Legend”, de Ridley Scout, “The Chronicles of Narnia”, de Andrew Adamson o “Perfume: The Story of a Murderer”, de Tom Tykwer, tal como se puede leer en el excelente trabajo escrito por Alma Obregón Fernández, publicado en Universidad Complutense de Madrid y titulado: “El medievalismo victoriano hoy. Prerrafaelismo y John William Waterhouse en ‘El señor de los anillos”.

La vida John William Waterhouse, como decía al principio, pasó por momentos de gran reconocimiento popular, por largos años de ostracismo y olvido, y últimamente por un reverdecedor reconocimiento y prestigio, siendo en estos momentos uno de los artistas más valorados y demandados en las subastas de arte.

Acompañando mi artículo, incluyo reproducciones de varias de sus obras, que podréis observar con más detalle si entráis en la página de Wikimedia Commons pulsando en el enlace.

Alfredo Webmaster

 

 

Circe ofreciendo una copa a Odiseo (1891)

 


Ulises y las sirenas (1891)

 


Ofelia (1889)

 


Miranda. La tempestad (1916)

 


Ofelia (1910)

 


Diógenes (1882)

 

Juntad capullos de rosa mientras podéis (1909)

 

Las favoritas del Emperador Honorius (1883)

 

Santa Eulalia (1885)

 

Categorías:
Viernes, a 4 de Marzo de 2011

Después de haber codirigido una sala de arte durante muchos años, un especio cultural, por cierto, muy prestigiado a nivel gallego, de haber asistido e inaugurado decenas de exposiciones, de haber participado en decenas de cócteles rodeado de artistas de toda índole y condición, de haber formado una magnifica colección de catálogos de exposiciones (muchos de ellos dedicados) o de haber tenido que ‘admirar’ auténticos bodrios infumables, llegué a una conclusión (muy) personal: que al lado de algunas verdaderas obras de ARTE (con mayúsculas), conviven muchísimas bazofias que no pasa de ser meros engaños para papanatas y pedantes recalcitrantes. En el vídeo que está al final de mi escrito veréis uno de esos casos.

La Feria de Internacional de Arte Contemporáneo “ARCO”, que se celebra en Madrid los días 16 a 20 de febrero, es el evento artístico más importante de España y uno de los primeros de toda Europa.

Es, por tanto, una feria en la que se dan cita los más prestigiosos galeristas de los continentes europeo y americano, los coleccionistas privados y públicos más solventes y exclusivos, los artistas más consagrados y reconocidos, muchos artistas noveles pero con proyección de futuro, profesionales del sector, directores de museos y de salas de exposiciones privadas, críticos de arte de presa, radio y televisión, y público en general. Para que os hagáis una idea de lo que se mueve en torno a ARCO, en la edición de este año acudieron a la feria más de 150.000 personas.

Y ahora observar el vídeo: sobran las palabras.

Alfredo Webmaster

 

Categorías:
Sábado, a 22 de Enero de 2011

Si el tiempo, y los tiempos, no fueran los que fueron, si no se hubiera detenido la vida “real” durante decenios, si los movimientos de emancipación “mental” no hubieran fracasado o si la libertad de expresión no hubiera sido la enemiga a batir por la revolución bolchevique, tal vez en los años 40’s y 50’s del siglo pasado habrían surgido “Pin-up girls” en la URSS (Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas), mujeres que habrían representado el prototipo de la mujer de esos años, como sí sucedió en EEUU.

Se llamaba “Pin-up girl” a los dibujos (o fotografías) de chicas en actitudes sugerentes, sensuales. Las “Pin-ups girls” seguían un patrón estético: mujeres bonitas, carnosas, pilladas en situaciones "comprometidas", mujeres que destilaban erotismo e ingenuidad, a partes iguales, por todos sus poros. Casi ninguna de ellas aparecía desnuda. Su encanto, lo que las llevó al éxito, residía en su forma de posar y de mirar, en esa falda que mediovuela enseñando lo justo o en esa lencería que motiva más que enseña.

Al principio, las “Pin-ups girls” se vestían de forma más recatada; con el paso de los años la vestimenta se fue volviendo más y más vaporosa, hasta ser los modelos estéticos de una nueva feminidad: las "cheesecake" (la pastelito de queso, o quesito) o las "girl-ext-door" (la vecinita de al lado).

El éxito de las “Pin-ups girls” fue rotundo: con el paso de los años han llegado a influir en muchos terrenos de la moda y el comportamiento, modificando la estética del cine y sus prototipos de feminidad, la televisión, la publicidad, el cómics…Su importancia fue tan grande hasta el gobierno norteamericano de la 2ª Guerra Mundial, llegó a regalar “Pin-ups” a los soldados para que las colgaran en sus taquillas y les subieran la moral.

La rusa Irina Davis quiso imaginar cómo podrían haber sido las soviéticas de esos años, fotografiando mujeres en las que mezcla la estética de una “Pin-up” yanqui, con las modas y ropajes (atípicos) de una rusa de la época.

¿El resultado? A la vista está, y aquí lo publico.

Alfredo Webmaster

 

 

Lunes, a 4 de Octubre de 2010

Hasta que Isabel “la Guadiana” me habló de él, nada sabía: para mí, era un perfecto desconocido.

Natural de Mosfellsbær, este islandés de 24 años de nombre Ólafur Arnaldo es un impactante compositor y músico capaz de mezclar el sonidos de las cuerdas de un Steinway & Sons con la tonalidad metálica y electrónica de un Moog, consiguiendo un cross-over entre lo clásico y lo moderno de estilo neoclásico.

Investigando sobre la canción que me recomendó Isabel, llegué a su último trabajo, “Found Songs”, una joya publicada en el mes de abril de este año que compuso y grabó, dando rienda suelta a su imaginación, en una única semana. Siete canciones en siete días.

Su música, según iban surgiendo de su prolífica creatividad, las fue colgando en su página persona de Myspace para su descarga gratuita. Y allí sigue.

La canción más conocida de este trabajo, “Ljósið”, tiene como soporte visual un vídeo del diseñador gráfico argentino Esteban Diácono, un excepcional trabajo realizado con la técnica “motion graphic”, en el que se puede disfrutar del movimiento de distintos tipos de humos policromáticos que se desplazan bailando al ritmo de la música, consiguiendo un efecto de aplastante e hipnótica belleza.

El estilo sonoro y visual que proyecta este trabajo nos permite imaginar las frágiles, emocionales y lejanas tierras árticas, llenas de profundos blancos y relajado ambiente.

Vale la pena…

Alfredo Webmaster

 

 

Domingo, a 26 de Septiembre de 2010

Hacía mucho que no escribía sobre pintura, que no hacía referencia a algún artista de los que me gusta, de los que contar algo de su vida, de su estilo pictórico, de su valía e importancia en las bellas artes. Hoy no puedo, no quiero, dejar de hacerlo. Hu Ming se lo merece.

Después de años de haber conocido la China en blanco y negro de los 70’, y la del verde oliva de los trajes militares, me encantó descubrir que había algo más que aquel sempiterno color que tenía que usar los militares post Revolución Cultural, que había otra forma distinta de ver al ejercito del pueblo, a aquellos millones de hombre y mujeres que tenía como referencia incuestionable el Libro Rojo de Mao.

Con Hu Ming he descubierto la parte más erótica y sensual de las soldados del líder celestial Mao Zedong, una visión de ellas cargada de reminiscencias lésbicas.

Hu Ming nació en el seno de una familia de cirujanos del ejército. Sus padres querían que también fuera médico, pero en ella sólo deseaba pintar, retratar lo que veía. Y lo hacía muy bien.

Durante sus estudios en secundaria, los profesores le encargaron que realizada un retrato de Mao Zedong. A sus padres esta encomienda les produjo una gran preocupación: si lo hacía mal, podría terminar en la cárcel, algo habitual en todas las dictaduras personalistas. Su madre, una mujer inteligente y culta (cultura adquirida al margen de la nimiedad del régimen maoísta) animó a su hija a practicar mucho hasta que estuviera segura de hacerlo bien.

Lo hizo bien. Lo hizo tan bien que se pasó todos los años de su educación secundaria y superior, pintando y pintando cuadros del amado líder en distintas poses y situaciones.

A los 15 años, animada por sus profesores y el propio PCCh (Partido Comunista Chino), entró a forma parte del ejército. Terminados sus estudios fue destinada al hospital de Tian Jin, un inmenso centro con capacidad para 7.000 enfermos.

Empezó trabajando como bibliotecaria y responsable de cine. La mayoría de su tiempo lo consumía en viajes en un camión-cine, en donde estaba instalado un proyector de películas que se exhibían tanto en el propio hospital como en los pueblos de los alrededores. Los filmes eran infumables panfletos loando los logros de la Revolución, a mayor gloria de su líder celestial, el dictador Mao Zedong.

Sus continuas indisciplinas, sus ausencias continuadas del trabajo, su nulo amor por la Revolución y de la obligatoria lectura del Libro Rojo de Mao, lectura que tenían que hacer los chicos entre las 06:30 y las 07:30 horas de la mañana todos los días del año (leerlo le producía tan sopor que terminaba plácidamente dormida), hizo que los comandantes del ejército la castigaran continuadamente.

Además, como bibliotecaria, tenía acceso a libros prohibidos en China. Y los leía, algo penado con cárcel.

Entre esos libros prohibidos, so pena de cárcel, estaba uno con la historia e ilustraciones sobre la vida del gran Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni Miguel Ángel, el escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista más importante de la historia. El libro era un tratado sobre la anatomía humana, con figuras de hombres desnudos. Aquello, para ella, a sus 16 años, fue pura fascinación, puro éxtasis artístico, pura belleza plástica. A pesar de los riesgos que conllevaba vre algo que estaba considerado como material pornográfico, se atrevió a hacer copias de los dibujos y prácticas sobre los modelos de Miguel Ángel. El libro, que hizo desaparecer de la biblioteca, terminó escondido en su habitación debajo de la almohada, en medio de su ropa interior.

Craso error: los soldados tenía por costumbre robar la ropa interior de las mujeres soldados para sus solitarias (y manuales) prácticas nocturnas. En uno de esos robos descubrieron el libro.

Llamada a capítulo por los comandantes del ejército para un juicio público, fue acusada de robo y tenencia de pornografía: “En este libro hay imágenes de hombres sin ropa, ¡desnudos! y tú te has dedicado a copiarlas ¿Cómo pueden gustarte estas cosas?”, le dijeron. Hu Ming estaba tan aterrorizada, tan asustada ante lo que se le podría venir encima, que rompió a llorar y acepto ser acusada de tener problemas mentales. El comandante no informó del incidente, pero ella nunca más volvió a ver a su amado Miguel Ángel (ni su ropa interior).

En el año 1976 fue destinada como enfermera ambulante a varios centros médicos militares. Gracias a su gran valía como retratista, obtuvo muchos premios por sus cuentos animados con pinturas realizadas a mano.

Pronto descubrió que lo suyo no eran ni las vendas ni los apósitos, y menos aún la sangre: en su primera intervención quirúrgica, se desmayó en pleno parto con cesárea.

No todas sus experiencias hospitalarias fueron malas: descubrió que le encantaba aplicar inyecciones en los traseros de las soldados y los soldados chinos, que ser aprendía mucha anatomía en directo, que podría descubrir formas, redondeles, matices, texturas… de hay su preferencia, y especialización, por los traseros en las pinturas.

Mientras ejercía como militar también se dedico al estudio, terminando su carrera como licenciada en Arte por la Universidad de Beijing (Pekín).

Con la finalización de su carrera en Arte, finalizó también su vida militar: harta de rigideces, de horarios medidos y asqueada por lo que pasó en la plaza de Tiananmen en 1989, dejó la carrera militar con el grado de Mayor para dedicarse plenamente al arte, a la pintura… Después de años y años de trabajo entre muertos y enfermos, dejó que su arte plasmara el hermoso atractivo de los cuerpos sanos y voluptuosos, como los que representa actualmente en su pintura feminista: “una nueva mujer para una nueva época”.

La obsesión artística de Hu Ming por las mujeres tiene simbología freudiana, reminiscencias de las muchas veces que tuvo que leer el Libro Rojo de Mao, sobre todo aquel pasaje que dice: “Con el fin de construir una gran sociedad socialista, es de suma importancia movilizar a las grandes masas de mujeres para que se incorporen a las actividades productivas. En la producción, hombres y mujeres deben recibir igual salario por igual trabajo. Sólo en el proceso de la transformación socialista de la sociedad en su conjunto se podrá alcanzar una auténtica igualdad entre ambos sexos”.

Yo, un mero aficionado a esto del arte, me quedo con el grafismo, la sensualidad y el colorido impactante de su pintura. Es Hu Ming.

Alfredo Webmaster

 

 

Viernes, a 13 de Agosto de 2010

 

En sus primeros compases, cuando arrancan la voz y las guitarras, aparenta ser una composición de aires folk-pop, en el estilo de un Ian & Sylvia Listen Now, Burl Ives o Kingston Trio Listen Now, pero según avanza la canción descubrimos que se trata de un tema popero de espíritu psicodélico y aire experimental, más en la onda de los Arcade Fire.

Pero no son ellos; se trata del grupo francés Hold Your Horses! y su “70 Million”, una canción y un vídeo absolutamente apabullante, una obra maestra de la creación visual, muy pero que muy por encima de lo que suele ser habitual en los videoclip musicales.

El videoclip, producido por L’Ogre, esta formado por escenas concadenadas en las que se trata de reproducir, de la forma más fiel posible, obras pictóricas de fama mundial de artistas de la talla y calidad de un Botticelli, Velázquez, Picasso, Mondrian, Andy Warhol, Van Gogh o Gustav Klimt.

Las 24 obras de arte maravillosas que veréis, siguiendo el orden de las imágenes, son:

- Leonardo da Vinci, L’ultima cena (1495 – 1497)

- Sandro Botticelli, La Nascita di Venere (1485-87) 

- Rembrandt, Anatomische les van Dr. Nicolaes Tulp (1632) 

- Jean Clouet, Portrait de François Ier (1525)

- Johannes Vermeer, Het meisje met de parel (1665)

- Théodore Géricault, Le Radeau de la Méduse (1818-1819)

- Jacques-Louis David, La Mort de Marat (1793) 

- Michelangelo, Creazione di Adamo – en la Capilla Sixtina – (1510) 

- René Magritte, Le fils de l’homme (1964) 

- Piet Mondrian, Composition (1914 – 1944) 

- Frida Kahlo, Autoretrato (1926 – 1954) 

- Pablo Picasso, Retrato de Dora Maar Sentada (1937)

- Edvard Munch, Skrik (1893 – 1910) 

- Andy Warhol, Marilyn Monroe (1967)

- Autor desconocido, Gabrielle d’Estrées et une de ses soeurs (1594)

- Giovanni Cimabue, Maestà di Santa Trinitá (1285-1286)

- Caravaggio, Salomè con la testa del Battista (1608) 

- Édouard Manet, Olympia (1863) 

- Eugène Delacroix, La Liberté guidant le peuple (1830) 

- Otto Dix, Portrait of the Journalist Sylvia von Harden (1926) 

- Gustav Klimt, Der Kuss (1907-08) 

- Marc Chagall, La Mariée (1950) 

- Diego Velázquez, Las Meninas (1656) 

- Vincent Van Gogh, Zonnebloemen (1880)

Verlo y oírlo nos permite hacer un paseo por la historia de la pintura que no nos dejará indiferentes.

No os lo perdáis: disfrutadlo.

Alfredo Webmaster

 

 

 

Martes, a 26 de Enero de 2010

Si algún día tuviera la oportunidad, me encantaría poder encargarle el diseño de una casa a Javier Senosiain, y además querría que se pareciera al Nautilus, una de sus obras más señeras.

Javier Senosiain es un arquitecto mexicano miembro del movimiento “Arquitectura orgánica” o “Bioarquitectura”, un estilo de construcción que sigue los modelos y pautas de grandes genios como Frank Lloyd Wright, Hundertwasser o nuestro Antoni Gaudí, que buscaban la integración de los principios naturales de las edificaciones entremezclados con formas animales, con una finalidad: humaniza la arquitectura, crear líneas y formas lo más naturales posibles, lo más próximas a la naturaleza.

Las formas redondeadas y serenas de sus diseños, no son sólo interesantes para técnicos o profesionales de la actividad, también son muy atractivas para los decoradores, biólogos, ingenieros, naturistas o cualquier otro que busque el hermanamiento entre lo moderno y lo natural.

Según sus propias palabras, “el ser humano no debe desprenderse de sus impulsos primigenios, de su ser biológico. Debe recordar que él mismo proviene de un principio natural y que la búsqueda de su morada no puede desligarse de sus raíces; es decir, debe evitar que su hábitat sea antinatural”.

Entre sus obras más conocidas, están: las Oficinas Mayorazgo de la Ciudad de México (1982), la Casa orgánica en el Estado de México (1985), los Laboratorios Senosiain en Celaya, Guanajuato (1985), la Casa Flor en Naucalpan (1994) y el conjunto de viviendas denominado el Nido de Quetzalcóatl (2005).

¿Por qué me gustaría tener una casa similar a la Nautilus? Por que es el súmmun de la unión de un diseño avanzado con lo humano en la naturaleza: su integración con el entorno, sus formas sinuosas (en la naturaleza apenas hay líneas rectas), sin aristas, la búsqueda de una similitud con una concha marina varada en tierra adentro, su aire relajante y sus colores brillantes pero tranquilos, hacen de la casa Nautilus el hogar ideal para vivir. Los cristales multicolores que dejan penetrar la luz natural al interior, tienen una variedad cromática similar al del arco iris, que le ambiente un aire evocador de lo marino.

Para la construcción de la casa se utilizó un material habitual en el sector: el ferrocemento, un compuesto de hormigón y mallas de alambre de poco peso y espesor, gran resistencia pero flexible, lo que mejora la estabilidad de la estructura y no tiene apenas mantenimiento; además, es muy seguro en caso de seísmo.

Viendo sus casas, sus diseños, sus formas, es fácil imaginar que en cualquier momento aparecerá por sus puertas redondeadas, gráciles e integradas en la estructura, Frodo Bolsón acompañado de sus amigos, los hobbits de la Tierra Media.

Alfredo Webmaster

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Categorías:
Martes, a 17 de Noviembre de 2009

Si hay algo en lo que todos podremos coincidir, es en que Ray Caesar es uno de los mejores y más inclasificables artistas actuales, un magnífico creador de espacios y figuras, excéntricas, es cierto, y un inagotable provocador.

Es, como muchos de los grandes innovadores de la pintura u otras artes gráficas, un artista que no te dejan indiferente: sus obras digitales, o te gustan al instante, o te disgustan inmediatamente, no hay término intermedio. Ni que decir tiene que a mí, en cuanto supe de él por un comentario que dejaron en una de las entradas de musicayvino.com (ver enlace), me encantó.

De su biografía, os doy algunos datos: nació en Londres en 1958; a los pocos años su familia se traslado a Canadá en donde empezó a estudiar Artes Gráficas en el Ontario College of Art & Design. Actualmente, sigue residiendo allí, en compañía de su mujer Jane y una mascota de nombre Bonnie, un extraño y poco habitual animal de compañía: un coyote.

Tuvo trabajos siempre relacionados con su especialización, el diseño, como, por ejemplo, en un estudio de arquitectura del que no guarda buenos recuerdos (de sus diseños, dijo, salieron edificios feísimos), en una escuela de Arte y Oficio y en una empresa de efectos especiales para cine y TV, GVFX.

De este último trabajo y gracias a sus brillantes diseños y novedosos conceptos visuales, la serie de ciencia ficción Total Recall basada en la novela de Philip K. Dick Do Androids Dream of Electric Sheep?(que también sirvió como guión para Blade Runner), fue nominada a los premios Emmy, Gemini y Monitor.

Compaginaba este trabajo con otro de índole menos frívola: fue fotógrafo durante 17 años en el The Hospital for Sick Childen de Toronto, retratando las reconstrucciones quirúrgicas de niños que habían sufrido accidentes o actos violentos. Esta etapa de su vida lo marcaría absolutamente, influyendo de forma clara en toda su obra gráfica.

Sus obras son totalmente digitales, usando modelos de diseños en 3D para, después manipularlas mediante un software que va incorporando texturas y formas, iluminaciones, sombras y reflejos, llegar a un resultado final de increíble realismo y maravillosa belleza plástica.

Su complejo mundo artístico lo empezó compartiendo con un grupo reducido de creadores de idéntica excentricidad y similar gusto por la provocación: la actriz, bailarina y modelo erótica burlesque Dita Von Teese, el cantante Marilyn Manson, la escritora y poetisa Rebecca Cook y otros artistas gráficos de idénticas inquietudes como Karen Preston, Almacan, Mark Ryden o Miriam Castillo.

Sus obras, todas ellas muy cotizadas y de complicada adquisición (al menos los originales), es una muestra extraordinaria de perfección técnica, surrealismo extremo, hermosura extraña e inquietante, decadencia mezclada con modernidad exacerbada, y perturbadora sensualidad.

Sus imágenes son técnicamente perfectas, muy elaboradas y meditadas, con mezclas de humanos con monstruos mutantes o insectos de rasgos y delicados coloridos, enigmáticos, todo ello muy emparentado con los iconos más famosos de la cultura pop.

Ray Caesar sólo exponen en las mejores galerías de arte surrealista del mundo o en la prestigiosa revista cultural Juxtapoz, especializada en obras de autores de marcado estilo oscuro y, tal vez, siniestro.

Alfredo Webmaster

 

Galerías en donde se puede adquirir sus obras

Jonathan LeVine Galley

529 West 20th Street, 9E

New York, NY 10011

212.243.3822

info@jonathanlevinegallery.com

www.jonathanlevinegallery.com

 

Richard Goodall Gallery

103 High Street

Manchester England

M4 1HQ

Tel: +44 (0) 161 834 3330

richard@richardgoodallgallery.com

www.richardgoodallgallery.com

 

Galerie Magda Danysz

78, rue Amelot - Paris 11 France

tel/fax : +33 (0)1 45 83 38 51

magda@magda-gallery.com

www.magda-gallery.com

 

Mondo Bizzarro

via reggio emilia 32 c/d

00198 Roma, Italy

tel/fax 06 44247451

info@mondobizzarro.net

www.mondobizzarro.net

 

Belinda Chun

Toronto

tel 416.587.0057

belinda@belindachun.com

www.belindachun.com

 

Categorías:
Lunes, a 9 de Noviembre de 2009

En Portobello Road, la zona más cosmopolita del Londres comercial, se encuentra la tienda de lencería What Katie Did.

Siguiendo los patrones de la moda íntima de los años 40 y 50, Katie Halford, la diseñadora y propietaria de la empresa, creó una hermosísima colección de corsets y complementos femeninos de primer nivel, con telas, diseños, colores e, incluso, objetivos olvidados entre las mujeres de finales del siglo pasado y principios de este: la lencería vintage, femenina y sensual.

En sus tiendas puedes encontrar desde la lencería más glamorosa a los más sexys corsets, trajes de baño, medias de raya atrás, pezoneras, elegantísimo trajes para eventos, etc. Todo un compendio de ropas pensadas más para exhibir (y hacerse admirar) que para, simplemente, llevar puestas.

Katie Halford, en una encomiable labor en defensa del trabajo bien remunerado y evitar así la explotación de mano de obra de países del tercer mundo, en su página web What Katie Did explica, con profusión de detalles, cómo, cuándo y por quién fueron confeccionadas las prendas: ¡Para que aprendan otros fabricantes!

Pese a que el comercio dónde se venden la lencería está en Londres, también se pueden hacer las compras por Internet: ¡Animaros, los corsets son hermosísimos (y muy, pero que muy, sensuales)!

Alfredo Webmaster

 

Jueves, a 12 de Marzo de 2009

Philip Scott Johnson, artista gráfico especializado en Morphing Technique (CMT), es el autor de este vídeo que sintetiza en menos de 3 minutos la evolución del retrato femenino de los últimos 500 años.

Para acompañar el trabajo, Johnoson incluye como fondo la música de la Suite for solo cello Nº1 in G major, BWV 1007 – Sarabande, de Johann Sebastian Bach, con Yo-Yo Ma al cello.

Si queréis saber con detalle cuáles son las 90 obras de arte de la pintura que aparecen en este trabajo, entrad en este enlace pulsando aquí. Ahí hallaréis una relación detallada del nombre de cada obra de arte, su autor y fecha de ejecución.

Este vídeo fue elegida la obra más creativa en los Premios YouTube Awards 2007.

Alfredo Webmaster

 

Domingo, a 9 de Noviembre de 2008

Los fractales son objetos semi geométricos cuya estructura básica, fragmentada o irregular, se repite a diferentes escalas.

El término fractal, que deriba del latin “fractus”, quebrado o fracturado, fue propuesto por el matemático Benoît Mandelbrot en 1975. El nombre con el que se conoció esta propuesta geométrica es el de “Conjunto de Mandelbrot”.

A un objeto geométrico fractal se le atribuyen varias características:

- Es un objeto geométrico demasiado irregular para ser descrito en términos geométricos tradicionales.

- Posee detalle, y detalles, a cualquier escala de observación, sea del tamaño que sea, se use o no se use el efecto zoom.

- Es una forma geométrica autosimilar: exacta, aproximada o estadísticamente igual.

- Su dimensión de Hausdorff-Besicovitch (grados de libertad para realizar un movimiento en el espacio) es estrictamente mayor que su dimensión topológica.

- Se define mediante un simple algoritmo recursivo (que expresa la solución de un problema en términos de una llamada a sí mismo; esa llamada a sí mismo, se le conoce como llamada recursiva).

¿Por qué os los presento? Por que son hermosos, por que son atractivos y por que son absolutamente variados: no existe dos fractales iguales, ninguno fractal es igual a otro. El más ínfimo cambio en la formulación de un fractal, genera un fractal totalmente distinto al anterior. Por tanto, existen millones y millones y millones de distintas posibilidades de fractales. 

Durante unos años tuve la afición de coleccionar fractales que veía en páginas Web. Algunos eran enormes y de una belleza apabullante, otros era como gotas de líquidos que hacían coronas imposibles (por hermosas); también tenía fractales que eran simples manchas de colores de una simetría tan bella que resultaban hipnótica.

Desgraciadamente, en uno de los formateos del disco duro de mi PC, me olvidé guardarlos y se perdieron: una pena.

Existen multitud de páginas Web que hablan de ellos. Os selecciono algunas de las más conocidas:

- Fractint Fractal Gallery

- Fractales de Martínez Roca

- Aspectos básicos sobre fractales

- Área Fractal

- La Galería Fractal

- Art Contest 2007

- Fractal World Gallery

- Fractal Gallery

- Fractal Domains

- Sprott's Fractal Gallery

- Sekino's Fractal Gallery

- Abstract Digitalart Gallery 

En el vídeo que incluyo más abajo, podéis ver un fractal sencillo en su visión inicial y extremadamente complejo en la complejidad (valga la redundancia) una vez “metidos” en el desarrollo matemático (zoom). Lo vais a disfrutar acompañados de la música barroca de Jean-Philippe Rameau y su obra “La Villageoise”.

Alguien definió a los fractales como “matemáticas de belleza infinita”. Y acertó. ¿Opinas lo mismo?

Alfredo Webmaster

Otro ejemplo de fractal en movimiento, con efecto zoom

 

Viernes, a 19 de Septiembre de 2008

De Xaquín Marín podría contar montones de historias, anécdotas y realidades: con su nombre y sobre su obra, mayoritariamente la de humor gráfico, hay cientos de páginas Web. Por tanto, poco podré contar que no esté ya publicado.

Este cuadro que os presento, fue el primero que tuve en propiedad. Data del año 1968, de la época en la que Xaquín tenía una estrechísima relación con mi hermano Manuel, con el que pasaba mucho de su tiempo libre cuando vivía en Madrid; también yo coincidí con él cuando estuve estudiando en la capital de España. Es un óleo sobre tablex, de gran dimensión, pintado en tonos azules y negros, y sus tonalidades intermedias. Hasta el año pasado estaba enmarcado con un marco sencillo, tan sencillo que su propia sencillez le robaba protagonismo al tema central del cuadro, al quedar difuminada la obra en la pared, perdiendo parte de su fuerza y mensaje.

Representa a dos ancianos que viven (que fueron “trasplantados”) en la ciudad pero que añoran el campo, el terruño, la leira en donde nacieron y de donde nunca desearon salir.

Actualmente, además de su actividad artística, Xaquín dirige el Museo do Humor de Europa.

El segundo cuadro es de otro histórico pintor, grabador y dibujante: Xulio Prieto Nespereira, uno de los mejores y más valorados grabadores españoles del siglo XX.

Además de ser un cuadro de excelente técnica y gran calidad, tiene para mí un gran valor sentimental: fue un regalo de mi padre y siempre ocupará un lugar importante en mi casa.

El siguiente, un gaiteiro, es de Miguel Lubiáns, un joven (ya no tanto…) pintor pontevedrés que está adquiriendo un gran predicamento en los ambientes artísticos de Galicia y Portugal.

El último, es de José Ramón Morquecho, otro artista pontevedrés. Morquecho, nombre con el que es conocido y reconocido, pinta sus cuadros cargados de efectos de luz, de contrastes y de grandes manchas de colores vivos y fuertes, como el amarillo, el verde o el lila.
 
 
Xaquín Marín, visto desde la escalera
 
 
Xaquín Marín, detalle del cuadro
 
 
Xulio Prieto Nespereira, en su hornacina
 
 
Xulio Prieto Nespereira, detalle del cuadro
 
 
Miguel Lubiáns
 
 
Miguel Lubiáns, detalle del cuadro
 
 
José Ramón Morquecho
 
 
José Ramón Morquecho, detalle del cuadro
 
Miércoles, a 13 de Agosto de 2008

La Torre de Hércules, el faro más antiguo del mundo todavía en funcionamiento, se erige majestuoso y solitario mientras contempla, desde su privilegiado y agreste promontorio, el grandioso mar de los ártabros y el antiguo asentamiento de Brigantium. Sólo el Obelisco Millenium, emblema del siglo XXI, es capaz de desafiar a la histórica torre romana.

Por Belén Franco


Algo de leyenda

Las ciudades antiguas siempre se han apropiado de legendarios fundadores. En el caso de la ciudad de A Coruña, su origen se sumerge en evocadoras leyendas históricas. Su héroe, por excelencia, ha sido Hércules, uno de los muchos hijos de Zeus.

Según cuenta el relato escrito por Afonso X O Sabio, en su “Estoria de Espanna”, por estas tierras existió un gigante de nombre Gerión que exigía a todos los habitantes la entrega de la mitad de sus posesiones. Agobiados por este injusto sometimiento, solicitaron la ayuda de Hércules que, no sólo venció al gigante en una lucha que duró tres días con sus correspondientes noches, sino que lo mató y enterró su cabeza, construyendo sobre el túmulo una torre sobre la que se instaló un espejo en el que se reflejaban las naves que se acercaban a la costa. Parece que una mujer, llamada Coruña, fue la primera persona en llegar hasta el lugar; y, en su honor, el semidiós quiso atribuirle este nombre a la nueva población que empezaría a nacer. De la presencia de este héroe en la ciudad, nos queda el solemne y eterno vestigio de la torre que lleva su nombre. Además, a raíz de aquel acontecimiento, el escudo de A Coruña incorpora la leyenda de Hércules con la representación del faro junto a la calavera de Gerión y dos huesos a los pies de ella.

Otra narración, de origen celta, atribuye a Breogán, caudillo de los ártabros de la Galicia prerromana, la fundación de Brigantium y la edificación de la torre. Su hijo Ith divisó, desde aquí, las costas de Irlanda, emprendiendo la navegación hacia su conquista, aunque fracasaría en este empeño.

Más allá de la literatura mitológica, la historia nos narra, gracias a una inscripción latina grabada sobre una roca que se conserva al lado del faro, que la orden de construirlo, la dio Trajano, en el siglo II de nuestra era; y que el autor del magnífico proyecto fue el lusitano Cayo Servio Lupo, natural de Aeminio (actual Coimbra), que dedicó su obra al dios Marte.

Algo de historia

Los deseos de conquista de los romanos siempre anhelaron las tierras de los cántabros, astures y galaicos. Hacia este extremo del noroeste peninsular, poblado por tribus castreñas, se orientaron campañas y expediciones de conquista dirigidas por famosos e históricos caudillos romanos en busca del  oro y del estaño de este territorio. Como manifestación de la presencia de la civilización y cultura romanas, nos quedan importantes e interesantes ejemplos arquitectónicos de gran espectacularidad por nuestras provincias gallegas. Uno de esos legados es la Torre de Hércules.

Sabemos que en Brigantium (A Coruña), debió de existir un núcleo urbano relevante, que se remonta a la época prerromana, con un importante puerto –el Magnus Portus Artabrorum-, y con una notoria actividad marinera, si tenemos en consideración la presencia de su grandioso faro romano que atestigua este lejano origen. Restos arqueológicos descubiertos han puesto de manifiesto que, quizá, uno o dos siglos antes de construir el monumento romano, existiese en el lugar un puesto de señalización y de vigilancia. Y es que  por la situación estratégica que su puerto confería, el asentamiento geográfico emergente se convierte, de esta forma, en un importante centro de rutas comerciales entre el Mediterráneo y las Islas Británicas, como así lo atestiguan los registros cerámicos. Los romanos deciden, por tanto, establecerse en esta ciudad marcadamente atlántica. Posiblemente, la relevancia que debió de alcanzar el puerto de Brigantium favoreció el levantamiento del faro, con el fin de vigilar esta costa y de orientar a las gentes del mar. A pesar de que algún cronista menciona a los colonos fenicios, que llegaban con frecuencia a estas costas, como los artífices iniciales de este colosal proyecto -quizá para atribuirle mayor antigüedad al edificio-, siempre se le ha considerado como una de las obras civiles más singulares y destacadas de la Hispania romana, comparándola con el famoso faro de Alejandría. Aunque los originarios 35 metros de la torre de Brigantium se quedan escasos frente a los 134 metros de la egipcia.

Gracias a las ilustraciones y trabajos de investigación publicados, que de esta valiosa torre nos han legado varios autores -entre ellos destaco Investigaciones sobre la fundación y fábrica de la Torre llamada de Hércules, situada a la entrada del puerto de La Coruña”, obra del siglo XVIII, del ilustrado Joseph Cornide, que se arriesgó a estudiar cómo sería la antigua estructura romana-, conocemos que, hoy en día, el faro nos muestra un aspecto diferente al que tenía en el proyecto inicial de Servio Lupo. Así sabemos que la moldura en relieve, que recorre helicoidalmente su fachada, reproduce, de manera ornamental, la antigua rampa que subía por el exterior del edificio y por la que ascendían los carros cargados con la leña para mantener encendida la hoguera (por las excavaciones arqueológicas efectuadas en el año 1992, se sabe que esta rampa estuvo protegida, de los rigores meteorológicos, por un muro perimetral exterior, siendo todos estos elementos destruidos a lo largo de los siglos posteriores); o que el remate de los tres cuerpos de que consta este faro de planta cuadrada, que hoy en día se eleva unos 55 metros sobre el nivel del mar, estaría coronado por una cúpula; o que en su remodelación neoclásica, en el último tercio del siglo XVIII, de la mano del ingeniero Eustaquio Giannini, y ante el deterioro que el edificio sufría, se realizó un recubrimiento de la estructura preexistente, utilizando bloques de granito, dándole, así, su fisonomía actual.

El aspecto exterior de la torre no muestra ninguna huella romana. Para poder disfrutar de la ancestral fábrica, perfectamente conservada, accedo a su interior. En su entrada, me recibe una escultura de Hércules que custodia celosamente las entrañas de la torre.  Inmediatamente, ante mí, se extienden los restos de sus cimientos romanos; y aprecio claramente toda la obra antigua no sólo en la organización de su interior alrededor de un eje central cruciforme, que articula las tres plantas en cuatro cámaras iguales con bóveda de cañón, sino también en el roce de cada piedra, mientras voy subiendo sus más de 200 peldaños repartidos en los tres cuerpos y que me conducen al mirador con una grandiosa vista del océano. No es difícil comprobar, tampoco, a lo largo de mi ascensión, que algunos de los vanos de la obra romana se han transformado en las ventanas actuales.

La torre ha sufrido modificaciones a lo largo de la historia. Con el declinar del Imperio Romano, el comercio por mar disminuye, lo que implicaría el abandono del faro y la pérdida de su función, pasando a convertirse en atalaya defensiva. Es posible que, en el medievo, soportase asaltos que provocarían su destrucción y su aspecto ruinoso. Se aprovecharon las piedras que caían de su muro para utilizarlas como sillares en otras construcciones. Parece que parte del castillo de San Antón se edificó con esos aparejos.

El período de abandono y de ruina que supuso la Edad Media para la Torre de Hércules se transforma en un período de renacimiento  en la Edad Moderna. La torre, que se conocía por entonces como Castillo Viejo, es reconstruida gracias al Capitán General del Reino de Galicia, duque de Uceda. Asume, entonces, la función de atalaya, con fines defensivos, por su situación privilegiada para detectar posibles ataques por mar de naves francesas; pues, por esas fechas, España estaba en guerra con Francia. Se afianza la torre como símbolo; se realizan trabajos de acondicionamiento y se dictan normas municipales que prohíben la extracción de piedra de la torre para evitar su ruina y olvido; además se taladran las bóvedas que delimitan los pisos de la torre para construir la escalera interior que permitirá subir a la cúspide del faro, trabajos ejecutados por el arquitecto Amaro Antúnez. Cuando finalizaron estas obras, los cónsules de Flandes, Holanda e Inglaterra solicitaron la construcción de dos torrecillas con faroles, con el fin de mantener una luz encendida, todas las noches, durante diez años. A cambio, establecieron un impuesto que deberían pagar todos los navíos que llegasen a cualquier puerto gallego para subvencionar el mantenimiento de los fanales. Parece, por tanto, que a partir del siglo XVI, se inicia, paulatinamente, el principio del resurgir de la torre. Además, los peregrinos procedentes de Flandes e Inglaterra que desembarcaban en la ciudad de A Coruña, es probable que se encargaran de divulgar por Europa la grandiosidad que este faro ofrecía a los ojos de cualquier visitante.

Con el trabajo de Cornide -la mejor aportación que se ha realizado, hasta ahora, sobre la construcción- se inicia una nueva etapa en la historia de la torre basada en datos y normas de carácter científico impuestas por las ideas de la Ilustración. Giannini, aconsejado por Cornide, procederá a su restauración fundamental de estilo neoclásico, evitando que se pierda la estructura romana de la torre, respetando los viejos muros romanos interiores y los antiguos vanos y manteniendo el recuerdo, por medio de una banda diagonal, del recorrido de la desaparecida rampa que llegaba hasta la parte superior del faro, alternada con diez ventanas en cada fachada, unas con vanos abiertos y otras con vanos falsos. Por otro lado, la rehabilitación del faro se aprecia en los dos cuerpos octogonales superpuestos que forman parte del cuerpo superior para albergar la antigua linterna, reemplazada hoy por un sistema óptico de iluminación que, con sus cuatro destellos de luz blanca cada 20 segundos, baña de resplandor las aguas del Atlántico. Pero la intervención de Giannini no se limitó sólo al faro, sino que también abarcó su entorno con la proyección de una plataforma y escalera en la base de la torre y un acceso  con la ciudad. Con las obras dirigidas por Giannini, la torre alcanzó su recuperación definitiva. Hay que señalar que el interés del Real Consulado de A Coruña, respaldado por el Ministro de Marina y con la ayuda técnica del Departamento de Ferrol, impulsó muy favorablemente la finalización de los trabajos de mejora y de funcionamiento del faro.

Ya a finales del siglo XX, lo más relevante han sido las excavaciones arqueológicas al pie de la torre, que sacaron a la luz los restos del muro exterior romano, y la regeneración del espacio que rodea el faro. Recorro este entorno, convertido en un conjunto especialmente armónico, con la creación del denominado “Jardín de Hércules” y sus figuras escultóricas que aluden a la leyenda de la torre y al origen de la ciudad, empleando nombres tan evocadores como “Ártabros”, “Breogán”, “Guardianes”, “Rosa de los vientos”,”Caracola”, Hércules y Gerión”, entre otros; sin olvidar los relieves de bronce de las puertas de la edificación que narran la leyenda del monumento. Trabajos con un significado fuertemente simbólico y mítico, realizados, todos ellos, por diversos artistas contemporáneos y que han ayudado a la transformación de este ámbito en un interesante enclave histórico, cultural y natural.

Desde este privilegiado emplazamiento, batido por los vientos, es de obligado cumplimiento la contemplación del magnífico paisaje urbano y del agreste mar, de espuma blanca y plateada, que rodea a una ciudad íntimamente vinculada al Atlántico, en donde los tonos verdes, azules y grises se combinan armoniosamente hasta el horizonte.

El Obelisco Millenium, con sus 50 toneladas de cristales de roca y acero y con las representaciones de diversos episodios de la historia de esta legendaria ciudad grabados en sus vidrios, se erige, desde un estanque que simula el mar, como el símbolo de la ciudad para el nuevo milenio, al mismo tiempo que, con sus 50 metros de altura, le hace un guiño a su vecina Torre de Hércules.

Camino hacia la UNESCO

Esta solemne construcción arqueológica, inspiración de pintores como Lugrís y Seoane, inmortalizada por Picasso, evocada en la literatura por Curros Enríquez, Ramón Cabanillas o Francisco Añón, ha sido propuesta a la UNESCO como candidata española para convertirse en Patrimonio de la Humanidad, argumentando el gran valor que le confiere el ser el faro romano más antiguo del mundo en activo. Junto a las cualidades de singularidad, autenticidad y universalidad -adquiridas en su largo devenir de más de dos mil años de historia- su situación estratégica en la ruta marítima entre el Mediterráneo y el Atlántico norte la convierten en un importante vestigio de la tecnología marítima y de la navegación a gran escala durante el Imperio Romano. Conserva, también, algo muy importante: el atractivo ancestral de una cultura y de un tiempo histórico, mágico y legendario; sin olvidar el destacado valor inmaterial que le otorga su vinculación con la leyenda de Hércules, el magnífico entorno paisajístico que parece abrazarla, o el haber sido testigo mudo de destacados acontecimientos en la historia de la ciudad, de intercambios culturales y comerciales y de importantes naufragios marítimos que sucedieron, en sus inmediaciones, en los últimos años.

En Galicia, el Casco Histórico de Santiago y su catedral, el Camino de Santiago y la Muralla Romana de Lugo son, por ahora, los bienes que tienen la distinción de ser Patrimonio de la Humanidad. Hay que esperar a junio del 2009 para conocer la decisión que tomará la UNESCO relativa a esta nueva candidatura. El 1 de febrero de este año, 104 faros de toda España se encendieron, al mediodía, e hicieron sonar sus sirenas para apoyar la candidatura de la vetusta torre gallega en su singladura hacia la declaración de Patrimonio de la Humanidad. Una avería de la señal acústica en el mismo faro de Hércules impidió que, ese día, funcionase correctamente. Sólo cabe esperar que ese pequeño fallo mecánico en su normal ejecución no sea la  advertencia de un mal presagio.

La Torre, uno de los faros más emblemáticos de España, es una presencia simbólica, una fuente que rebosa de personajes mitológicos, de relatos legendarios. Es la clara manifestación de una convivencia armónica entre el arte romano de su interior y el neoclásico de su exterior que la convierten en un  valioso patrimonio cultural y artístico que seguirá despertando emociones y sensaciones mientras guía al visitante por el descubrimiento de su pasado.

“…este faro, además de ser beneficioso para los navíos que frecuentan este puerto y recorren su costa, será siempre, y sobre todo, la Torre de Hércules(Eustaquio Giannini)

 

 
Interior de la Torre de Hércules (cimientos)

 

 

Vista de A Coruña desde la Torre de Hércules

 

 
Vista al mar desde la Torre de Hércules

 

Jueves, a 26 de Junio de 2008

Hace unos días adquirí un cuadro de una pintora a la que le auguro un gran futuro si tiene suerte y sabe “moverse” mejor en el proceloso mundo del arte: Ritta Bremer.

Su exposición permanente, situada al borde de la carretera que une España con Portugal, en el centro de la  villa de Tui, es un espacio lleno de vida, de sensaciones y de vivencias, con cuadros que se amontonan y se superponen uno a otros en series concadenas de temas y tiempos.

Su estilo ecléctico y desenfadado no pone límites ni coarta los distintos estilos pictóricos: lo mismo mezcla óleo con acrílico, como acuarela con tinta.

En ese continúo experimentar radica su valor como artista; ni está quieta ni está anclada en formas estereotipadas, algo que podría ser obvio dada su juventud (de carácter y de apariencia).

El cuadro que le compré, titulado “La mente II”, es una pieza de 46 x 38 centímetros, con una excelente combinación de tonos y formas, una obra que aúna la temática “mental” de la artista con el sentido estético de su obra.

Para el enmarcado recurrí a Betty, de AMR, la mejor fabricante de marcos de toda la provincia. Elegimos uno de tonos oro viejo con armazón interno realzado en un  color plateado también en viejo, y dos escaleras en negro para realzar el fondo y los bordes del cuadro.

El resultado final es tan bueno, tan armónico, que Betty utilizará este cuadro como portada de la próxima página Web de la empresa y carta de presentación de sus trabajos.

Alfredo Webmaster

 
Detalle del cuadro "La mente II"

BIOGRAFÍA

(Escrita por Ritta Bremer)

Nací un día frío de febrero, allá en el mar del norte, en Bremerhaven (Alemania), a los tres meses de vida cruce Europa y desde entonces vivo aquí en Galicia, en Tui.

De pequeña coloreaba mis cuentos, y a los trece años comencé a pintar, hasta hoy nunca lo deje. Pinté con acuarela, óleo, acrílico, plumilla, tinta, esmalte, carboncillo, sanguina, pastel, hice grabados en madera, y en espejo.

Me considero una pintora autodidacta, aunque estudie dibujo y diseño en el bachillerato e historia del arte en la universidad de Pontevedra. Aprendí estilos, técnicas, movimientos artísticos, texturas, materiales, estudie la luz, el color, la forma. Nunca me presente a premios ni concursos.

Mis obras se podrían definir como arte figurativo y expresionismo, aunque últimamente estoy haciendo una incursión en el expresionismo abstracto y el constructivismo.

Pero como el grupo Die Brücke pienso que es de los nuestros aquel que trasmite de forma directa y sin falseamientos lo que le impulsa a crear.

Mi obra dice que esta llena de color y vida, y que es original y creativa.

Yo solo trasmito lo que siento...

EXPOSICIÓNS REALIZADAS

1995. Liceo Casino. Pastel sobre papel. Tui (Pontevedra).

1996. Nevada. Pastel sobre papel. Tui.

1997. Central. Pastel sobre papel. Tui.

1997. Términus. Acrílicos sobre papel. Tui.

1998. Arco da Vella. Acrílicos sobre lienzo. Vigo.

1999. Área Panorámica.“Novos Valores”. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2000. Casa da Xuventude. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2000. La Traviata. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2001. Paradero. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2002. Área Panorámica. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2002. Venezuela Café. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2003. Soeiras. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2004. Área Panorámica. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2004. Bosque Nativo. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2005. Yucatán Arte. Acrílicos sobre lienzo. Tui.

2005. Alma Pub. Acrílicos sobre lienzo. Vigo.

2005. Exposición permanente en el Local Artte54. Tui.

2005. Participación en Novos Valores. Obra ‘Memoria dun paxaro’. Pontevedra.

2005. Polígono do Tambre. Asociación de Empresarios. Santiago de Compostela.

2006. Preseleccionada en la Bienal de Pamplona. Obras: ‘Actitud’ e ‘Quimera’.

2006. Baol. Acrílicos sobre lienzo. Vigo.

2006. Exposición en la Galería de Arte ‘Sol & Bartolomé’. Santiago de Compostela.

2006. Exposición en el Casino. Santiago de Compostela.

2007. Exposición en el Ateneo de Ourense.

Apariciones en medios de comunicación: Televisión de Galicia, Faro de Vigo, La Voz de Galicia, Atlántico Diario y Siglo XXI.

Domingo, a 22 de Junio de 2008

Trini Barreiro, pintora viguesa afincada en Pontevedra, es el vivo reflejo de una artista ecléctica y cambiante, poseedora de un maremagnum de estilos y técnicas, todas ellas de una elevada calidad pictórica y un buen resultado estético.

Sus obras van desde el entusiasmo por la naturaleza, con flores y hojas de gran formato y colorido, hasta paisajes bucólicos (pero reales), marinas o pintura abstracta. Utiliza tanto la acuarela como el óleo o los acrílicos, buscando siempre el mejor medio para el buen fin de lo que expresa.

Desde hace años es amiga mía, y como amiga no puedo ser imparcial: me gusta su pintura y disfruto de su compañía.

Tengo dos de sus obras, para mí los dos mejores de los cuadros que de su producción más reciente; se llaman: “Puesta de sol” y “Ocaso

 

De Fernando Pennetier por puedo decir nada distinto de lo que se ha dicho antes: es uno de los grandes de la pintura española del siglo XX.

Zamorano de nacimiento, del año 1936, Pennetier dejó huellas imborrables de su calidad y saber hacer en múltiples obras desde las primeras exposiciones en su ciudad natal, hasta la última presentada en la Galería Espacio 36

Su arte es romántico, con reminiscencias de antiguo y, sobre todo, eminentemente poético. Sus cuadros están llenos de una luz tamizada, como con un halo de tristeza.

El cuadro que tengo en mi casa en la cabecera de la cama, es un bellísimo retrato de mujer sobre fondo negro, del año 1974, una obra de la época más brillante y prolífica de este gran autor.

 

El cuadro de Menchú Outón lo tengo por que lo quiero tener, por que me gusta y por que me impactó desde el día en que lo vi colgado en una exposición: “Menchu Outón: dentro da pel”, en la Sala Caja de Madrid (diciembre 1993).

Está lleno de vida, de fuerza y de imaginación. Representa el universo y dentro de él, el ser más importante: un humano.

 

Trini Barreiro: "Puesta de sol"
 
Detalle de "Puesta de sol" de Trini Barreiro
 
Menchu Outón y Trini Barreiro
 
Detalle del cuadro de Menchu Outón
 
 
Detalle de "Ocaso" de Trini Barreiro
 
Cuadros de Valcarcel y Fernando Pennetier
 
Detalle del cuadro de Valcarcel
 
Detalle del cuadro de Fernando Pennetier

 

Domingo, a 1 de Junio de 2008

Advertencia previa

Balthus es un provocador y su pintura buscar eso: provocar. La altísima cotización que alcanzaron y alcanzarán sus cuadros, incluso los dibujos y apuntes previos, por los que los coleccionistas privados de más prestigio están pagando enorme cantidades, podría suceder que alguno de los cuadros que presento puede herir la sensibilidad de ciertos lectores o lectoras de mi blog.

Si sucediera eso y a alguien le hiere la visión de alguno de los cuadros de Balthus, lo siento; es un pintor que me gusta y que espero que también os guste a vosotros.

Balthasar Klossowski de Rola "Balthus"

(París, 1908-2001)

Picasso fue el primer comprador de una de sus obras. Nunca tuvo necesidad de vender nada al ser noble aristócrata polaco (heredó él y su hermano una fortuna de un primo de su padre).

Su primera esposa, Antoinette von Wattenwyl, se escandalizó al verse pintada desnuda en las paredes de las casas de sus amigos. La ruptura de la pareja fue inevitable.

Balthus en un viaje a Japón conoció a Setsuko Ideta a la cual tomó como asistente, alumna, modelo y "esposa".

Aunque su pintura resultó novedosa desde su primera exposición en la Gallerie Pierre de Paris en 1934, su obra pasó totalmente desapercibido; sólo llamó la atención de algunos de sus amigos como el director del MOMA de New York, J. T. Soby, Artaud y Giacometti...

Un año después de la muerte de Balthus, se organiza una exposición en el famoso Palazzo Grassi en Venecia, exposición que incluyó casi todas sus obras (300 catalogadas). A raíz de esta exposición, sus obras adquirieron un enorme valor.

Los críticos de arte han querido ver en la pintura de Balthus influencias que todos los artistas tienen: proporciones clásicas, obsesión constructiva, atmósfera irreal, panteísmo, romanticismo, estética oriental.

Puede que si, que la pintura de Balthus tenga todo eso pero yo creo que lo que el refleja es morbo puro, pinturas de atmósferas densas…

En sus cuadros los protagonistas no son las figuras principales por él pintadas; no, no lo son… en sus cuadros los protagonistas son el gato que aparece en un cuadro, los ojos de los que miramos sus obras, el vuelo de la falda subida, la dejadez y entrega de las formas de sus modelos, el pensamiento que intuimos en la figura de un personaje que no forma parte del cuadro...

Balthus puede parecernos excesivamente malicioso jugando con nuestro cerebro en las posturas, pero en realidad está intentando imitar las formas de un Degás o un Matisse, buscando en sus modelos esas posturas imposibles que en ellos se dan de una manera natural. En sus obras se aprecian esos recortes fotográficos a lo Toulouse Lautrec, que Balthus los lleva a la perfección.

Para Balthus, que sus obras fueran catalogadas por algunos de exaltación de las lolitas, no tenía sentido y le parecía más un intento de devaluar su arte que la simple catalogación de pornográfico.

1













Viernes, a 9 de Mayo de 2008
1

Los diseñadores de joyería contemporánea Bruno & Woehlke presentaron en diciembre su Línea 2008 de complementos: anillos, pendientes, collares y gargantillas.

Además de recomendaros que visitéis su página Web, muy bien diseñada y rápida, os enseño los anillos de la foto, un conjunto de tres anillos en plástico y silicona que son los más impactante de toda la colección, muy hot los tres.

Our jewellery plays with traditional expectations of the senses. By surprises and uncertainties new colourful worlds join together. We create place for ambiguousness. Playful lightness and fun come together.”

Suscribirse a Arte y Diseño